POR AMOR AL ARTE... AL NOVENO ARTE: enero 2010

25 de enero de 2010

DESPEDIDA Y ¿CIERRE?

(PROGRAMA MIL PALABRAS, 25 DE ENERO DE 2.010)

LO que he contado durante estos días no ha sido sino una visión particular de la historieta, está claro que no es la mejor, sino la mía, la de flecha verde.

PEro se acaba MIL PALABRAS, al menos, como lo he conocido. Araceli, la conductora del programa deja esta emisora. Yo no sé si continuaré con la radio, sé que continuaré con el Blog.

RAzones para continuar el blog hay. La primera el amor a los cómics, los tebeos o las historietas, que son casi lo mismo. La segunda es el gusanillo radiofónico. Ha calado, a pesar de la poca preparación. La tercera el hábito. La más importante, la gente.

VEremos en que acaba esta aventura que inaugura un nuevo ciclo en mi vida. Ciclo light, porque este divertimento y los cambios en mi domicilio no son nada comparados con otros cambios-

TEatro, cine, cómic, novela, no son sino formas de llegar a la gente, de intimar, de contar una historia. La radio además es la de la voz que acompaña y arrulla. Algunas voces de MIL PALABRAS son hermosas, vayan donde vayan que no cambien.

YA ha llegado este lunes. El lunes del adiós o el hasta luego. Siempre que acaba un programa o una serie, se apaga el telón y se dice hasta luego. Así se lo dijeron al comandante Ché Guevara. Así se lo decimos al MIL PALABRAS de Amai.

Gracias a todos los colaboradores que han sido amables y receptivos. Gracias a los técnicos de sonido que han mimado a mi hija. Gracias a los hombres y mujeres de este programa.

¡Hasta Luego!

20 de enero de 2010

JEAN GIRAUD/MOEBIUS.¿DOS CARAS O UNA CARA?

( PROGRAMA MIL PALABRAS, 21 DE ENERO DE 2.010)

Hablando de Moebius nos podemos acordar del insigne matemático, de la famosa superficie que describió o de un francés genial y poco convencional que también responde a su otro nombre, Jean Giraud. Siendo este un blog sobre cómics parece obvio que nos referimos al último, aunque yo no tengo tan claro que nuestro Moebius no sea sino una encarnación de la superficie, una superficie con dos caras que resulta ser solo una.

El uso para este narrador de sus dos nombres no es arbitrario. Jean Giraud es el nombre usado para el cómic más convencional y clásico, el del dibujante de Teniente Blueberry. Moebius es su heterónimo, el que crea otros mundos, otras realidades, el creador del Incal.

La importancia de Moebius la podemos valorar sabiendo que su nombre fue durante los años 80 en Francia estuvo ligado a la intelectualidad y considerado por muchos, no una figura del cómic sino un verdadero filósofo y un gurú. Y está claro que el autor de El Empalmado Loco, amigo de ese otro loco llamado Jodorowsky, no es una persona convencional.

Parisino y ciudadano de muchos mundos, Jean Giraud se inició muy joven en el mundo del cómic y la ilustración. Antes de ir a vivir a México con 16 años, ya había visto publicada sus primeras historias en Francia. Después de un periplo de varios años en los que vive sucesivamente en México, Francia, Alemania y Argelia se instala definitivamente en Francia en 1961 y comienza a colaborar en series de historietas sobre el Oeste. Cuando en 1964 se une a Jean Michel Charlier para crear El Teniente Blueberry se inicia una época de gran éxito comercial lo que le ha permitido desde ese momento vivir de manera desahogada. Aunque el mayor éxito de crítica lo cosecha como Moebius, nunca ha olvidado o relegado a Blueberry, siempre ha sido un serie que ha cuidado mucho tanto en el dibujo como en el guión, y no solo por celo profesional, sino que ha confesado que tiene un especial cariño a este personaje por lo que ha aprendido del arte de dibujar y de narrar historias.

No debe ser casual que su nombre esté unido al de las revistas francesas de mayor repercusión en el mundo del cómic. A Pilote llegó de la mano de Goscinny y Uderzo. En Hara-Kiri se convirtió en Moebius para poder ir más allá del propio Jean Giraud y con los Humanoides Asociados creó Metal-Hurlant. Es decir, viajó desde el cómic más clásico de la historieta francobelga a la fantasía desbordante de la mejor ciencia ficción hecha jamás, pasando por el cómic crítico, experimental y satírico.

La obra de este autor se inicia de una forma clásica, Teniente Blueberry, es una narración sobre el Oeste americano, lleno de tópicos y lugares comunes que a menudo beben del cine, pero que constituye una obra de muchísima calidad. Cuenta la historia de un perdedor, un sudista, que acusado de matar a su suegro debe huir para evitar su ahorcamiento. Adopta el nombre de Mike S. Blueberry y recorre el viejo Oeste durante la guerra de Secesión, vive con los apaches y se encuentra en el OK Corral, en el mítico Tombstone.

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Sin embargo su producción como Moebius es radicalmente distinta. No solo por el dibujo menos realista, menos encorsetado, sino porque inaugura una de las más influyentes carreras que se conocen en la ciencia ficción. Yo amo los mundos sutiles, ingrávidos y gentiles, como pompas de jabón, y así son sus mundos, líquidos, etéreos, llenos de magia y fantasía, tarot y ciberseres; en ellos sí es posible atravesar la puerta de Tanhaüser y ver rayos zeta brillar en la oscuridad. Para la posteridad quedan El Garaje Hermético, El Incal y su protagonista John Difool y Arzach. Los mundos que imagina y que crea, su visión de mundos casi líquidos, la conexión entre el sueño y la vigilia, entre la ensoñación y la realidad deben mucho al autor, a Jodorowsky, y a los años que pasó leyendo solo ciencia-ficción, y también, que nadie lo refute , a la marihuana.

Las películas Alien, Star Wars, Willow, Little Nemo, El Quinto Elemento y Blade Runner también han contado con el concurso de Moebius o han visto recogida su influencia y sus películas.

Si hablamos de dos caras y de dualidad, podemos decir que ha pasado de western a la ciencia ficción, del cómic clásico al experimental, de un nombre a otro, de la soledad a la colaboración, de un universo a otro. Pero, si hiciéramos como las hormiguitas de este dibujo y empezáramos por cualquiera de ellos, ¿no llegaríamos al mismo punto partiéramos de donde partiéramos sin necesidad de abandonar la superficie?.

14 de enero de 2010

¡CON TODOS USTEDES… MORTADELO Y FILEMÓN!

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 14 DE ENERO DE 2010)

Seguro que alguien comparte conmigo algún momento desternillante de risa con estos señores que ya superan los 50 años. Seguro que alguien se ha reído solo, como un verdadero loco, con alguna viñeta de estos superagentes. Seguro que hoy me olvido algo y que alguien, mayor seguidor y mayor conocedor de esta obra, me lo hará recordar. Seguro.

Pero, ¿de qué hablo?, ¿a quiénes menciono?. Sin duda, de los espías más conocidos de nuestro país, de Mortadelo y Filemón, Clever & Smart, o de Mort & Phil. Es decir de un tipo con dos pelos vestido con camisa blanca y pantalón rojo, y de otro calvo y con gafas vestido con frac negro, pero un verdadero mago de los disfraces.

Estos dos personajes nacieron en 1958 de la pluma y de la mano de Ibáñez, uno de los mayores exponentes de los tebeos españoles de los años 50, 60 y 70. Así que, ya talluditos y cumplidos los 50, Mortadelo y Filemón se han convertido en la serie más conocida de las historietas españolas, la más internacional y casi en un símbolo, el de una forma de trabajar ya casi extinta.

La historia de Ibáñez comenzó como la de muchos españoles en los años 50, buscando un trabajo estable en una entidad de solvencia, así que entró a trabajar como botones en el Banco Exterior de España, pero dejó este trabajo para dedicarse a la historieta por completo. A este creador se le deben una ingente cantidad de series y de personajes como La Familia Trapisonda, Pepe Gotera y Otilio, 13, Rúe del Percebe, Rompetechos, El Botones Sacarino…, pero es con Mortadelo y Filemón con quienes alcanza el éxito. Me gustaría añadir que no solo el éxito, sino la mayoría de edad como autor y su obra maestra, pero los excesivos altibajos de esta serie no permiten encumbrarlo de esta manera, es decir, como a uno de los grandes autores de cómic.

A pesar de su éxito, indudable, incuestionable, merecidísimo, Ibáñez podría haber sido algo más. Existe esa tragedia española de condenar lo propio al olvido y ensalzar lo foráneo, y con esta historietista y otros muchos de la Escuela Bruguera ha sucedido eso, que su tono satírico y paródico parecen haberlos relegado a un escalón inferior en la valoración de su obra. No siempre es ese complejo de inferioridad el que convierte a los autores españoles en autores menos reconocidos por la crítica, la forma de trabajar a destajo con varias series paralelas, varias publicaciones semanales, sin derechos de autor, sin firma, sin horarios, les impide desarrollar un potencial mayor. Un potencial que podría haber ensombrecido muchas de las reputaciones de las que gozan los autores belgas de series con corte humorístico. Raf, Vázquez, Escobar, Bernet o Ibáñez, en igualdad de condiciones, habrían estado a la altura de Morris, Uderzo, Goscinny y Hergé, pero eso es otra historia que deberá ser contada en otra ocasión. Ocasión que nunca existirá.

¡Bah!, dejemos las divagaciones. Mortadelo y Filemón, Agencia de Información, fue la serie que nació en 1958. Se trataba de una especie de parodia de Sherlock Holmes y Watson, en la que se desarrollaba una historia en solo una página, seis filas de viñetas, que, por necesidad, siempre acababa mal. Los críticos hablan de esta como de una etapa primitiva de la serie, y distinguen cuatro etapas. Yo, y perdónenme la inmodestia, hablo de tres etapas, la de las historias cortas, la de las historias largas con Bruguera y la vida después de Bruguera. A lo largo de esta primera etapa en la que se pasa de historias de una página a las de dos, hay también una evolución en los personajes y en las historias. Su aspecto, el gráfico, se va suavizando. Los rasgos de Filemón se vuelven más armoniosos, cambia la ropa que le acerca a Sherlock Holmes, aparece su característica pajarita y Mortadelo abandona el bombín y el paraguas con los que inició su andadura. Las historias, a pesar de contar con guiones aun muy famélicos, se desarrollan un poco más y dejan de contar con un argumento más propio de un sainete popular que de una naración madura. Advierto que el que esto cuenta ha hecho esta clasificación atendiendo a su experiencia como lector de Mortadelo y recuerda como en la colección Olé, las historias largas se complementaban con historias cortas que no encandilaban tanto como las otras y que se introducían como relleno. La verdad es que, hecho esto sin ningún tipo de aviso editorial, se convertía la lectura en un ejercicio especulatorio; uno no sabía si estaba leyendo historias de los mismos personajes o de otros, del mismo autor, o de la misma época. Con el transcurso del tiempo y el acceso a más canales de información, yo he descubierto la clave, pero estoy seguro de que una mejor edición habría dado un carácter de mayor calidad a la publicación, a la serie y habría contado con una mejor crítica. ¡Otra vez las divagaciones!.

En fin, que en 1969 se publica El Sulfato Atómico, la primera historia larga de Mortadelo y Filemón, y, junto con un puñado de las historias largas de estos personajes y 13, Rúe del Percebe, lo mejor de Ibáñez. Con este álbum se inaugura la mejor etapa de de los personajes, éxito de ventas, y abanderados de la editorial, que consiguen su propia revista en 1970. Para compaginar las historias de mayor longitud con las revistas de mayor frecuencia, Ibáñez recurre a crear capítulos de cuatro, seis u ocho páginas que se publican en la revista y que son autoconclusivos. En la acción de la historia se corresponden, por lo general, con lo ocurrido durante un día. La unión de varios de estos capítulos, de seis a doce, constituyen el álbum que se publica en Colección Olé. Y varios de estos Súper Olé conforman un libro de Magos del Humor o de Súper Humor. Es además de una época rentable, una época fecunda, en la que se suceden aciertos en la estructura narrativa de la serie, se abandona el humor saitinesco y aparecen parodias, bromas visuales, humor absurdo, enredos, juegos de palabras, humor negro, etc. El dibujo, puro Ibáñez, es el más cuidado. Y los personajes y los lugares comunes y recurrentes de la serie nacen en este época. Es obligado citar a la T.I.A., al superintendente Vicente, al profesor Saturnino Bacterio, a la secretaria Ofelia. ¿Quién no puede recordar el zapatófono, las entradas secretas, la máquina del cambiazo?.

Durante el periodo de 1969 a 1989, la situación en la vida española sufre un enorme cambio, también Mortadelo y Filemón. No sé si el agotamiento de las ideas, la saturación de trabajo u otras circunstancias son las culpables, pero es cierto que la calidad de la serie empieza a declinar a partir de 1979. Hay un hecho importante, de seis fila de viñetas en 1958, se pasa por las cinco de 1970 y a las cuatro en 1979 (El transformador metabólico) y, la cantidad de cosas que se cuenta en cada página disminuye considerablemente. Esto añadido a repeticiones de gags, de historias, a un menor cuidado del dibujo y del color y a la introducción de la actualidad más rabiosa en las historias hacen que la calidad, pero no el éxito, caiga de forma casi exponencial.

La salida de Bruguera no puede catalogarse como fácil. Un juicio y la pérdida de los derechos de autor protagonizan una etapa de baja calidad de las historias, a menudo realizadas por un equipo de la editorial Bruguera o de Ediciones B. La desaparición en 1996 de las revistas de publicación periódica significó, de manera paradójica, una recuperación de la calidad de Mortadelo y Filemón, que solo verían ya su publicación en formato álbum directamente. A mi juicio, nunca se recuperaría el espíritu del Mortadelo de Los Mercenarios, y la inclusión de historias muy cercanas a la actualidad, el intento de realizar sátira política y de sociedad, han sido los que han acabado de dar la puntilla a una idea que, por original y distinta al resto, triunfó. El agotamiento de una historia de más de 50 años, también ha provocado la sequía de ideas.

La relación de las historietas largas de estos personajes protagonizadas hasta la fecha es la siguiente:

Como todos tengo mis preferidas. Por supuesto, El Sulfato Atómico, la mejor, sin cavilaciones, a nivel artístico de todas las historias. Valiente por denunciar, en 1969, un régimen militar y sorprendente por la historia que narra. Luego están Pánico en el Zoo, Los Mercenarios, La Máquina del Cambiazo, La Caja de los Diez Cerrojos, El Brujo y Mundial 78. A todas ellas se une un criterio personal y alguno que otro sentimental, pero están unidas por un exponente común, son historias anteriores a 1980. Anteriores a la aparición en mi vida de otros cómics y de otros intereses, y, curiosamente, incluidas en la etapa clásica de la serie. Quizás no sea tanta casualidad, porque la aparición de estos cómics en el mercado español lo revolucionó y acabó con el monopolio de Bruguera y con la preeminencia de su estilo. Y, por ende, con el estatus intocable de Ibáñez.

Ver álbum completo

Para acabar, si esto no da para otro día, debo asegurar que me dejo muchas cosas por decir. Algunas las sé, otras no. Si alguien quiere escribir o comentar algo, bienvenido sea. Pero que conste una cosa, Harold Lloyd colgado de un reloj, Buster Keaton en un tornado y Mortadelo y Filemón en muchas ocasiones, han sido los causantes de mis mayores ataques de risa. A pesar de la crítica les tengo un inmenso cariño. A todos.

7 de enero de 2010

EL PRINCIPE VALIENTE

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 7 DE ENERO DE 2010)

Hoy, un día más tarde de que hasta los republicanos se hayan sentido monárquicos (salvo mi amigo Ignacio), quiero continuar con esta tradición y hablaré de otra dinastía real, la de Valiente, el Príncipe.

Quizás este personaje y su autor pertenecen a una época muy lejana en cuanto a imagen e ideales a la nuestra, estamos hablando nada menos que de un gran clásico, pero es imprescindible hablar de él para conocer los orígenes del cómic actual. A nadie que quiera saber algo sobre cine se le ocurriría obviar a John Ford, a Murnau o a Lubitsch, así que espero que a nadie que se acerque al cómic decida dejar de lado a Foster, a Raymond, Caniff o a cualquiera de los que convirtieron las tiras cómicas de los periódicos en una forma de expresión con categoría de arte.

Harold Foster, el creador de Valiente y de Tarzán, era un canadiense que emigró a Estados Unidos en 1922. Allí se enroló en una agencia que había comprado los derechos de la novela Tarzán, que él adaptó en 1929 para dejar paso luego a otros dibujantes. Tras el crack del 29, la editorial cerró y tuvo que trabajar para un Syndicate y retomar Tarzán, cuya imagen e iconografía, junto al cine contribuyó a crear definitivamente. Como a muchos autores, este serial y este personaje le agobiaban un poco, por lo que empezó a perfilar un nuevo personaje, Valiente, que no cuajó en la editorial en la que trabajaba.

En 1937, y tras un cambio de editorial, nació para el público, Prince Valiant, traducida al español como El Príncipe Valiente, donde adjetivo y nombre propio se confunden. Esta serie ha tenido una vida muy extensa y estuvo exclusivamente en manos de Harold Foster hasta 1971. Desde ese año hasta 1980, colaboró en los guiones, después, y muy poco antes de su muerte abandonó para siempre a Valiant.

La serie de Valiente continúa hoy en día, pero son otros los personajes y otros los autores, y aun así mantiene su éxito en Estados Unidos, mas ya no es aquella obra maestra del principio.

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La historia que se cuenta es la de Valiente, heredero del reino de Thule, instalado en la Inglaterra del Rey Arturo donde conoce a Lancelot, Gawain, Arturo y demás componentes de la leyenda artúrica. No solo desarrolla sus aventuras en la Inglaterra del siglo V, sino que viaja a otros continentes, conoce a su amada, Reina de las Islas Brumosas, y crece; a Val lo hemos conocido desde que era un niño, hasta la actualidad, un hombre curtido por el tiempo, los viajes y la aventura, padre de Arn, su continuador.

A pesar de ser un clásico, es posible encontrar muy buenas reediciones de este cómic en español. Buru Lan, Planeta, Bruguera, Lápiz de Papel, han realizado una gran labor recopilatoria de la que hablan maravillas los puristas de la serie, de la que cuentan que se ha recuperado hasta el color original, como si de un cuadro renacentista se tratara.

Las influencias de este dibujo realista, lleno de detalles y cuidadísimo, son muy ámplias. Ya en su época, otro gran clásico, como Alex Raymond/Flash Gordon, se vio influido por este tipo de dibujo y de ambientación, copiando hasta la forma de desarrollar los primeros planos y los cuadros de texto, a la manera del cine mudo. Frank Frazetta o Víctor Mora, con el Capitán Trueno, han sido otros dibujantes influidos por esta obra. En el cine ha habido al menos dos adaptaciones, y comics como Sigurd el vikingo o Haggarth, directamente beben de esta fuente.

Esta navidad no ha sido el príncipe sino mi reina quien me ha regalado la felicidad y la tranquilidad. Según Haruki Makurami “ El rey y sus súbditos se mondaron de risa ”.

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