10 de diciembre de 2009

FIN DE AÑO. NAVIDAD.

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 10 DE DICIEMBRE DE 2009)
Hoy por cuestiones del calendario es el último jueves de 2009 en que hablaré de cómics en Radio Betis. Todavía no sé si en 2010 volveré a las ondas, estamos negociando el contrato, pero lo cierto es que en un mal año he encontrado este lugar en el que hablar de una de mis aficiones favoritas, los cómics, la historieta, la narración secuencial, o, simplemente, los tebeos. Además, para castigo de los oyentes y de los lectores, hablo en un medio que en momentos muy difíciles me ha ayudado a sentirme, al menos, distraído y escribo, o me ilusiono creyendo que lo hago, en un blog creado al efecto.

Si recapitulo lo hablado en estas semanas desde julio debo decir que de todos los que he hablado han sido autores que me gustan, que adoro. Fue en julio cuando mi andadura en las ondas se inició con el maestro Hergé y continuó con Hugo Pratt. Después vinieron Superman, Conan, Astérix, Disney, El Capitán Trueno, El Jabato, El Guerrero del Antifaz, Snoopy, Cutlas, Spirit, Milo Manara y algunos otros. Nos hemos acercado al cómic femenino e iraní, al cómic épico, al de humor, al de aventura, el de superhéroes, y al de terror. Y afortunadamente nos quedan géneros sin tratar.


Imaginemos que en 2010 continuara La Flecha Verde, ¿de qué hablaría?. Me quedan temas de los que he querido hablar, sobre todo de cómic hispano. Le debo una a Cuto, Mortadelo y Filemón, a Pepe Gotera y Otilio, Zipi y Zape, Anacleto, Sir Tim O´theo, Rompetechos, 13 Rue del Percebe. Me siento obligado a hablar de Zona 84, 1984, Cairo, Cimoc, Comix, El Víbora, El Jueves, Makinaja, Historias de la Puta Mili, Martínez el Facha,…. Y entre los que no son de aquí no quiero olvidar a Moebius, Milton Caniff, Al Capp, Alex Raymond, Oesterheld, Guido Crepax y Das Pastoras. O lo que es casi lo mismo, Flash Gordon, El Príncipe Valiente, El Ché, Lib´l Abner, Spiderman, Tarzán…..


Pero hoy es el último programa para mí del año, de la Flecha Verde, porque no sé si alguna vez me invitarán a una tertulia, asi que se me ocurre rememorar la Navidad en los cómics. En las historias americanas el protagonista es Santa Claus, aparece en historias de superhéroes en las que se mezclan la hiperrealidad del mundo mutante y de superpoderes con una mitología y una tradición mucho más antigua. Y es que el sentir generalizado es que la Navidad es de los niños. En España hemos sido más gamberros y el protagonista es el pavo, más bien cómo matar al pavo, no ha habido familia de la historieta española que se precie y que no haya tenido esta historia que quizás inagurara la Familia Ulises. Pero en las redes de la Navidad han caído el propio Capitán Trueno, el Jabato y el Guerrero del Antifaz. Con historias creadas para la ocasión, en las que los mensajes navideños transmitían buenos deseos, buenas intenciones y amor cristiano, ¡no podía ser menos!. Los mensajes de Mortadelo, Anacleto y la simpar tribu hispana de Bruguera eran más gamberros y tomaban la Navidad por su parte más festiva, la comilona, las uvas y el champán (con perdón porque esto es puro Mecano). Y Zipi y Zape que nunca se olvidaron de los Reyes Magos y de la deseada e inaccesible bicicleta. Y según el año Don Pantuflo repartía bien un vale por una parte de la bicicleta, un pedal o la misma bici.


En fin que la navidad, como ocurre en nuestras vidas, ha alterado el normal discurrir de la existencia de los personajes de historieta y los comportamientos normales, así que como buen flecha verde, voy a hacer una petición a los colaboradores de este programa:
  • A Carmen, fiel seguidora de tebeos y conocedora de la ópera, que un día, cualquier día, nos ponga un aria que me encanta, Nessun dorma. Es un aria del acto final de la ópera Turandot de Giacomo Puccini, cuyo título se traduce del italiano como Nadie duerma. Y que explique qué significa.
  • A María, deportista extrema, que un día se vaya a lo común y nos hable de las carreras populares como la media maratón Sevilla-Los Palacios.
  • A Paco Pineda que nos dé un remedio para tener la alegría y fuerza que él tiene
  • A Borja que nos asesore para ser justos y ser tratados justamente.
  • A Pablo que nos hable sobre Juan Salvador Gaviota. Con su voz argentina hará muy bien el papel de narrador de cualquier historia.
  • A Estefanía que nos hable sobre su estupendo trabajo sobre Batman.
  • A David que nos hable sobre Walt Whitman o Pablo Neruda. Por favor.
  • Y a Carlos, Carloco Cuentacuentos, que nos cuente dos cuentos clásicos, El Gigante Egoísta de Oscar Wilde y El Capote de Nicolai Gogol. Y que ese proyecto sobre Disney lo acabemos.
Para terminar quiero recomendar a aquellos oyentes que deseen agradar en esta navidades que pidan a los Reyes libros, ya sean de cómics, ya sean novelas, ya sean ensayos. Hay que leer. De las imágenes navideñas que recuerdo con mayor placer están los Super Humor o las Famosas Noveles que mi hermano y yo coleccionábamos y que cuando caían en Navidad o en Reyes, se convertían en algo extraordinario.
Gracias por leer esto

2 de diciembre de 2009

¿HE PERDIDO A MILO MANARA?

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 3 DE DICIEMBRE DE 2009)
Hace unos diez o doce años, con una situación económica todavía muy de estudiante y muy de becario, es decir, muy precaria, algun editor medio loco se decidió a publicar las obras completas de Maurillo Manara, conocido por todos por Milo Manara. Este que escribe, como buen adicto al atesoramiento y el coleccionismo, y a pesar del gran esfuerzo, se apuntó a la adquisición semanal hasta que el quiosco donde las compraba cerró de la noche a la mañana sin ninguna advertencia. A través del cristal del kiosco podía ver los ejemplares que tenía reservados y no pude recoger, por falta de dinero, todo hay que decirlo. El caso es que estuve a punto de asaltar aquel local y recoger los números atrasados, pero no lo hice. Y ahí estuvo la primera pérdida de Milo Manara.

Para quién no lo conozca, debería introducirle sobre quién es Milo Manara. Más que su biografía interesa conocer la obra de uno de los grandes dibujantes italianos, famoso por dibujar las mujeres más eróticas (lúbricas las llaman algunos) del cómic. Pero quedarnos solo en la imagen de un autor erótico es relegar a Manara a la calidad de especialista sin iniciativa. Segun sus propias declaraciones sobre el erotismo y la aventura: "La aventura como ética, como cultura, como modo de vivir. La aventura no es seguir pasivamente los acontecimientos. La aventura es autodeterminación", "El sexo es un componente determinante de la cultura. Cuando vives plenamente tu sexualidad, rompes con el embrutecimiento social. Y cuando dibujo escenas eróticas no es gratuito. Creo que éso expresa una de las dimensiones esenciales en el hombre y que es uno de los objetivos de la aventura".
Y es que los intelectuales italianos de los años 70, muy influidos por ideas de ruptura y de lucha contra el sistema, el comunismo el maoísmo, las ideas del mayo del 68, consideraban en un todo la lucha política, la lucha social y la liberación sexual. Y no es de extrañar, porque la sociedad italiana, aunque laica y democrática, a priori, desde los años 40, estuvo muy marcada por las doctrina y moral católica y vaticana. Y la aventura, al menos la ficticia, y el sexo, representado y practicado, constituían una forma de evasión contestataria a las normas oficiales.

Manara, nacido en Bolzano, cerca de Austria y localidad conocida para los estudiantes de matemáticas por dar nombre a un teorema, aunque quien lo enunció, Bernard Bolzano era praguense, descubrió de niño un talento natural para el dibujo y la ilustración, por lo que en un principio intenta dedicarse a la pintura, pero no consigue vivir de ello y empieza a trabajar en una fábrica de juguetes y como ayudante del escultor español Berrocal que vivía en Verona. Después estudió arquitectura en la Universidad de Venecia y entra en contacto con organizaciones maoístas y con movimientos culturales, formando parte de un grupo artístico.
Toda esta formación e influencias son importantes para conocer la dimensión artística, intelectual y contestataria que Milo Manara imprime en sus cómics. Porque Milo Manara no comienza a prestarles importancia hasta los 23 años, cuando descubre Barbarella y el cómic adulto. A partir de ese momento, Manara encuentra en los cómics una forma de ganarse la vida y de explotar su vocación artística. Sus primeros años como dibujante de cómics los pasa realizando series menores sobre temas policiacos y de temática pseudoerótica.
"El Rey Mono", supone su primera gran obra, para muchos una obra maestra, en colaboración con el guionista Silverio Pisu. Esta obra está basada en una obra fantástica china del siglo XVI, y cuenta la historia de un humanoide, rey de un pueblo de simios que ha conquistado la inmortalidad y que renuncia al lugar que le corresponde en el cielo para volver con su pueblo. El Rey Mono personifica el espíritu revolucionario y el coraje de renunciar al aburguesamiento para poder ser libre. Desde un punto de vista estético, la obra es una maravilla, porque conjuga el fino dibujo oriental en el que se basa Manara con su propia personlidad y su carácter. Aunque haya quien prefiera las versiones chinas ilustradas, diciendo que la obra de comic es mucho más sucia que las ilustraciones en las que, según ellos, se basa. Error de bulto, porque, y por esto es una gran obra, Manara no se limita a copiar y narrar la novela original y a realizar calcos de los ilustraciones, sino que traduce la novela a la historieta y aporta elementos originales y distintos a los de las ilustraciones,desde la composición, el diálogo y la acción.

Es a partir de este momento cuando se inicia la verdadera carrera de Manara como dibujante de cómics de calidad. Su dibujo meticuloso y muy limpio, su sentido del espacio y del detalle, lo convierten en el dibujante ideal para realizar obras de corte histórico, colabora con Larousse para realizar una historia en cómics de Francia y en Italia realiza una serie sobre personajes famosos de la historia Atila, Custer, Nobel o Helena de Troya.

Hasta 1977 todas las historias de Manara cuentan con un guión que no es propio, hasta que nace HP. HP es el nombre del aventurero que crea Manara para que se convierta en él mismo y pueda vivir las aventuras que él no vive. Como homenaje a otro gran aventurero al que admira, Hugo Pratt, el creador de Corto Maltés, le da su nombre. A la primera obra, HP et Giusseppe Bergman, seguirán, Un Autor en Busca de Seis Personajes y Dies Irae (Las Aventuras Africanas de Giusseppe Bergman 1 y 2) y, más tarde (1989) Tal Vez Soñar (Las Aventuras Orientales de Giusseppe Bergman).

Este mundo de la aventura y el erótismo lo convierten en un personaje consgarado del cómic de autor. La publicación en 1983 de El Click le da además del reconocimiento de la crítica, fama, popularidad y dinero. Tanto que el título se ha explotado en una serie que llega, de momento, hasta El Click 4. El Perfume de lo Invisible, constituye su otro gran éxito dentro de la modalidad de cómic erótico, a las que hay que añadir obras como Gulliveriana, Kamasutra, El Arte del Azote, que explora terrenos sensuales desde el sadomaso más ligero hasta la tansversión sexuada del clásico de Jonathan Swift.

Manara goza de una muy buena reputación, tanta que ha sido el escogido por Fellini y Almodóvar para ilustrar y plasmar sus guiones. Fruto de esta colaboración está Viaje a Tulum, con guión de Fellini, una obra maravillosa, que refleja de una forma exactísima cómo es la ciudad sagrada de Tulum, algo que, gracias a mi mujer, pude vivir en 2002.

Sus mejores colaboraciones vienen de la mano de Hugo Pratt. Sus dos álbumes juntos, El Gaucho y Verano Indio, un episodio de la colonización de Nueva Inglaterra, son sin duda, obras maestras. En ellas se unen la poesía de Pratt y el dibujo atormentado de Manara. Y ambas impactaron a Europa.
La razón de por qué es Milo Manara un genio, no radica, como ya he comentado antes, en la impactante forma en la que dibuja a las mujeres y en el cómic erótico. Su formación como ilustrador, arquitecto, ayudante de escultor, le proporcionan un punto superior al de otroso dibujantes de cómics. Es heredero de una escuela italiana en la que sobresale la calidad artística del dibujo y es un gran dibujante que ha sabido trabajar con los mejores guionistas y elaborar sus propios guiones. La representación de la figura y del rostro humanos en Manara son dignos de estudio, porque parece imposible que con tan pocos trazos sus personajes puedan expresar tal variedad de emociones. De su formación como arquitecto, o de su pasión por la arquitectura, debe venir la complejidad con la que representa ciudades, edificios y escenarios. Un ejemplo de esto, es la viñeta en la que dos caballeros templarios luchan ante un impresionante escenario, una gran torre almenada. En el rostro de los caballeros se adivinan a vez el miedo y el esfuerzo. El escenario cobra un matiz onírico, por otra parte presente en toda la obra de Manara, cuando anochece. Lástima no poder enseñarla en este blog.

La segunda pérdida de Manara fue hace poco. Presté a varios amigos, sucesivamente, los pocos cuadernillos, unos cinco o seis, y de regular calidad, blanco y negro y formato estandarizado de A4, que había conseguido de aquella colección. La vida nos lleva a diversos momentos en los que no prestamos atención a estas cosas, así que olvidé el préstamo hasta que intenté ordenar mi colección de cómics. Sé que Manara no está entre mis cosas, quien me conozca sabe que cuando busco algo lo hago de veras, así que recurrí a la lista de amigos para que me orientaran sobre quién tenía mis cómics. La verdad es que todos aseguran habérmelos devuelto, y recuerdan vagamente que se los dejara. Sé que están equivocados y en su pecado llevo yo mi penitencia por haberles dejado estos cómics a quienes no aprecian haber leido HP o Gulliveriana. No creo que estos ejemplares vuelvan, pero confío en que esto no signifique una pérdida y un olvido mayor de Milo Manara, el Grande.

Obras de Milo Manara:

  • Genius (1968).
  • Jolanda de Almaviva (1972), guión de Francesco Rubino.
  • La parola alla giuria (1975).
  • El rey mono (1976), adaptación de la célebre fábula china. Guión de Silverio Pisu.
  • HP y Giuseppe Bergman (1978), inicio de una serie en la que reflexiona sobre el sentido de la aventura en el mundo moderno.
  • El descubrimiento del mundo (1979), guión de Jean Ollivier y Pierre Castex.
  • El monje del Tíbet (1979), guión de Alfredo Castelli.
  • Dies Irae: Las aventuras africanas de Giuseppe Bergman (1980).
  • Hombre de papel (1981).
  • Click! (1983), su obra más famosa.
  • Glamour Book (1984).
  • La apariencia engaña (1984).
  • El perfume del invisible (1985).
  • Diario de Sandra F. (1985).
  • Verano indio (1986), melodrama histórico con guión de Hugo Pratt.
  • Cámara indiscreta (1988).
  • Foemina (1988).
  • Rosa Shocking (1988).
  • Tal vez soñar...: Las aventuras orientales de Giuseppe Bergman (1989).
  • 1789. La Rivoluzione Francese (1989).
  • Viaje a Tulum (1990), que adapta un guión inédito de Federico Fellini.
  • Click 2 (1991).
  • El gaucho (1991), con guión de Hugo Pratt.
  • El sueño de Oengus (1991), guión de Giordano Berti.
  • El viaje de G. Mastorna, llamado Fernet (1992), guión de Federico Fellini.
  • El Juego (1992).
  • Milomanara (1992).
  • Click 3 (1994).
  • El perfume del invisible 2: Desnuda por la ciudad (1995).
  • Gulliveriana (1996).
  • Cita fatal (1997).
  • Kamasutra (1997).
  • Lettere di una Monaca Portoghese (1997).
  • Camino oculto: Las aventuras urbanas de Giuseppe Bergman (1998).
  • Afrodita (1998), guión de Pierre Louÿs.
  • WWW (1998).
  • Revoir les etoiles (1998).
  • La metamorfosis de Lucius (1999).
  • Legambiente (1999).
  • Bolero (2000).
  • Revolución (2000).
  • Click 4 (2001).
  • Manara Memory (2001).
  • Sensualitars: La modèle (2001).
  • Piranèse: El planeta prisión (2002).
  • Creature di Sogno (2003).
  • Los Borgia (2005), guión de Alejandro Jodorowsky.
  • City Hunters (2006), creada por Gastón Gorali y Alberto Stagnaro.
  • Quarantasei (2007)
  • X-Men: Ragazze in fuga (2009)con guión de Chris Claremont

Para saber más:

http://www.milomanara.com/

http://es.wikipedia.org/wiki/Milo_Manara

25 de noviembre de 2009

LAS MUJERES Y EL CÓMIC.

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 26 DE NOVIEMBRE DE 2009)
Ante todo no me tilden ustedes de machista, la intención de hablar de las mujeres y el cómic no pretende ser una enumeración de caracteres femeninos que aparecen por las viñetas, sino que se trata de que el día que escribo esto es 25 de noviembre, un día en el que se recuerda que todavía hoy existe una violencia y una cultura machistas contra las que se lucha y no se acaba.

Rastreando la red en busca de más documentación he entrado dos variantes fundamentales en el tratamiento de la entrada "Mujeres en el cómic", se trata de análisis feministas del papel de las mujeres en el mundo de la historeta y, por otro lado, el "análisis" masculino de los personajes que aparecen en los cómics. Es decir, cuál de las heroínas "está más o menos buena".
Son ya muchas las comillas empleadas desde el inicio de esta entrada, son a posta, quiero ser muy cuidadoso con esta materia y no caer en expresiones que se puedan malinterpretar.
Es obvio que el cómic es, ante todo, un lenguaje visual y que en él aparecen dibujados personajes que cuentan con un físico esplendoroso. Lo curioso es que en la mayoría de los cómics que nos pueden venir a la imaginación, y suelen ser los de superhéroes, los hombres cuentan con una musculatura espectacular y las mujeres se dibujan resaltando sus atributos femeninos y con una ropa que los resalta.


La imagen de otros cómics es mucho más ñoña, así, en muchos cómics, las mujeres son esos seres indefensos a los que hay que proteger y cuidar porque son incapaces de valerse por sí mismos. Son seres asexuados válidos únicamente como madres o hermanas. O peor, son las malísimas, las villanas, las devoradoras de hombres, las que muestran una sexualidad mucho más marcada.


Sin embargo, realizar un análisis únicamente de las mujeres en los cómics centrándonos en el cómic de superhéroes, resulta muy parcial. Desde el inicio de la historieta ha habido mujeres en los cómics y su papel y tratamiento ha variado en función de las épocas y los distintos logros de la mujer en la sociedad. Voy a hablar tan solo de ciertos momentos que quiero destacar.
La mujer de los cómics americanos de los años 30 es dependiente del héroe, pero independiente económica, social y laboralmente. Las heroínas de Terry y los Piratas, Superman, Flash Gordon o Tarzan, luchan, actúan, tienen su vida propia, eso sí, en torno al héroe. No dejan de ser un reflejo del adelanto de la sociedad americana de los años 30, mucho más avanzada en determinados aspectos que la europea, y en la que la mujer se había incorporado al trabajo y mantenía cierta independencia, aunque sin auparse a los puestos altos de la sociedad.

En las historietas españolas ese papel de la mujer se ha perdido, y es frecuente que la mujer sea ama de casa, Las Familias Ulises, Cebolleta y Trapisonda, Zipi y Zape, o bien trabaje pero como secretaria, Anacleto o Mortadelo y Filemón. Se trata también del reflejo de una sociedad que consagra con leyes el sometimiento femenino al hombre. Casos aparte los de una literatura en historietas destinada a niñas, en las que los temas no van más allá de cómo casarse bien y ser una perfecta esposa. Lily, Sissy, Azucena, Mis Chicas, Florita, Mary Noticias, forman parte de esa cultura que decía que las mujeres no podían sino interpretar lo que los hombres le daban hecho. Saliéndose de ese papel estuvieron Doña Tula, Doña Urraca y Sigrid, las dos primeras porque mostraban a una mujer distinta, endurecida y encallecida por la guerra y la posguerra, resabiada y dura con el hombre, por lo que tuvieron problemas con la censura. Una mujer no podía pegar a un hombre, ¡hasta ahí podíamos llegar!. Sigrid representa otra mujer, dotada de gran belleza e independiente, sus problemas con la censuara vinieron por otro lado, por la política y el amancebamiento.

La progresiva independencia de la mujer, sí independencia porque no estaban sino maniatadas, hizo que ellas mismas se descubrieran dueñas de su cuerpo y su sexualidad. Esto da lugar a que, a finales de los años 60, y durante todos los 70, tanto en el cine como en los cómics, la representación de desnudos y relaciones sexuales tuviera connotaciones intelectuales y de libertad, no solo sexual. Es la época de Vampirella, Barbarella, Milo Manara, Guido Crepax, etc...

Esto conllevó que con el tiempo y desvirtuado el sentido anterior, surgiera un cómic en el que la mujer dejó de ser protagonista y se convirtiera solo en objeto sexual, con tintes pornográficos. (Kiss Cómix, Penthouse Cómics y diversas publicaciones de tintes estrictamente onanistas).

Pero las mujeres no solo mantienen una relación meramente de personaje en el cómic sino que son autoras y lectoras. Como lectoras han sido el sector más maltratado de entre todos a los que van dirigidos los cómics. No porque sea necesario el que haya publicaciones específicas para ellas, sino porque los autores, casi nunca han considerado que la mujer lea lo que realizan y han cercenado, por omisión, más o menos la mitad del mundo que habitamos.

En cuanto a las autoras es debido destacar que Maitena y Marjane Satrapí no son las únicas. La esposa de Frank Miller, Lynn Varley, aparece en los créditos de 300, estoy seguro de que no es por una razón de condescendencia, sino porque su contribucioón al color en esa obra es fundamental. Ese papel, el de entintadora o de colorista, ha sido tradicionalmente que la industria dejaba en manos de mujeres o de niños, porque consideraba que sus manos más pequeñas podían dar más precisión al trabajo. El problema es que nunca se han reconocido sus méritos.

Esto está cambiando y podemos nombrar a un buen puñado de mujeres:
  • Claire Bretécher, francesa genial, muy valorada por los críticos, cuyas viñetas y álbumes nos parecen muy originales y divertidos, Bretécher es la inspiradora de Maitena, la autora argentina actual más popular.
  • Mary Fleener, feminista norteamericana de los años setenta, considerada una pionera del cómic femenino y feminista.
  • Jessica Abel, muy moderna tanto por su dibujo como por el mundo que recrea.
  • Julie Doucet, canadiense responsable de historietas autobiográficas valientes y sin maquillajes.
  • Cathy Guisewite, norteamericana que retrata con genialidad el mundo actual y las difícil comunicación con el llamado "sexo fuerte".
  • Lynn Jonston, canadiense, autora de historietas inspiradas en su propia vida de madre de familia.
  • Phoebe Gloekner, norteamericana, autora autobiográfica muy destacada por la crítica.
  • Debbie Drechsler, también estadounidense que denuncia en sus álbumes los abusos sexuales que sufrió en su infancia.
  • Marjane Satrapi responsable de un cómic muy personal, autobiográfico, en el que narra su infancia en el mundo cambiante de su país tras la caída del Sha.
  • Maitena.

Valga esto para terminar y confirmar que en este mundo no tienen cabida las separaciones y las discriminaciones, aunque nos movamos en un mundo tan masculinizado.

Para saber más (esta vez sin wikipedia):

http://portal.uam.es/portal/page/portal/UAM_ORGANIZATIVO/OrganosGobierno/VicerrectoradoInfraestructuraProm/Institutomujer/novedades/encuentros/Dossier%20y%20detalles%20t%E9cnicos%20Mujeres%20creadoras%20en%20el%20mund.pdf

http://www.entretodas.net/categoria/comic/

http://kemosabidrawing.googlepages.com/lasmujeresyelcomic

http://www.guiadelcomic.com/comics/mujeres_alteradas.htm

http://www.kobaltronics.com/arigata/ver.php?id_diario=23

EL X ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 26 DE NOVIEMBRE DE 2009)
Se ha celebrado este pasado fin de seman el X encuentro del Comic y la Ilustración de Sevilla. La verdad es que es gratificante saber que uno no esta solo en el amor por el cómic y la historieta y felicito a los que mantienen viva la llama en esta ciudad.

Aunque las actividades se desarrollan en varios escenarios, cabe destacar las jornadas ubicadas en el Casino de la Exposición. Además de este sede, las librerías de la FNAC, Nostromo y Card & Magic desarrollan un apartadobre los cómics de la muestra. Algunos bares de esta, nuestra ciudad, valga la paráfrasis, desarrollan muestras sobre el beso en el cómic. Y la Casa de la Provincia presenta una exposición de Sonia Pulido hasta enero de 2010. Para esas fechas se prevé un concierto en al Lope de Vega sobre Viñetas y Música.

Se debe destacar el I Premio Internacional de Novela Gráfica Dibujando Entre Culturas para Jordi Bayarri por Las Extraordinarias Aventuras de Nicholas Champion y Mordechai Feingold. El Manuscrito Perdido de Darwin.

Yo fui partícipe de esta jornadas el viernes y el domingo, impresionado por el despliegue y el esfuerzo, pero menos por la oferta. Tan ajustada a la crísis, ya no económica sino creativa. Una excepción, Enki Bilal y Tránsito, su proyecto sobre rostros tomados en aeropuertos de los que imagina una historia es todo un acierto, su montaje cúbico y bilingüe, como recibimiento a los asistentes todo una declaración de intenciones.




http://www.encuentrocomicilustracionsevilla.com/



16 de noviembre de 2009

AIRE FRESCO. WATCHMEN.


(PROGRAMA MIL PALABRAS. 19 DE NOVIEMBRE DE 2009)

A menudo nos encontamos con obras crepusculares de un género artístico ya agotado que han sido concebidas para cerrar ese capítulo y, sin quererlo, se convierten en la obra de referencia. Es posible que en la obra se encuentren todos los tópicos por los que se distingue a ese determinado género, pero que se trate de obras excepcionales. ¿Qué son si no "El jinete pálido", "Espartaco" o "Ran"? Con Watchmen ocurre esto. De repente, una obra publicada en un periodo de estancamiento de los superhéroes consigue alterar los fundamentos del género, fundir todos los tópicos y convertirse en una obra, ya no excepcional, sino maestra. Entre las obras fundamentales del noveno arte; entre las diez primeras, sin aclarar el puesto porque dependerá de muchos gustos personales.



¿Por qué afirmo esto? Es, desde luego, una afirmación arriesgada. Ha de tenerse en cuenta que quien lo dice no puede acreditar por el cómic nada más que una gran afición y que lo que sabe o de lo que habla lo hace por conocimiento empírico obtenido a base de leer todo lo posible. Ninguna formación reglada al respecto. Pero sé que no equivoco, porque cada nueva lectura de Watchmen proporciona una mayor profundidad a la obra y porque es necesario prestar este libro para que, al devolvernóslo, sepamos si quien dice haberlo leído, lo ha hecho, y si lo ha hecho, si lo ha leído bien, y si lo ha comprendido.


Watchmen debe leerse. Sé que muchos lectores dicen preferir el cómic europeo, más cercano y más humanizado, y que, por eso, los superhéroes deben quedar para los niños. Se equivocan porque esta historia no es el cómic marvel o dc al uso. Se trata de algo más.


En España se reedita ahora como libro, y tiene la apariencia de una novela gráfica, más las primeras publicaciones de Watchmen son las de una serie limitada de 12 episodios. Así que esta obra que se considera una de las obras cumbres del cómic y de la novela gráfica, no se puede considerar una obra concebida solo como una novela sino como una serie, pero tampoco como una serie corriente, sino una serie cerrada, cíclica, recurrente y con un sentido único determinado desde el propio momento de su concepción. Algo así como lo que ocurrió con los primeros LP´s conceptuales de Sargeant´s Pepper de The Beatles y Pet Sounds de The Beach Boys.
Pero no es esto que hace de Watchmen un referente. Imagine todas las familias de superhéroes posibles, sus coaliciones, sus apariciones en otras series, sus enemigos, la evolución de su personalidad; imagine, además, una profundidad humana detrás de cada uno de estos personajes; y, por si fuera poco, imagine que ese clima de crísis permanente, miedo nuclear, miedo a la guerra, hubiera existido sin el Watergate y que Richard Nixon fuera el presidente de los EE.UU. La verdad es que ese cóctel en mis manos podría no llevar a nada, pero entre Alan Moore y Dave Gibbons completaron esta obra maestra.



Hablo de las distintas especies de superhéroes, porque desde los años 30 a los 80, aparecieron superhéroes que eran hombres enmascarados, otros que tenían superpoderes por sufrir mutaciones, otros que tenían cierto poder mítico o mitológico, otros que eran simples soldados, ... todas esa familias están aquí y su unión no chirría.


La depresión, la crísis de identidad de los personajes, la sensación de fracaso, las cuestiones interiores de cada uno de los superhéroes, que habían sido esbozadas en otras series. Personajes como los X-men, Spiderman, Batman, presentaban cierta lucha interior, no exenta de una dósis de "psicología barata". Aquí el diálogo interior es más profundo, hay personajes que sienten que han fracasado en su vida post-superhéroe, a los que llevar una existencia más anodina les resta el sentido de su vida, otros que ienten que se deben a un destino superior o que tienen que preservar los valores de una sociedad que ya ha desaparecido, y otros que, desde su condición de superhéroes, miran al resto de los humanos como simples espectadores.


La lucha entre el bien y el mal, tan maniquea en los cómics americanos, tan centrada en el equilibrio entre superhéroe y supervillano, al fin al cabo, tan infantil, deja de serlo. A la lucha interior de los personajes se unen las bajas pasiones, el sexo, el dinero, la locura, la pasión por hacer mal,... Los superhéroes se hacen adultos.


Hace poco se llevó al cine, Alan Moore, sin ni siquiera verla, renegó de la cinta. ¿Por qué? Watchmen fue concebida como una obra coral, en cuanto a personajes, y en cuanto a la técnica. Están planificadas viñetas, diálogos, textos insertos, obras que aparecen (cómic dentro del cómic), simetrías, autoreferencias, .... El autor entiende que eso no es posible plasmarlo en una película. Todos los efectos especiales del mundo valieron para contentar al dibujante Dave Gibbons, pero para nada más. Quizás Pixar, con Los Increíbles, captara un poco más el sentido de la vida humana de los superhéroes, aunque en una versión edulcorada y muy levemente basad en la idea de la pérdida de la identidad de superhéroe.


Para acabar, un consejo, hay que leer Watchmen, varias veces. Cada vez que se lee, se descubren nuevas cosas, tanto en el dibujo como en la historia. Es como cualquier obra maestra imprescindible. Como cualquier obra de arte, prescindible. Porque nuestra supervivencia no depende de leerla o no, pero sí que aportará a nuestra vida un rato de disfrute o de desazón, y quizás un matiz nuevo con el que vivirla.


Watchmen: ¿quis custodiet ipsos custodes?

RECAPITULAMOS. DUDAS SUELTAS.

3 de noviembre de 2009

CREEPY.


(PROGRAMA MIL PALABRAS. 3 DE NOVIEMBRE DE 2009)
Hace muy poco, por mi cumpleaños, un amigo me regaló un libro de cómics, que es la adaptación de tres relatos de Edgar Allan Poe. Se trata de El Gato Negro, El Barril de Amontillado y Manuscrito en una Botella. Aparte de estar agradecido con este regalo, me recordó que durante una gran época de mi vida el cómic de terror fue mi género favorito. En gran parte porque se trataba de un género adulto que podía escapar a la posible censura paterna.
El aluvión de terror que nos ha invadido estos días con Halloween para hablar de varias revistas que constituyeron el núcleo de terror en España. Me refiero a Creepy, Rufus, Vampus, Vampirella y Dossier Negro. Aprovecho esta ocasión, de forma oportunista, porque buscando viejas revistas de cómic que guardo, redescubrí un genio que casi había olvidado, se trata de Berni Wrightson.


Creepy (espeluznante) era el nombre de la revista, pero también el del personaje,medio cadáver, medio zombie, que aparecía en la portada y que, a modo de anfitrión, nos iba introduciendo en las ditintas historias. Áquí en españa se le conocía como el tío Rufus o el tío Creepy, y resultaba más simpático que aterrador.
Durante aquella época consiguió lo que solo consiguen los genios, hacerme creer que fuera de su obra, no había nada interesante, ni nada digno de ser leído. Sus obras, muchas de ellas, adaptaciones de obras de E. A. Poe, de H. P. Lovecraft, y, posteriormente, de Stephen King, o tomando argumentos de obras de serie B del cine de terror, eran impactantes por un guión muy elaborado para historias cortas, por una atmósfera y una ambientación sobrecogedoras y por un dibujo muy limpio, de línea clara, que contrastaba con unas historias oscuras.
Toda esta fascinación por el terror comenzó en el cine. Los años 50 dieron a Roger Corman y a su productora, American Internacional Pictures, la oportunidad de crear un subgénero que escapaba al código Hays. Junto con la productora británica Hammer, y las películas de El Cuervo, La Muerte de la Máscara Roja, El Péndulo, consiguieron impactar a una generación. En el mudo de el cómic tuvieron su espejo en la editorial Warren, que empezó a producir pequeñas historias autoconclusivas de 4 ó 5 páginas para ser la historia final de cuadernillos de superhéroes o de historias de guerra de la Marvel. Este formato tuvo mucho éxito y a mediados de los años 60, la Warren inició la publicación de Creepy, que se mantuvo hasta mediados de los años 80.
Los artistas de la Warren se especializaron en el género fantástico y terrorífico. Muchos de los mitos vampíricos, de hombres-lobo, de fantasmas, se iniciaron aquí. Bebieron de las fuentes terroríficas del cine desde los años 40 y de la novela gótica, y pronto derivaron a historias en las que se introducían las grandes preocupaciones de aquella época, los ovnis, los extraterrestres, la era atómica, la hecatombe nuclear. Poco a poco este género se fue transformando y series como Vampirella, permitieron mostrar matices más sensuales, con heroínas con vestidos muy sugerentes, vampiresas con una sexualidad muy marcada, etc., Esto convirtió al cómic de terror en un género más adulto, y también se trasladó al cine, donde ya no solo aparecía la virginal víctima sino en la que de forma muy forzada, al igual que en los cómics, se mostraban desnudos sin venir a cuento.
Llegó un momento en la que con artistas americanos no era posible para la Warren seguir el ritmo de publicaciones mensuales, como Creepy, Eerie y Vampirella, e historias semanales para otros comic-books. Fue el desembarco de los españoles. El editor Joseph Toutain viajó a Estados Unidos para vender y promocionar a los artistas de su agencia Selecciones Ilustradas, el responsable de la Warren lo conoció en New York y se sorprendió de la buena calidad de los trabajos que se les mostraban y el precio tan increíblemente barato del mercado americano.
Los efectos fueron curiosos. Se produjo una españolización de Creepy, y Vampirella se convirtió en un producto español hecho en EE.UU., fruto casi exclusivo de José Ortiz y de Esteban Maroto. Tanto que los americanos escribían a la dirección de Creepy protestando porque Creepy era demasiado español. Por otro lado, Toutain, tras unos años de consolidación de autores españoles, inició la publicación de la Creepy española en 1.979 y fue muy criticada por la gran dependencia de material salido de la Warren y de su americanización. Sin embargo, para muchos autores españoles casi desconocidos aquí, la publicación de estas revistas supuso que se les conociera en España, adonde llegaban ya con la pátina de triunfadores por llegar de USA y que tuvieran cierto reconocimiento editorial.
La Creepy española se vendía como la primera revista de género de terror española. Aunque esto no era cierto del todo, Vampus, Rufus, Vampirella y Dossier Negro eran anteriores, aunque eran meras traducciones y reimpresiones de las revistas americanas. Y además, mucho antes, en los años 50, Inspector Dan había introducido el género de terror en la historieta española. Lo que ocurría es que Toutain sí introdujo material inédito en USA, y creado ex profeso para esta revista. Mezclaba el material de la Warren, con autores noveles y con clásicos, lo que, ya sí de verdad, la convirtió en la primera revista española, en el escalafón, no en el tiempo.
Indistintamente de la edición americana o española, aparecieron autores como el ya mencionado Berni Wrightson, del que destacaría “Feria de Monstruos”, muy influida por la película “Freaks” de Tod Browning; Richard Corben con historias en las que se mezclan el género fantástico, el terror y el suspense con su particular estética; ver por ejemplo “La Caída de la Casa Usher”; José Mª Beá, Beroy,…
Un recuerdo propio unido a estos cómics. Una de las historias que más me impactó en mi infancia fue “Cuadro Completo” de Bruce Jones. Apareció en Dossier Negro y yo lo leí incompleto, porque le faltaba la contraportada. Durante varios años estuve sin conocer el final, hasta que en 1.984 lo encontré en un kiosco. Pude leer su final y nunca sabré si hubiera sido mejor no haberlo leído e imaginarlo durante toda la vida.





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