POR AMOR AL ARTE... AL NOVENO ARTE

MANGA. ANIME. AKIRA.

2010-11-04T00:59:00.000-07:00

Si digo la verdad, la pura verdad, hay algo falso en esta entrada y es la fecha. El 4 de noviembre la inicié con la sana intención de acabarla en poco más de una semana. El resultado de esa buena intención es que en junio de 2011, todavía no la he escrito. Razón por la que de haber algún lector pendiente de reprenderme le debo pedir disculpas y decirle que no ha habido falta de ganas sino de tiempo y, quizás, de ideas.

Han ocurrido muchas cosas en este periodo. Para el país que merecía esta entrada ha sido una época difícil. En marzo un temblor de tierra y un maremoto arrasaron una gran región del norte de la isla de Hokkaido. Y además apareció el gran enemigo de este pueblo, la radioactividad. Aun así, esta cultura milenaria y tan propia ha demostrado algo al mundo. Japón es un país solidario, educado, civilizado y paciente. El antiguo Cipango es un tesoro en sí mismo.

En "La estrategia del erizo" una niña diserta sobre manga, es una pequeña genio, y cuenta que la gente habla de manga como de un género de cómic, cuando en realidad manga es la palabra japonesa para cómic. Y es que es una cultura tan lejana a la nuestra que si intentamos entenderla traduciéndola a nuestras coordenadas, haciendo una simple traslación, no solo perdemos matices sino que estamos eliminando la raiz de todo pues partimos de conceptos distintos. En una cultura en la que la valía de un poeta se sustenta tanto en su palabra como en su caligrafía, por necesidad los parámetros artísticos se separan de los nuestros.

Hecha ya esta introducción, en la que me separo un poco del asunto del cómic un poco por homenaje a una envidiabilísima cultura un poco por ganar tiempo, debo hablar de lo poco que sé del cómic japonés.

FLASH GORDON

2010-08-02T15:18:00.001-07:00

Para realizar esta tardía entrada no solo me he quedado con mis recuerdos y mis sabores, he acudido a documentarme sobre este personaje y su autor original, Alex Raymond. La crítica destroza mis planteamientos, la historia que a mí me encandila le parece una opereta y el autor que yo considero un genio, no lo es. Y aquí aparece mi soberbia, ¡que le den a esta crítica!. Me imagino comparar tres películas (podrían ser también libros, pero constituyen un arte con raíces más antiguas que el noveno) como Viaje a la Luna de Melies, Metrópolis de Fritz Lang y Alien de Ridley Scott. Son evidentes los saltos entre una y otra época y, ¿quién puede decir que son malas películas, que el hieratismo y la ausencia de sonido y de color de las primeras impiden el sentimiento y la emoción?, ¿quién puede decir que el desconocimiento de la ciencia que luego se descubriría y la escasez de medios técnicos no se suplen con corazón y fantasía?. Esto ocurre con estos críticos, comparan Flash Gordon con obras de la era postnuclear y de la conquista espacial. No solo resulta inapropiado sino injusto. Estoy seguro que si Verne, Raymond, y cien mil mentes calenturientas más no hubieran imaginado lo desconocido, jamás habría habido impulso para conquistar la última frontera.

Mongo, el planeta al que llegan Flash, Dale y Zarkov, es un prodigio de la fantasía. Una mezcla entre futuro, mundo medieval, animales prehistóricos y tierra de nunca jamás. Quien haya leído el primer volumen de las aventuras de Flash Gordon, debe soñar con la entrada en escena de los hombres-león y de los hombres-halcón. Es imposible olvidar el dibujo, a página completa, de un escuadrón de hombres-halcón, volando en picado, hacia un objetivo, armados hasta los dientes, como lanceros a la carga, cabalgando el aire.

Flash Gordon es obra de Raymond, obra que nació del encargo de la editorial de competir con Buck Rogers, y que se convirtió en un más que digno competidor de la primera, a la que superó en fama y duración. Una vez que Alex Raymond murió, se hicieron cargo de la serie otros dibujantes y guionistas entre los que, a ojos de la crítica, destacó Dan Barry quien convirtió la serie en una obra de verdadera ciencia-ficción. Aquí llega mi verdadero desacuerdo, puesto que, en manos de otros autores, Flash Gordon no es sino otro fanfarrón que deambula de episodio en episodio, al estilo de las series de televisión. Flash había nacido como una superestrella del deporte que se convierte, sin quererlo, en el cabecilla de un trío de terrestres en Mongo. Su lucha consiste en alcanzar la manera de volver a la Tierra, para lo que necesita escapar del cruel emperador Ming, de la hija de Ming, de Barin y de mil peligros por el extraño planeta en el que aterriza. Este planeta poblado por las más fantásticas criaturas, las tecnologías más adelantadas para la época y la naturaleza más salvaje es uno de los mayores protagonistas de Flash. Alex Raymond inventó otras series, otras historias, pero queda para la Historia su maravillosa invención de Flash. Gracias a que se frustró su carrera como agente de bolsa. Mucha de la crítica que le menosprecia lo hace porque comenzó su obra por encargo, para competir con Buck Rogers, y porque el estilo de la obra cambia y se contamina del estilo de otro gran maestro, Harold Foster. Estos argumentos, que siempre se usan como comodín para deshacer carreras, son ciertos, es un encargo, rivaliza con un serial de gran éxito y se imita una línea artística; valdrían para que películas como La Fiera de mi Niña, Ladrón de Bicicletas o cuadros como La Rendición de Breda o La Familia de Carlos IV no pudieran valorarse como obras maestras. Sin embargo, todas ellas, e incluyo Flash Gordon, lo son.

El lector que se anime, ¡y encuentre!, una edición de las obras de Raymond encontrará una evolución en el estilo, tanto de dibujo como de guión, de Flash Gordon. Unos inicios titubeantes, un desarrollo glorioso y una época de madurez plena. En los primeros capítulos de la serie, la viñeta es pequeña, el dibujo menos cuidado y la ambientación más plana, pero a medida que se incrementa el éxito de la serie y Raymond deja otros trabajos para centrarse en este, crece el valor artístico y la fantasía. El tamaño de la viñeta aumenta, se puebla Mongo de seres fantásticos, de criaturas terribles, de tecnologías imposibles para su época y los diálogos se cuidan, las ambientaciones se siguen con una continuidad digna del cine de Kubrick y se gesta la obra maestra. Desde los primeros años de la obra hasta que Raymond es movilizado para el ejército, el dibujo y el color siguen la tendencia artística de esa época, un poco propagandística, figuras de corte manierista, colores vivos, estilización del cuerpo humano, robustez en la figura enemiga, escasez de viñetas… Poco a poco, la guerra hace estragos y en la serie aparecen historias de corte industrial que pueden recordar cierto aire revolucionario, cierto aire proletario, cierta conversión en maquinismo de lo que antes solo fue imaginación y fantasía. El final de la II Guerra Mundial tiene un reflejo en la serie, una alianza de pueblos de Mongo derrota a Ming y constituyen un Gobierno de Coalición para gobernar la República de Mongo. Hecho esto, Flash regresa por vez primera a la Tierra para luchar contra la nueva amenaza roja. Y hasta aquí llegan las andanzas conjuntas de Flash y Raymond que muere en un accidente de tráfico. Como he comentado en esta entrada, la vida del personaje continuó. Otros autores dieron un giro a Flash y su historia dejó de ser la de un náufrago en otro planeta y comenzó a ser la de un justiciero del espacio. Se suceden las narraciones cortas, historias auto conclusivas en las que Flash surca un espacio habitado por humanos, visita Mongo de vez en cuando y la propia Tierra se convierte en un lugar fantástico. Entiendo a los que opinan que aquí comienza la verdadera ciencia-ficción, vale. Entiendo que aquí la fantasía barroca, o rococó, es superior al clasicismo de la serie original; pero, aunque fuera cierto esto, que no lo es, sobre el guión, el dibujo y el color de Flash Gordon de Alex Raymond es mítico, legendario, universal, y lo otro, como mucho, puede ser, simplemente, bueno.

Y por si no había quedado claro, me quedo con Raymond y su Flash Gordon, mi Fran Gordito (guiño familiar).

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Alex_Raymond

http://www.bibliopolis.org/umbrales/umbr0001.htm

http://comicsdelzhiveta.wordpress.com/alex-raymond/

http://es.wikipedia.org/wiki/Flash_Gordon

http://www.kingfeatures.com/features/comics/fgordon/about.htm

LUCKY LUKE

2010-05-31T01:03:00.000-07:00

Hay pequeñas obras de arte, expresiones maravillosas en donde uno menos puede esperarse. Esto ocurre con el lírico Lucky Luke, una de las obras en las que la mano genial de Goscinny escribió páginas maestras. Solo voy a mencionar aquí dos momentos de verdadero genio de esta serie. Una aparece en el Gran Duque, cuando en mitad de un viaje por el Oeste, el mencionado Gran Duque ruso bebe champán en el zapato de una “jovencita” de dudosa reputación; esta mujer que en su vida volverá a ser tan mimada por ningun hombre acude a confesar su verdadera edad a Luke; si uno se fija es posible adivinar el rubor en sus mejillas. El otro aparece en el Pie Tierno, y refleja de la manera más sintética posible el dolor y la tristeza del buen vaquero, haciendo temblar un poco al protagonista mientras se lía un cigarrillo; a la manera del mejor western lo dice todo con una imagen, sin apenas palabras. Otra vez a vueltas con el tebeo franco belga. ¿Qué tiene la B.D.? ¿Es acaso el mejor del mundo?. Si no lo es, fue de los primeros en el escalafón, y en cuanto a producción dirigida, a priori, a un público infantil es el que cuenta, a mis ojos, con la mayor diversidad. Y el que pueden leer los adultos, casi nunca con un doble sentido, pero encontrando un nivel de documentación y perfección técnica fuera de lo común. La BD supera al cómic americano en su concepción. Mientras el americano se centra en las strips para periódicos y en los comic-books de súper-héroes; los franceses y los belgas han adoptado el formato de revista para jóvenes y el de álbum. En el primero podemos hablar de Petit Vingtieme o de Spirou; en el segundo caso de Tintín o Astérix.

La temática del western tuvo una enorme difusión en las décadas de los 50 y 60 del siglo XX. He hablado de varios autores que se dedicaron a series de este tipo, como Manara, Pratt, Crépax o Jean Giraud. Todos ellos con dibujo de corte realista, pero hemos de hablar también de otrs autores que usando el lejano Oeste hicieron series para un público más infantil, con unos dibujos caricaturescos, o de línea clara. Ninguno de ellos ha alcanzado ni la fama ni la calidad artística de Lucky Luke.

Morris comenzó a dibujar a Lucky Luke poco después de la II Guerra Mundial, y no puedo hablar del éxito obtenido, tan solo puedo hablar de que en esos primeros álbumes ya despunta lo que vendría después cuando en 1955 se unió Goscinny al guión de la serie y se alcanzan los mejores resultados artísticos y de público. Lucky Luke, el vaquero más rápido que su propia sombra, se convierte en un icono y se incorpora por méritos propios al imaginario de la cultura pop. Después de la muerte de René Goscinny, y la publicación del último álbum guionizado por él, Morris incorpora a nuevos guionistas a la serie. Ninguno tuvo la calidad de Goscinny, aunque a diferencia de Asterix, el nivel ha sido notablemente alto.

La vida de Morris, seudónimo de Maurice de Bévère, es la de un hombre consagrado al dibujo. No solo dibujó a Luke, también a veces a Iznogoud, intervino en capítulos de Spirou, y como buen trabajador del cómic, del tebeo, o de la BD, trabajó a destajo en la editorial para sacar adelante revistas, publicaciones y trabajos de compañeros en apuros.

De Goscinny, debilidad personal, permítanme que les cuente algo más. Es una de las personas fundamentales en la historia del cómic, donde practicó todos los oficios posibles, desde el dibujo al guión, desde la impresión a la edición, la invención de revistas, el descubrimiento de nuevos valores, mecenas de nuevos dibujantes… y escritor, guionista y presentador televisivo. No sé si le faltó ser director de cine, pero si no lo fue seguro que lo pensó. Su personalidad y su capacidad de trabajo eran enormes, más que su persona, más que su propio físico. Tanto que su corazón no pudo más y dijo basta en 1977. Es posible no llegar a conocerlo en profundidad nunca, pero de su dimensión humana dan buena idea su inquebrantable amistad con Morris y con Uderzo; y de su arte, mejor Arte, Astérix, Lucky Luke, Iznogoud y El Pequeño Nicolás. De esta última mención, la serie de novelas sobre Nicolás, un niño francés de provincias, ilustrada por Sempé, solo puedo decir que es la ternura y el humor hecho libro, casi lo mejor que se ha escrito sobre la infancia despreocupada y que después de leerlo se debe añorar la ingenuidad perdida.

Luke no es personaje plano, es un paradigma de todos los héroes del western, mezcla de Cooper, Wayne, Fonda, Stewart y anticipo de Eastwood. Se trata de un hombre de honor, callado, estoico, cumplidor de la Ley y amante de su libertad. Con cara de palo casi siempre, pero con emociones. A lo largo de toda la serie antepone el deber a sus emociones, pero el guionista inteligente nunca le pone en dilemas morales ni para él ni para el lector. Jamás será injusto con un indio (nativo americano), jamás será un justiciero que linche a un delincuente, jamás maltratará a un animal.

Los personajes que le acompañan siempre son Rantanplán y Jolly Jumper. El primero es un perro, algo idiota, parodia de Rin Tin Tin. El segundo es el compañero inseparable del vaquero, su montura, el caballo de Atila o de Alejandro Magno. Con respecto a los caballos, hay algo curioso, son las mismas figuras en Astérix y en Lucky Luke. Y aquí ocurre algo, una teoría personal, o bien Goscinny se encargaba de hacerlo en las dos series, o bien, uno de los dibujantes los hacía para las dos. Y también están los Hermanos Dalton, forajidos y enemigos acérrimos de Luke; protagonistas de una nefanda película.

Para acabar. En esta serie se dan todos los tópicos del western, la lucha de granjeros y ganaderos, el joven oficial de caballería que quiere hacer méritos frente a su padre, oficial del mismo Regimiento; la lucha de los indios por sus territorios sagrados; la colonización del oeste del Oeste… Como en otra series la viñeta final, se convierte en una seña de identidad. Aquí se trata de un vaquero cabalgando solitario hacia el sol poniente que tiñe de rojo una llanura infinita. Un poema a la libertad, un poema a la soledad de un corazón roto.

I'm a poor lonesome cowboy
I've a long long way from home
And this poor lonesome cowboy
Has got a long long way to home
Over mountains and over prairies
From dawn 'til day is done
My horse and me keep riding
Into this settin' sun
I'm a poor lonesome cowboy
But it doesn't bother me
'Cause this poor lonesome cowboy
Prefers a horse for company
Bot nothing against women
But I wave them all goodbye
My horse and me keep riding
We don't like being tied
Lonesome cowboy
You've a long long way to go
To go ...
To go.

Para saber más:

Un listado de todos los álbumes de Lucky Luke:

La mine d'or de Dick Digger (1946). La mina de oro de Dick Digger
Rodeo (1948). Rodeo
Arizona (1949). Arizona
Sous le ciel de l'Ouest (1950). Bajo el cielo del Oeste
Lucky Luke contre Pat Poker (1951). Lucky Luke contra Pat Poker
Hors la Loi. (1952)
L'Elixir du doctor Doxey (1953). El Elixir Del Doctor Doxio
Lucky Luke et Phil Defer (1954).
Des Rails sur la Prairie (1955). El Ferrocarril en la Pradera
Alerta aux Pieds Bleus (1956). Alerta, Los Pies-Azules
Lucky Luke contre Joss Jamon (1957). Lucky Luke contra Joss Jamón, o Lucky Luke contra Joss Jamon.
Los cousins Dalton (1957). Los primos de los Dalton o Los primos Dalton.
Le Juge (1958). El Juez
Ruée sur Oklahoma (1958). Carrera en Oklahoma. La gran carrera de Oklahoma.
L'evasión des Dalton (1959). La Evasión De Los Dalton. La Fuga de los Dalton
En Remontant le Mississippi (1959). Remontando El Mississipí. Misisipi arriba.
Sous la piste des Dalton (1960). Sobre la pista de los Dalton-Tras la Pista de los Dalton
A l'ombre des Derricks. (1960)
Les rivaux de Painful Gulch (1961). Los Rivales de Painful Gulch
Billy "the Kid" (1962). Billy The Kid. Billy el niño
Les Collines Noires (1963). Las Colinas Negras
Les Dalton dans le Blizzard (1963).
Les Dalton courent toujours (1964).
La Caravane (1964). La Caravana
La cité fantôme (1965). La Ciudad Fantasma
Les Dalton se rachètent (1965).
Le 7ème de Cavalerie (1965). El 7° De Caballería
L'Escorte (1966). La Escolta
Des Barbelés sur la Prairie (1967).
Calamity Jane (1967). Calamity jane
Tortillas pour les Dalton (1967).

A partir de esta fecha, la Editorial francesa Dargaud y Lucky comics se encargó de editarla, produciendo:

La Diligence (1968). La diligencia
Le Pied Tendre (1968). El Pie Tierno
Dalton City (1969). Dalton City
Jesse James (1969). Jesse James
Western Circus (1970). Western Circus
Canyon Apache (1971). Cañón Apache
Ma Dalton (1971). Mama Dalton
Chasseur de Primes (1972). Cazador de recompensas
Le Grand Duc (1973). El Gran Duque
L'Heritage de Rantanplan (1973). La herencia de Ran-Tan-Plan
Le Cavalier Blanc (1975). El Jinete Blanco
La Guérison des Dalton (1975).
L'Empereur Smith (1976). El Emperador Smith
Le Fil qui Chante (1977). El hilo que canta
7 Histories de Lucky Luke (1977).
Le Magot des Dalton (1980).
La Ballade des Dalton (1980).
Le Bandit Manchot (1981). El bandido mecánico
Sarah Bernardt (1982). Sarah Bernhardt
La Corde du Pendu et autres Histoires (1982).
Daisy Town (1983). Daisy Town
Fingers (1983). Dedos Mágicos
Le Daily Star (1984). Daily Star
La Fiancée de Lucky Luke (1985). La novia de Lucky Luke
Le Ranch Maudit (1986). El Rancho Maldito
Nitroglycérine (1987). Nitroglicerina
L'Alibi (1987).
Le Pony Express (1988). Pony Express
L'Amnésie des Dalton (1991).
Chasse aux Fantômes (1992). Caza De Fantasmas
Les Dalton à la Noce (1993).
Le Pont sur le Mississippi(1994)..
Kid Lucky (1995).
Belle Starr (1995).
Le Klondike (1996).
O.K. Corral (1997).
Oklahome Jim (1997).
Marcel Dalton (1998).
Le Prophète (2000).
L'Artiste Peintre (2001).
La Legende de l'Ouest (2002).

Hay también un número especial, titulado La Bataille du Riz (1972) que recopila historias publicadas en Pocket Pilote y editado para la petrolera Total

Desde 2002, el dibujante Achdé ha producido para Lucky Comics:

La Belle Province (2004).
La Corde au Cou (2006).

Fuera de Colección sobre Lucky Luke y Morris, también existen:

Morris vous apprend à dessiner Lucky Luke (Dargaud).
L'Univers de Morris (Dargaud, 1988).
La Face Cachée de Morris (Lucky Comics).

SHEREZADE.

2010-05-25T03:15:00.001-07:00

Se cuenta que una vez Córdoba alcanzó el millón de habitantes, que era una ciudad con centenares de mezquitas, zoológicos, bibliotecas, teatros, palacios, fuentes de mercurio. Esto era hace mucho tiempo, cuando Londres y París eran apenas barrizales con castillo. Esto era hace mucho tiempo, cuando más de un cristiano y un judío escuchaban los cuentos de Las Mil y Una Noches. Cuando algún que otro musulmán, califa o caíd, bebía vino de la Campiña. Esto era hace mucho tiempo.

Sé que hablé hace poco de Richard Corben, también de pasada como haré hoy, y que parece que me repito. Es posible. Y no me importa. Porque quiero denunciar algo y lo voy a hacer contraponiendo el Islam del siglo X, con este Islam del siglo XXI.

Harum al Raschid. Alí Babá. Aladino. Sherezade. Simbad. Conforman una serie legendaria, una mitología incorporada al imaginario colectivo, también al occidental, una serie de narraciones y cuentos que no solo mantuvieron al califa en vela y alerta, sino a gran parte de la Humanidad llena de ensoñaciones. Uno de ellos fue Corben, que tomó lo que quiso de los cuentos de Sherezade, los adaptó a su estilo guerrero y erótico, y nos hizo relamernos con su narración personal y atrevida. Pura delicia. No una adaptación, sino una variación sobre la recopilación de cuentos. (1) De Corben hablaré en otra ocasión.

La denuncia viene motivada por una noticia de la semana pasada. Se trata de denunciar un atentado contra la libertad de expresión, y se trata de denunciar a quienes cercenan el arte, en este caso, mi amado noveno arte. En 2005 un diario danés publicó unas caricaturas de Mahoma; hace poco, en 2009, en Noruega han reaparecido caricaturas de Mahoma con turbante y cuerpo de perro. Posiblemente todo de muy mal gusto o, al menos, de discutible gusto. Y, seguramente, ofensivo para los creyentes. Pero la libertad de expresión y la libertad religiosa amparan este tipo de manifestaciones. Hace también muy poco, Crumb, el rey del underground, publicaba una Historia Sagrada; El Jueves usa a menudo, y de forma satírica la figura de Jesucristo o de Dios; son manifestaciones poco agradables para mucha gente. Pero al margen de la desfasada condena sobre el tema, de la excomunión, poco más hacen los cristianos (salvo algunos fanáticos). En el caso del Islam, se llega más lejos. La amenaza de muerte y la condena emitida por el Imán encierran en vida a estos autores. Su obra no se difunde y se cercena su creatividad. Valga esto para mandarles un mensaje de apoyo. Y decirles que me parecía ofensivo tener que dar una conferencia con el miedo a ser agredidos y el temor de no volver a casa, simplemente por dibujar.

¿Quién quiere ahora acostarse en un diván a escuchar cuentos de huríes? ¿Quién quiere ahora viajar a Bagdad? ¿Quién quiere ahora ser Califa, salvo Iznogoud?

Que conste que no incluyo imágenes de Mahoma para ilustrar esta entrada no porque las prohíba el Islam. Lo hago por puritito miedo.

(1) Conocí Los Cuentos de Las Mil y Una Noches en una edición de Aguilar. Se trata de una recopilación de muchísimas narraciones, algunas de ellas de muy pequeña entidad en las que se habla de burros, magos, geniecillos, zahoríes, tesoros y chascarrillos varios. Sin duda, una recopilación de tradiciones orales de la Arabia premedieval. Los cuentos más famosos son los que nos han llegado. Pero es un libro más complejo y más rico para la Antropología de lo que parece. Richard Corben se queda con parte de la esencia, lo que añade es puro Richard Corben. Tim Burton, despierta y aprende.

EL ESQUIVO SALÓN DEL CÓMIC

2010-05-06T00:35:00.001-07:00

Hace muy poquito tiempo estaba ilusionado con esta fecha. Pensaba que como colaborador de un programa de radio por el que a ni un café nos invitaron, podría conseguir acreditación y ayuda para acudir a esta cita barcelonesa. ¡Oh, mísero!, ¡oh, iluso!, de Radio Betis nada sacarás.

Que quede claro que no es una cuestión de racanería, no es por dinero, ni tan siquiera por tiempo. Una ilusión así se debe y se puede cumplir. ¡Qué va!, lo que me esperaba era acudir a la cita con cierto contenido, con acceso a un poquito más de información que la que podría tener como simple visitante. Pero no ha sido posible, no solo por la extinción del programa, rara avis en un medio de prensa deportivo, sino porque cosas así no son posibles en la centenaria institución. Al menos, por ahora.

Pero al menos con esta entrada, hago una visita aunque sea virtual a Barcelona.

Sé que este año visitarán el Salón/Saló Moebius y Tardi. ¡Cómo no querer estar allí!. De Tardí, como de otros tantos autores no he llegado a hablar en este blog. Sí de Moebius. Y también he confesado mi admiración por lo francés, por lo francófono, por la grandeur… Dedicaré alguna página más a los autores franceses, lo prometo.

Sé que ese año hay una especial conexión entre el cine y el cómic. Dos artes impares, séptimo y noveno; dos formas de expresión; dos lenguajes, ambos gráficos, ambos parecidos; ambos distintos. La idiotez los iguala, los compara, los convierte en formas de expresión marginales, aptas solo para niños. Pero es eso, la idiotez la que los convierte en nimiedades. En curiosidades. También intentaré dedicar alguna página a la conexión entre cine y cómic. Por los muchachos de Châteu de Cinéma. Por los aficionados. Por mí.

He oído que este año se hará un homenaje a Vázquez. Ínclito, superlativo Vázquez, el trabajador incansable, el pluriempleado del tebeo. Imagino que este autor será señalado como uno de los grandes del tebeo español. Es bueno lo que quieren hacer, pero no suficiente. Vázquez, haciendo alarde de mala leche, anticipó la sátira que, hoy día, cuando revisamos los productos que nos vienen de USA nos parecen obras maestras. Y volvemos a la idiotez. Cuando Vázquez, y otros autores, trabajaban, lo hacían en el más absoluto olvido, pero con la presión de no poder sacar ni un solo pie del plato. Pero Vázquez sobresalió de los demás por propio talento, por capacidad creativa y artística. Sus historias, sacadas de la destilación vazquiana de una gris realidad, parecen de otra época, pero se saltaron la censura, el muermo y la tristeza de la época. Y nació Vázquez, en palabras de un gran crítico, el terrorista de su arte, de sí mismo. El Gran Maestro/e del tebeo. Y nos creemos que el creador de los Simpsons o de Padre de Familia ha descubierto la rueda.

Y aquí estoy yo. A una distancia del orden de los 1000 Km. del Salón, con las ganas de ir y pensando en qué encontraría, en si alguna vez las trece rayas verdiblancas me darán otra satisfacción, o si tendré que buscarla en otros lares; y pensando en si allí, en Barcelona, los cómics y el Salón me serían gratos o si se convertirían en otra decepción. No lo sé, pero si hay XX Salón del Cómic, allí quiero estar. Por volver a los tiempos en los que Barcelona representaba ese otro mundo sofisticado y de diseño en el que los que renegábamos del victorianismo de provincias queríamos vivir.

LA ESPERA. 1984.

2010-02-24T23:31:00.001-08:00

En realidad, esperar es lo que he tenido que hacer para darle forma a esta entrada del blog. Tiempo, tiempo es lo que se necesita para recordar a algunos de los ilustres dibujantes y guionistas de aquella mítica revista, 1984.

Hace poco, poco al compararlo con los más de veinte años atrás en los que ahora me muevo, me preguntaron si tendría éxito ahora relanzar revistas de cómic al estilo de las que aparecieron en España en los años 80 (¡del siglo pasado!), respondí que no. Lo pensé, a bote pronto, entonces y lo pienso ahora, más sosegado, cuatro meses después. La explicación es que, a pesar de que hay una tendencia nostálgica y de recuperación de elementos del pasado muy fuerte, de reeditarse aquellas revistas es posible que ocurra con las reediciones que estoy viendo en el mercado, la falta de calidad. Ese sería el primer fracaso de sacar revistas ahora. De hacerse una publicación nueva, no sobreviviría. ¿Por qué?, porque se ha perdido parte de la magia de entonces, saber esperar durante un año o año y medio que una serie termine, y contentarse con una ración de cuatro o cinco páginas mensuales.

Introducido ya el tema, dada ya la tabarra, voy a lo que debo ir, a hablar de la publicación. 1984 era una revista de cómics en los que predominaba la fantasía y la ciencia ficción. Editada por Toutain, al igual que Creepy tomó su nombre de la revista homónima estadounidense de la Editorial Warren. Este sistema de franquicia le permitía reproducir gran parte del material que se publicaba en América, al que se añadían aquí, en España, series producidas por autores españoles, portugueses y argentinos. Además de una introducción a modo de editorial, reflexiones y algún que otro reportaje o dossier sobre la situación del cómic, algún autor o algún crítico. (Así que esta idea de intercalar comentarios y experiencias propias entre las disertaciones sobre cómics no es ni mía, ni nueva).

1984, la española, nació en 1978. El nombre hacía referencia a la novela de George Orwell, y la ambientación inicial, sin duda, también lo era. Pronto se abandonó ese clima opresivo y futurista, para convertirse en una revista que amparaba la ciencia-ficción, gracias a Dios no desde la óptica simplista de La Guerra de las Galaxias, sino a reflexiones influidas por el propio Orwell, Bradbury, Asimov, o desde el cine por Naves Silenciosas, Tron, Blade Runner o El Abismo Negro. Es posible incluso que Tarkovski, el olvidado cineasta ruso, o el Godard de Alphaville, influyeran en la estética del cómic. No podía ser de otra forma, la amalgama de autores fue grande y notoria, tanto en procedencia, como en calidad, como hasta en las temática. Las pareja artísticas formadas por Altuna y Trillo, el propio Trillo y Bernet, tuvieron aquí un lugar donde poder dar rienda suelta a su imaginación. Pero sus obras no siempre fueron ciencia-ficción, en las postrimerías de la época dorada de la revista, la temática no podía ser más erótica, tanto que la serie que comenzaron aquí Trillo y Bernet, Light & Bold, fue continuada y reeditada por Penthouse Comic.

En el año 1984, tras 64 números, varios extras y almanaques, comenzó Zona 84. En principio, el cambio de nombre se hacía para evitar anacronismos al año siguiente. Esta vaga excusa escondía dos motivos que no se mencionaban, por un lado seguir la estela iniciada por la homónima norteamericana y a la vez desligarse de ella, y por otro abrir la temática de la revista a otros temas y autores. Se incorporan historias de corte social, erótico, fantástico, surrealista, y se le da la “oportunidad” a autores noveles. El porcentaje de historias de calidad seguía siendo alto, y, a pesar de la desaparición de Berni Wrightson y de Frank Thorne, de sus historias de terror y de espada y brujería y algo más (Ghita era un mito erótico, la antítesis a la virgen Red Sonja), atrajo a la gran parte de los lectores anteriores. Richard Corben, que en 1984 habia publicado su versión de los Cuentos de las Mil y Una Noches, se convirtió en una especie de dios para los editores; tanto que su cuasi-omnipresencia nos llevó hasta el hastío a algunos de nosotros (solo mucho después y tras una lentísima digestión de aquel atracón he vuelto a valorarlo). Así las cosas, y año tras año, la calidad global fue decayendo de forma paulatina. No fue un episodio aislado, este tipo de publicaciones estaba muriendo, pero los diversos experimentos que se hacían con la revista, introduciendo a autores con calidad insuficiente, guiones flojísimos o copiados de alguna película de moda en aquella época, o la inclinación hacía la temática exclusivamente erótica, remataron a Zona 84, que murió oficialmente en el 92. Para otros había muerto mucho antes, hacia 1989, tras una larga agonía y espera iniciada en el verano de 1984.

Parece increíble, porque para un adolescente con dieciséis años hay pocos asuntos más atrayentes que el sexo, y si es explícito mejor. Pero la ya mencionada Light & Bold y Druuna, de Serpieri, provocaron un sentimiento de timo que hacía que las aventuras y proezas sexuales de sus protagonistas femeninas casi no importasen. Casi, no se puede mentir. La secuencia de estas historias, introducción, acto sexual de corta duración, diálogo, acto sexual de gran duración, diálogo, final con acto sexual; cansaba. A pesar de la voluptuosidad y facilidad de las neumáticas protagonistas.

De todas formas, y, a pesar del indeseado final, el papel de Josep Toutain en la difusión del cómic adulto (no confundir esta terminología con la de cine para adultos usado como eufemismo para cine porno), fue primordial en la historia española. Desde mediados de los años 60 se ocupó de darle una dimensión intelectual a la historieta y hasta su muerte se mantuvo en el sueño de convertirlo en Arte. Gracias a él, conocimos a autores fundamentales, y nuestros sueño, amén de cine, fueron de papel, de papel desinée.

Para saber más, o como regalo, traigo este testimonio, que alguien que en un foro llamado Pasadizo, ha traducido. NO se trata de material elaborado por mí, por lo que pido disculpas, si alguien no desea que aparezca aquí y desea que sea retirado:

Al parecer, todo el que conoció a Toutain alberga sentimientos contradictorios hacia él... Se dice que era todo un seductor, en el más amplio sentido del término, con un savoir faire y una confianza tan absoluta en sí mismo que lograba transmitirla a los que le rodeaban. No me resisto a transcribir las palabras del mismísimo James Warren, publisher de la famosa línea de magazines en b/n "Creepy", "Eerie", "Vampirella", etc. acerca de su primer encuentro con el carismático Toutain.
Traduzco:
"Eran las cuatro de la tarde de un fin de semana en la oficina de Nueva York y mi secretaria, Liz Alomar, dijo: 'Un tal Mr. Toutain está aquí para verle'. Dije, 'Liz, no tiene ninguna cita. Sabes que quiero salir temprano porque hoy tengo una cita a las 4:30'. Ella dijo: 'Mr. Toutain desea enseñarle algunas muestras de artistas. Representa a un estudio artístico'. En Warren Publishing, teníamos a cinco de esos vendedores al día, y dije, 'Liz, realmente este no es el momento'. Josep Toutain era de Barcelona, un español bastante imponente con sus 6'2", hablaba como Ricardo Montalbán, y llevaba un foulard alrededor de su cuello. Podría haber sido un actor shakespeariano. Liz estaba bastante pillada y se enamoró de él nada más verlo. Ella dijo, 'Mr. Warren, ha hecho todo este camino desde España, y volará de vuelta a Barcelona mañana por la mañana. Por favor, ¿le puede enseñar su portafolio?'. Dije, 'Liz, no me hagas esto. Sabes que estoy a punto de salir'. Pero Liz insistió y dije, 'OK, hazle pasar, ¡pero solo por veinte minutos!'. Entra Josep Toutain llevando un portafolio (imagina a John Carradine con un fuerte acento español, solo que mejor parecido). Hace una reverencia y dice, 'Mr. Warren (pronunciándolo "Wahr-den"), soy Josep Toutain. No hablo inglés demasiado bien pero represento a un grupo de artistas españoles de Cataluña, España'. Pregunta si me importa que fume, niego con la cabeza, y coge su cigarrillo como Peter Lorre en "Casablanca"... Josep era todo un personaje, y yo estaba encantado. Y luego cometí mi primer error, y me mordí la lengua justo después de cometerlo, pero dije, 'Liz, quizás a Mr. Toutain le gustaría tomar café'. ¡Dios, eso a los diez minutos! No ofreces café a nadie que tienes pensado echarlo de una patada a los cinco minutos! Pero no pude hacer nada, era tan encantador. Ella trajo el café y supe que estaba vencido. Nunca podría estar en esa cita de las 4:30. El dijo, '¿Le suena familiar Cataluña? Es el lugar de nacimiento de Picasso, Dalí, y muchos otros grandes artistas. Tengo artistas que admiran sus magazines desde hace muchos, muchos años, y acabo de venir de ver a Carmine Infantino y Stan Lee. Ahora me gustaría enseñarle algunas muestras de arte'. Dije, 'Oh, ¿ha ido a ellos primero? Está bien. Lo entiendo. DC y Marvel son un poco mayores que nosotros, pero antes de que me muestre estos trabajos, dígame: ¿Han comprado ellos algo?'. Me miró muy astutamente y dijo, 'Aún no. Se lo están pensando'. De modo que me dije, 'De acuerdo. Vamos a ver de qué va todo esto'. Pone su gran portafolio de cuero en la mesa, lo abre, y le echo un vistazo a dos muestras. La primera página era de un artista llamado José González. Dibujos de mujeres. La segunda página era de un hombre llamado Esteban Maroto, y no digo nada, no muestro expresión alguna; pero para cuando iba por la tercera página no pude contenerme. Dije 'Es trabajo excepcionalmente bueno. ¿Quiénes son esta gente?'. El dijo 'Son los artistas a quienes represento. Yo mismo soy un artista. ¿Conoce a Will Eisner?. Nos carteamos'. Esto me decía que sabía de comics. De modo que miro página tras página de este arte increíble, en un estilo que fué bien descrito como "europeo". Era una sensibilidad diferente, un estilo de arte diferente. Toutain también me mostró pinturas que estaba vendiendo como portadas para Dell y otras editoriales. Comencé a hacerle preguntas sobre arte y artistas españoles. A esas alturas eran las 6 PM. Había olvidado completamente mi temprana cita de las 4:30. No volví a preocuparme de ninguna cita. Estaba mirando fijamente ese arte hasta que perdí los sentidos. Miraba al artista de Vampirella que estaba buscando desde hacía dos años. La cita fué cancelada, y ella no volvió a hablarme de esta. Josep Toutain y yo fuímos después a cenar a las 8 PM. Negociamos precios, fechas de entrega, convenios con los bancos, todo antes de que el camarero sirviera el primer plato."

EPILEPSIA. CATARSIS.

2010-02-24T23:30:00.001-08:00

(Sobre el álbum de David B. Epilepsia. El Ascenso del Gran Mal. David B., David Beauchard es un autor francés, de dibujo poco convencional, al que su profesor Pichard, describió como un dibujo triste, un dibujo que no se sabe por qué provoca una sensación de tristeza en el lector. Ha publicado comics desde 1.985, y fundado la editorial independiente L´Association . Su trabajo más reconocido para los críticos es la obra que nos ocupa, publicada en Francia en seis volúmenes de 1.996 a 2.003, y recopilada como Epilepsia. El Ascenso del Gran Mal en un solo tomo con prólogo y epílogo de su hermana. De corte autobiográfico y posiblemente psicoanalítico, con tono crudo y con recuerdos muy exactos construye una obra que atrapa al lector y lo zarandea. Y descubre, a través de su experiencia, las tristes vivencias a la que se ven abocadas las familias a las que llega la enfermedad. Entronca con otras obras como Maüs ó Persépolis, de las que se distancia en el tratamiento de los recuerdos. A pesar de que la tragedia es meramente familiar, consigue un efecto mayor en el lector por la viveza de las situaciones y por la visión entre poética y neurótica de David B. Una obra cumbre. No apta para personas con estados anímicos alterados.)

Tras diez o veinte años se vuelve a la casa familiar. No se ha perdido, o no se cree haber perdido la confianza con los hermanos, así que la intimidad del cuarto de baño se quebranta con la aparición del hermano. El hermano es en realidad un desconocido, una sombra del pasado. La casa de los padres ya no es el hogar propio. Lo que antes era nuevo y reluciente, amplio, hermoso y luego cotidiano, es una sucesión de espacios fríos y vacíos de sentido, si acaso, un leve recuerdo de un pasado remoto.

El hermano es un monstruo. Ha arruinado tu vida. Ha arruinado la vida familiar. Os ha convertido a tu hermana y a ti en dos seres tristes, asociales, traumatizados. Tus padres han vivido en una loca sucesión de modas psicológicas, pseudorreligiosas, de mil extraterrestres y mil rosacruces. Han visto la esperanza, han sido engañados, han querido creer en lo que no querían creer.

Y llegan los recuerdos. Sobre un fondo negro, recuerdos, recuerdos, recuerdos. De la infancia, de los chamanes, de un París roto, de fantasmas, de búhos. Y sobre ese fondo negro, los recuerdos bailan, colapsan el espacio, la viñeta, el diálogo, colapsan al lector y colapsan los corazones.

Y la catarsis. Gracias al lector, gracias a la escritura, gracias a la complaciente mirada de madre y hermana. Y mejor que gracias al lector, a costa del lector, a costa de que el lector deje un pedazo de vida en la lectura, en la desgarradora lectura que atrapa y engancha. Que hiere y daña.

Y la catarsis.

EL HOMBRE DE … L´UOMO DI…

2010-02-15T05:29:00.001-08:00

¿De dónde era Guido Crepax?. ¿Era en realidad italiano?. No, no se trata de un enigma como el de Cristóbal Colón. Guido había nacido en Milán, a todos lo efectos, y que yo sepa, Italia. Lo que ocurre es que Guido Crepax tiene una vocación internacionalista, como la de los partidos políticos socialista y comunista. Y por eso Crepax, como los grandes autores y artistas, parece pertenecer solo al mundo sin nación. Flaco favor, por otro lado, para este autor milanés que auna en su minuciosidad como dibujante una precisión industrial muy cercana a la mentalidad alemana o suiza, y, a la vez, libertad y ensoñación propias de un alma mediterránea.

Guido nació en 1.933, por tanto vivió de niño la Italia de la II Guerra Mundial, de la posguerra, la de la recuperación y en plena madurez, el auge del comunismo de la Europa pre y post 68, de la Europa de la lucha armada. Además de ese mundo político en el que habitó, vivió el mundo del jazz con gran pasión, como gran aficionado, como gran entendido. Y el mundo erótico, el de Valentina, el de Enmanuelle. A diferencia de otros autores italianos como el propio Manara, o Tinto Brass, o Fellini, la visión erótica de Guido Crepax resulta poco pasional, parece que el autor no se deleita con su narración, sino que se convierte en un testigo que narrará la relación con una precisión y objetividad fuera de lo normal. Tampoco la mujer de Crepax es una heroína o protagonista común, no se trata de un mito erótico, ni de un objeto sexual, se trata de una mujer libre que vive su vida con toda la libertad posible y en la que la sexualidad se manifiesta como un ejercicio más de su libre albedrío. No existe ni siquiera esa supuesta ingenuidad de Milo Manara, la mujer es consciente y responsable de sus actos.

De su aventura política quiero destacar una obra maestra del cómic. En español se tradujo y editó por Súper Tótem, como Rusia en Llamas. Yo todavía conservo, no solo en la memoria, sino en mi biblioteca, un ejemplar de esa historia. Cuenta un episodio centrado en una época poco conocida de la Revolución Rusa, la guerra civil que se produjo tras el final de la I Guerra Mundial, cuando algunas potencias europeas y Japón apoyaron a los contrarrevolucionarios, los rusos blancos. En este contexto una patrulla de avanzadilla, al estilo de los comandos, o de los saboteadores, se enfrenta a la primera línea del ejército blanco. De su huida y captura trata este libro. Del oficial blanco, lleno de dudas, lleno de remordimientos, abrumado por el horror y el terror que provoca su ejército, proviene el nombre original del cómic, también uno de los mayores alegatos, como en Senderos de Gloria de Kubrick, contra la obediencia debida. Sus imágenes son poderosas, la languidez que caracteriza el dibujo de Crepax, sus caras, aparentemente no agraciadas, pero llenas de poesía, la utilización se símbolos comunistas, su decantación, sin ningún género de dudas, por los bolcheviques, constituyen una obra maestra, capaz de convulsionar cualquier conciencia. Conciencia despierta, se entiende, a las opacas no las mueve nada.

Para otros, Guido Crepax es tan solo el creador de Valentina, mito erótico italiano. Este personaje nació en 1965, novia de un superhéroe que pronto se convirtió en alguien olvidado al que esta mujer le había arrebatado la fama y el protagonismo. Este personaje tiene una vida curiosa, el historietista quiso que Valentina naciera en 1942, que envejeciera a lo largo del transcurrir de sus historias y que muriera en 1995. Junto con Enmanuelle o Historia de O, Valentina conforma una serie de historias en las que este autor da rienda suelta al mundo del erotismo. Cuando se inició Valentina, el erotismo constituía una forma contestataria a las formas dominantes, una transgresión de una moral capitalista y opresora, una forma de recuperar la libertad perdida. Muchos de los que iniciaron este camino, lo siguieron, aun ya agotado su origen libertario. Y de esa reivindicación, en parte igualitaria, en parte feminista, porque se defendía la libertad de la mujer para decidir sobre su sexualidad, se pasó a explorar otros mundos dentro de la sexualidad. Casanova, Enmanuelle o Historia de O, son recorridos por el mundo del erotismo. No alcanzan el grado pornográfico de los dibujos manga o de otras publicaciones con tintes meramente onanista, pero su grado sexual es altísimo. tanto que en España, solo a finales de los 70 se empezaron a distribuir esas obras… digamos licenciosas. El dibujo de la figura femenina es menos voluptuoso que el que realizan otros autores como Milo Manara, fiel a su tradición de estilización de la figura. En términos un poco eufemísticos podemos hablar de un amante del cuerpo de la mujer.

Quedarse solo con esa parte de este creador es cercenar una obra primordial del noveno arte, la que compone la totalidad de su producción, prolífica, extensa. No solo el dibujo de Crepax lo hace peculiar, distinto, genial, la composición de su obra, con montaje y concepción cinematográfica, tanto en el desarrollo de la obra como en la maquetación de la página, lo convierten en un autor fundamental. No solo de obra propia sino como adaptador de otras obras literarias, las ya mencionadas, y menores, Historia de O y Enmanuelle y las obras fundamentales del terror gótico, Drácula de Bram Stoker y Frankenstein de Mary Shelley, o del Marques de Sade, Justine. Todo lo realizado además a destiempo, fuera de modas pasajeras. Es buen reflejo de la Escuela Italiana de cómic, en la línea de Manara, Pratt o Battaglia; el cómic es un arte visual y narra secuencialmente una historia, tanto la historia como el dibujo deben ser fieles a la realidad, aunque la narración sea fantástica debe ser coherente, aunque los personajes sean legendarios deben tener cuerpo, alma, ropa, y deben funcionar las leyes naturales.

En El Hombre de Harlem (Harlem Blues) retrató como un verdadero amante al mundo del jazz, esa leyenda maldita de pobreza, alcohol y derrota que acompaña a lo grandes del género. La serie El Hombre de… generó alguna que otra historia más, nunca como álbum solo como historias publicadas en revistas. Pero, a pesar de ser fieles retratos de situaciones y de zonas a lo largo del mundo, jamás alcanzaron las cotas de pasión de Harlem y Pskov. Estos distintos hombres nacerán en Río de Janeiro, África, Asia,... son distintos intentos de reflejar el mundo que le apasiona, el de la lucha política, el del arte, el de los espacios marginales.

Guido Crepax murió en 2003. Yo no lo he sabido hasta hace poco, era un tiempo en el que otros deberes familiares y laborales no me permitían dedicarme a esta afición. Es una lástima. Para mí queda su Rusia en LLamas. Sin saber para qué, ahorré durante tres o cuatro meses doscienta cincuenta pesetas; era 1980 y yo tenía nueve u diez años. Con ese dinero compré el ejemplar que aun hoy conservo. Lo primero fue la bronca paterna, ¡250 pesetas en un tebeo! y ¡además los dibujos no son buenos! (ahora cuando veo a mi hija despilfarrar sus ahorros en cromos siempre me acuerdo de esto). Lo segundo fue que en aquella época yo no sabía muy bien qué eran las izquierdas y las derechas, y dudaba de si ser de izquierdas o derechas. Después de leer este cómic, mi primera novela gráfica, siempre lo he tenido clarísimo.

Un perla, en italiano, la bibliografía de Crepax.

1968	L'astronave pirata	Rizzoli	cartonato, 116 pp, fantascienza rist. in Off-Side nn. 1 a 12, 1969 rist. da Savelli in edizione economica
1968	Valentina	Milano Libri	cartonato, 128 pp. Contiene: · introduzione · I Sotterranei · Valentina perduta nel Paese dei Sovieti rist. varie volte
1969	La casa matta (Bianca, una storia eccessiva)	Edip (Editrice Periodici)	soft cover, 96 pp bn + copertina a 2 colori, L. 1000, suppl. a New Kent n. 24, dicembre 1969. Contiene: · ristampa delle 12 puntate apparse in Kent dal n. 2 del 1968 · più 16 tavole inedite rist. come suppl. a Nuova Cronaca Vera rist. in collana "La nuova mongolfiera" n. 3, 1987, Editori del Grifo
1969	Valentina speciale	Milano Libri	soft cover, 144 pp
1970	Valentina con gli stivali	Milano Libri	cartonato, 192 pp. Contiene: · introduzione · La forza di gravità · Valentina con gli stivali · La Marianna la va in campagna · Il bambino di Valentina
1971	Baba Yaga	Milano Libri	in "Alì Baba Yaga", soft cover, 128 pp
1972	Il dottor Jekill	Persona/Ennio Ciscato Editore	suppl. a Sorry n. 1, omaggio agli abbonati, albo orizz. cm 24.5x16.9 16 pp bn + cop a colori, scritto e disegnato da Crepax da bambino nel 1945, inedito
1972	Ciao Valentina!	Milano Libri	soft cover, 128 pp
1972	Anita, una storia possibile	editore	tema: rapporti con la televisione; inizio pubblicato in Sorry Ciscato Editore n. 1 (maggio 1972) e dal n. 1 (settembre 1972) ed. in volume nel 1974 da Edizioni Morgan; la storia è pubblicata ne Il Mago Mondadori nn. 91 (ottobre 1979) a 100 (luglio 1980); rist. in collana "La nuova mongolfiera" n. 19, Editori del Grifo
1972	Bianca, una storia eccessiva	Edizioni Morgan	cartonato. Contiene: · La casa matta · Odessa 1905 · Il collegio delle fanciulle · Quadri straordinari
1973	Valentina nella stufa	Milano Libri	cartonato, 192 pp. Contiene: · introduzione · Baba Yaga · Barbablù · Annette · Il Piccolo Re
1974	Anita, una storia possibile	Edizioni Morgan	cartonato
1975	Diario di Valentina	Milano Libri	cartonato, 192 pp. Contiene: · L'intrepida Valentina di carta · Valentina intrepida · Vita privata · Caduta Angeli · Viva Trotskij · Riflesso
1975	A proposito di Valentina	Milano Libri	dedicato a Louise Brooks, a cura di Francesco Casetti
1975	Histoire d'O	Franco Maria Ricci Editore	edizione serigrafata, numerata e firmata, 340 pp; dal romanzo di Pauline Réage
1976	Valentina in giallo	Milano Libri	cartonato, 176 pp. Contiene: · Il duplice delitto della Via Morgue · senza titolo (episodio inedito) · La curva di Lesmo · Ciao Valentina! · La discesa · Un poco loco
1977	Valentina assassina?	Milano Libri	cartonato, 224 pp. Contiene: · Bonnie & Clyde · Il manoscritto trovato in una carrozzella · Pietro Giacomo Rogeri · Moscacieca · Valentina nel metrò · Valentina assassina · Subconscious Valentina
1977	Circuito interno	Edizioni Tempo Medico	cartonato, 196 pp (+ 999 esemplari numerati, rilegati in tela, con sovraccoperta, fuori commercio); con le prime 80 "clinicommedie" di Tempo Medico, testi di "mister Hyde" e di Pino Donizetti, illustrate da Crepax, pubblicate dal n. 33 (gennaio 1965) al n. 112 (maggio 1973); prefazione del direttore della testata, Carlo Felice Venegoni
1977	L'uomo di Pskov	CEPIM (Sergio Bonelli)	collana "Un uomo un'avventura" n. 11 (novembre 1977), albo cartonato a colori
1977	Casanova	Franco Maria Ricci Editore	edizione numerata (900 esemplari) e firmata; rist. ne "I classici del Grifo" n. 11, Editori del Grifo, 1993
1978	Emanuelle	Olympia Press	cartonato tela, dal romanzo della Arsan
1979	Il ritratto di Valentina	Milano Libri	cartonato, 224 pp. Contiene: · introduzione · Rembrandt e le streghe · Anthropology · Appendice Funny Valentine · Il gioco di Filippo e Valentina · Chi ha paura di Baba Yaga · I vestiti nuovi dell'Imperatrice · Valentina nel vaso di Pandora
1979	Riflesso di Valentina	Mondadori	pocket, collana Oscar n. 1101 (novembre 1979), prefazione di Ranieri Carano. Contiene, rimontati: · Viva Trotskij! (da "Il diario di Valentina") · Riflesso (da "Il diario di Valentina") · Moscacieca (da "Valentina assassina?")
1979	L'uomo di Harlem	CEPIM (Sergio Bonelli)	collana "Un uomo un'avventura" n. 21 (aprile 1979), albo cartonato a colori rist. 1986 Editori del Grifo, collana "La nuova mongolfiera" n. 11; rist. 1990 ed. Hobby&work
1979	Lanterna magica	Edizioni d'arte Angolare	edizione in serigrafia, 300 esemplari numerati e firmati; edizione economica Editiemme (1979), cartonato, 112 pp; rist. in collana "La nuova mongolfiera" n. 18, Editori del Grifo
1979	Justine	Olympia Press	da "La nouvelle Justine", romanzo del marchese de Sade, 160 pp; rist. ES, 2000, collana "Ars amandi"
1980	Valentina pirata	Milano Libri	cartonato, 56 pp a colori
1980	Hello, Anita!	L'isola trovata	cartonato, a colori; rapporti con il telefono
1981	Valentina sola	Milano Libri	cartonato, 56 pp a colori. Contiene: · Le zattere · Vent'anni dopo · Nostalgia · Alfabeto muto
1982	Valentina, storia di una storia	Olympia Press	collana "L'avventura del fumetto" n. 5, cartonato, 96 pp; rist. ES, collana "Ars amandi"
1983	Per amore di Valentina	Milano Libri	cartonato, 224 pp. Contiene: · Made in Germany · Frau Rosselli und Fraülein Lang · Andante · Schwaerzer Helm
1983	Belinda uno e due	Editori del Grifo	collana "Mongolfiera" n. 1; storia apparsa nel 1967
1984	I viaggi di Bianca	Milano Libri	vol. soft cover. Contiene: · prefazione di Franco Cavallone · Lilliput · Brobdingnag · Laputa · Houyhnhnm (episodi ispirati ai "Viaggi di Gulliver" di Swift)
1984	La calata di Macsimiliano XXXVI	Editori del Grifo	collana "Mongolfiera" n. 3; storia pubblicata in Linus nn. 55 (10/69) a 60 (3/70), 36 tavole
1984	Venere in pelliccia	Olimpia Press Italia	dal romanzo di Leopold Sacher-Masoch; rist. ES, 2001, collana "Ars amandi" 96 pp
1985	Io Valentina, la vita e le opere	Milano Libri	cartonato, 224 pp. Contiene: · La montagna incantata · Valentina intrepida · Vita privata
1987	Bianca 2. Odessa	Editori del Grifo	collana "La nuova mongolfiera" n. 11
1987	Conte Dracula	Rizzoli-Milano Libri	cartonato; dal romanzo di Bram Stoker; rist. 1998 Hobby & Work, rilegato, 136 pp cm 22x29,5
1987	Dr. Jekyll e Mr. Hide	Rizzoli-Milano Libri	dal romanzo di Robert L. Stevenson
1989	Giro di vite	Olympia Press	dal romanzo di Henry James
1990	Nessuno	Milano Libri	soft cover, 184 pp
1990	Le clinicommedie	Editiemme	cartonato, 192 pp, a cura di Massimo Obbiassi, "ottanta casi clinici sceneggiati", raccolta dei casi da 186 a 265, pubblicati dal n. 218 (30 gennaio 1984) al n. 297 (15 novembre 1988) di Tempo Medico (vedi anche 1977: "Circuito interno")
1990	Emanuelle l'antivergine	Rizzoli	collana I maestri Glénat; dal romanzo della Arsen
1991	Valentina e le altre	Mondadori	collana Oscar, "sei storie complete", cartonato, 240 pp, a cura di Massimo Moscati; rist. da Club degli editori
1992	Valentina, la gazza ladra	Rizzoli-Milano Libri	brossura, 176 pp
1994	E Valentina va...	Rizzoli-Milano Libri	brossura, 160 pp
1994	Crepax - Valentina [7 volumi]	Blue Press	brossura, varia fogliazione, bn. Contengono: · volume 1 Vita privata Valentina intrepida La curva di Lesmo Funny Valentine · volume 2 Ciao Valentina I Sotterranei · volume 3 La forza di gravità Mappa dei Sotterranei La discesa Funny Valentine · volume 4 Valentina perduta nel Paese dei Sovieti Valentina con gli stivali Funny Valentine · volume 5 La Marianna Il gioco di Filippo e Valentina La mangiatrice del tempo · volume 6 Un poco loco Il bambino di Valentina Il manoscritto trovato in una carrozzella · volume 7 Baba Yaga Barbablù
2001	In arte... Valentina	Lizard	Contiene: · prefazione di Vincenzo Mazzarella · Il falso Kandinsky · Sindrome di Moore
2002	Frankenstein	Grifo Edizioni	collana "Le onde" n. 20, 96 pp bn

DESPEDIDA Y ¿CIERRE?

2010-01-25T08:01:00.001-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS, 25 DE ENERO DE 2.010)

LO que he contado durante estos días no ha sido sino una visión particular de la historieta, está claro que no es la mejor, sino la mía, la de flecha verde.

PEro se acaba MIL PALABRAS, al menos, como lo he conocido. Araceli, la conductora del programa deja esta emisora. Yo no sé si continuaré con la radio, sé que continuaré con el Blog.

RAzones para continuar el blog hay. La primera el amor a los cómics, los tebeos o las historietas, que son casi lo mismo. La segunda es el gusanillo radiofónico. Ha calado, a pesar de la poca preparación. La tercera el hábito. La más importante, la gente.

VEremos en que acaba esta aventura que inaugura un nuevo ciclo en mi vida. Ciclo light, porque este divertimento y los cambios en mi domicilio no son nada comparados con otros cambios-

TEatro, cine, cómic, novela, no son sino formas de llegar a la gente, de intimar, de contar una historia. La radio además es la de la voz que acompaña y arrulla. Algunas voces de MIL PALABRAS son hermosas, vayan donde vayan que no cambien.

YA ha llegado este lunes. El lunes del adiós o el hasta luego. Siempre que acaba un programa o una serie, se apaga el telón y se dice hasta luego. Así se lo dijeron al comandante Ché Guevara. Así se lo decimos al MIL PALABRAS de Amai.

Gracias a todos los colaboradores que han sido amables y receptivos. Gracias a los técnicos de sonido que han mimado a mi hija. Gracias a los hombres y mujeres de este programa.

¡Hasta Luego!

JEAN GIRAUD/MOEBIUS.¿DOS CARAS O UNA CARA?

2010-01-20T14:22:00.001-08:00

( PROGRAMA MIL PALABRAS, 21 DE ENERO DE 2.010)

Hablando de Moebius nos podemos acordar del insigne matemático, de la famosa superficie que describió o de un francés genial y poco convencional que también responde a su otro nombre, Jean Giraud. Siendo este un blog sobre cómics parece obvio que nos referimos al último, aunque yo no tengo tan claro que nuestro Moebius no sea sino una encarnación de la superficie, una superficie con dos caras que resulta ser solo una.

El uso para este narrador de sus dos nombres no es arbitrario. Jean Giraud es el nombre usado para el cómic más convencional y clásico, el del dibujante de Teniente Blueberry. Moebius es su heterónimo, el que crea otros mundos, otras realidades, el creador del Incal.

La importancia de Moebius la podemos valorar sabiendo que su nombre fue durante los años 80 en Francia estuvo ligado a la intelectualidad y considerado por muchos, no una figura del cómic sino un verdadero filósofo y un gurú. Y está claro que el autor de El Empalmado Loco, amigo de ese otro loco llamado Jodorowsky, no es una persona convencional.

Parisino y ciudadano de muchos mundos, Jean Giraud se inició muy joven en el mundo del cómic y la ilustración. Antes de ir a vivir a México con 16 años, ya había visto publicada sus primeras historias en Francia. Después de un periplo de varios años en los que vive sucesivamente en México, Francia, Alemania y Argelia se instala definitivamente en Francia en 1961 y comienza a colaborar en series de historietas sobre el Oeste. Cuando en 1964 se une a Jean Michel Charlier para crear El Teniente Blueberry se inicia una época de gran éxito comercial lo que le ha permitido desde ese momento vivir de manera desahogada. Aunque el mayor éxito de crítica lo cosecha como Moebius, nunca ha olvidado o relegado a Blueberry, siempre ha sido un serie que ha cuidado mucho tanto en el dibujo como en el guión, y no solo por celo profesional, sino que ha confesado que tiene un especial cariño a este personaje por lo que ha aprendido del arte de dibujar y de narrar historias.

No debe ser casual que su nombre esté unido al de las revistas francesas de mayor repercusión en el mundo del cómic. A Pilote llegó de la mano de Goscinny y Uderzo. En Hara-Kiri se convirtió en Moebius para poder ir más allá del propio Jean Giraud y con los Humanoides Asociados creó Metal-Hurlant. Es decir, viajó desde el cómic más clásico de la historieta francobelga a la fantasía desbordante de la mejor ciencia ficción hecha jamás, pasando por el cómic crítico, experimental y satírico.

La obra de este autor se inicia de una forma clásica, Teniente Blueberry, es una narración sobre el Oeste americano, lleno de tópicos y lugares comunes que a menudo beben del cine, pero que constituye una obra de muchísima calidad. Cuenta la historia de un perdedor, un sudista, que acusado de matar a su suegro debe huir para evitar su ahorcamiento. Adopta el nombre de Mike S. Blueberry y recorre el viejo Oeste durante la guerra de Secesión, vive con los apaches y se encuentra en el OK Corral, en el mítico Tombstone.

Sin embargo su producción como Moebius es radicalmente distinta. No solo por el dibujo menos realista, menos encorsetado, sino porque inaugura una de las más influyentes carreras que se conocen en la ciencia ficción. Yo amo los mundos sutiles, ingrávidos y gentiles, como pompas de jabón, y así son sus mundos, líquidos, etéreos, llenos de magia y fantasía, tarot y ciberseres; en ellos sí es posible atravesar la puerta de Tanhaüser y ver rayos zeta brillar en la oscuridad. Para la posteridad quedan El Garaje Hermético, El Incal y su protagonista John Difool y Arzach. Los mundos que imagina y que crea, su visión de mundos casi líquidos, la conexión entre el sueño y la vigilia, entre la ensoñación y la realidad deben mucho al autor, a Jodorowsky, y a los años que pasó leyendo solo ciencia-ficción, y también, que nadie lo refute , a la marihuana.

Las películas Alien, Star Wars, Willow, Little Nemo, El Quinto Elemento y Blade Runner también han contado con el concurso de Moebius o han visto recogida su influencia y sus películas.

Si hablamos de dos caras y de dualidad, podemos decir que ha pasado de western a la ciencia ficción, del cómic clásico al experimental, de un nombre a otro, de la soledad a la colaboración, de un universo a otro. Pero, si hiciéramos como las hormiguitas de este dibujo y empezáramos por cualquiera de ellos, ¿no llegaríamos al mismo punto partiéramos de donde partiéramos sin necesidad de abandonar la superficie?.

¡CON TODOS USTEDES… MORTADELO Y FILEMÓN!

2010-01-14T03:32:00.001-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 14 DE ENERO DE 2010)

Seguro que alguien comparte conmigo algún momento desternillante de risa con estos señores que ya superan los 50 años. Seguro que alguien se ha reído solo, como un verdadero loco, con alguna viñeta de estos superagentes. Seguro que hoy me olvido algo y que alguien, mayor seguidor y mayor conocedor de esta obra, me lo hará recordar. Seguro.

Pero, ¿de qué hablo?, ¿a quiénes menciono?. Sin duda, de los espías más conocidos de nuestro país, de Mortadelo y Filemón, Clever & Smart, o de Mort & Phil. Es decir de un tipo con dos pelos vestido con camisa blanca y pantalón rojo, y de otro calvo y con gafas vestido con frac negro, pero un verdadero mago de los disfraces.

Estos dos personajes nacieron en 1958 de la pluma y de la mano de Ibáñez, uno de los mayores exponentes de los tebeos españoles de los años 50, 60 y 70. Así que, ya talluditos y cumplidos los 50, Mortadelo y Filemón se han convertido en la serie más conocida de las historietas españolas, la más internacional y casi en un símbolo, el de una forma de trabajar ya casi extinta.

La historia de Ibáñez comenzó como la de muchos españoles en los años 50, buscando un trabajo estable en una entidad de solvencia, así que entró a trabajar como botones en el Banco Exterior de España, pero dejó este trabajo para dedicarse a la historieta por completo. A este creador se le deben una ingente cantidad de series y de personajes como La Familia Trapisonda, Pepe Gotera y Otilio, 13, Rúe del Percebe, Rompetechos, El Botones Sacarino…, pero es con Mortadelo y Filemón con quienes alcanza el éxito. Me gustaría añadir que no solo el éxito, sino la mayoría de edad como autor y su obra maestra, pero los excesivos altibajos de esta serie no permiten encumbrarlo de esta manera, es decir, como a uno de los grandes autores de cómic.

A pesar de su éxito, indudable, incuestionable, merecidísimo, Ibáñez podría haber sido algo más. Existe esa tragedia española de condenar lo propio al olvido y ensalzar lo foráneo, y con esta historietista y otros muchos de la Escuela Bruguera ha sucedido eso, que su tono satírico y paródico parecen haberlos relegado a un escalón inferior en la valoración de su obra. No siempre es ese complejo de inferioridad el que convierte a los autores españoles en autores menos reconocidos por la crítica, la forma de trabajar a destajo con varias series paralelas, varias publicaciones semanales, sin derechos de autor, sin firma, sin horarios, les impide desarrollar un potencial mayor. Un potencial que podría haber ensombrecido muchas de las reputaciones de las que gozan los autores belgas de series con corte humorístico. Raf, Vázquez, Escobar, Bernet o Ibáñez, en igualdad de condiciones, habrían estado a la altura de Morris, Uderzo, Goscinny y Hergé, pero eso es otra historia que deberá ser contada en otra ocasión. Ocasión que nunca existirá.

¡Bah!, dejemos las divagaciones. Mortadelo y Filemón, Agencia de Información, fue la serie que nació en 1958. Se trataba de una especie de parodia de Sherlock Holmes y Watson, en la que se desarrollaba una historia en solo una página, seis filas de viñetas, que, por necesidad, siempre acababa mal. Los críticos hablan de esta como de una etapa primitiva de la serie, y distinguen cuatro etapas. Yo, y perdónenme la inmodestia, hablo de tres etapas, la de las historias cortas, la de las historias largas con Bruguera y la vida después de Bruguera. A lo largo de esta primera etapa en la que se pasa de historias de una página a las de dos, hay también una evolución en los personajes y en las historias. Su aspecto, el gráfico, se va suavizando. Los rasgos de Filemón se vuelven más armoniosos, cambia la ropa que le acerca a Sherlock Holmes, aparece su característica pajarita y Mortadelo abandona el bombín y el paraguas con los que inició su andadura. Las historias, a pesar de contar con guiones aun muy famélicos, se desarrollan un poco más y dejan de contar con un argumento más propio de un sainete popular que de una naración madura. Advierto que el que esto cuenta ha hecho esta clasificación atendiendo a su experiencia como lector de Mortadelo y recuerda como en la colección Olé, las historias largas se complementaban con historias cortas que no encandilaban tanto como las otras y que se introducían como relleno. La verdad es que, hecho esto sin ningún tipo de aviso editorial, se convertía la lectura en un ejercicio especulatorio; uno no sabía si estaba leyendo historias de los mismos personajes o de otros, del mismo autor, o de la misma época. Con el transcurso del tiempo y el acceso a más canales de información, yo he descubierto la clave, pero estoy seguro de que una mejor edición habría dado un carácter de mayor calidad a la publicación, a la serie y habría contado con una mejor crítica. ¡Otra vez las divagaciones!.

En fin, que en 1969 se publica El Sulfato Atómico, la primera historia larga de Mortadelo y Filemón, y, junto con un puñado de las historias largas de estos personajes y 13, Rúe del Percebe, lo mejor de Ibáñez. Con este álbum se inaugura la mejor etapa de de los personajes, éxito de ventas, y abanderados de la editorial, que consiguen su propia revista en 1970. Para compaginar las historias de mayor longitud con las revistas de mayor frecuencia, Ibáñez recurre a crear capítulos de cuatro, seis u ocho páginas que se publican en la revista y que son autoconclusivos. En la acción de la historia se corresponden, por lo general, con lo ocurrido durante un día. La unión de varios de estos capítulos, de seis a doce, constituyen el álbum que se publica en Colección Olé. Y varios de estos Súper Olé conforman un libro de Magos del Humor o de Súper Humor. Es además de una época rentable, una época fecunda, en la que se suceden aciertos en la estructura narrativa de la serie, se abandona el humor saitinesco y aparecen parodias, bromas visuales, humor absurdo, enredos, juegos de palabras, humor negro, etc. El dibujo, puro Ibáñez, es el más cuidado. Y los personajes y los lugares comunes y recurrentes de la serie nacen en este época. Es obligado citar a la T.I.A., al superintendente Vicente, al profesor Saturnino Bacterio, a la secretaria Ofelia. ¿Quién no puede recordar el zapatófono, las entradas secretas, la máquina del cambiazo?.

Durante el periodo de 1969 a 1989, la situación en la vida española sufre un enorme cambio, también Mortadelo y Filemón. No sé si el agotamiento de las ideas, la saturación de trabajo u otras circunstancias son las culpables, pero es cierto que la calidad de la serie empieza a declinar a partir de 1979. Hay un hecho importante, de seis fila de viñetas en 1958, se pasa por las cinco de 1970 y a las cuatro en 1979 (El transformador metabólico) y, la cantidad de cosas que se cuenta en cada página disminuye considerablemente. Esto añadido a repeticiones de gags, de historias, a un menor cuidado del dibujo y del color y a la introducción de la actualidad más rabiosa en las historias hacen que la calidad, pero no el éxito, caiga de forma casi exponencial.

La salida de Bruguera no puede catalogarse como fácil. Un juicio y la pérdida de los derechos de autor protagonizan una etapa de baja calidad de las historias, a menudo realizadas por un equipo de la editorial Bruguera o de Ediciones B. La desaparición en 1996 de las revistas de publicación periódica significó, de manera paradójica, una recuperación de la calidad de Mortadelo y Filemón, que solo verían ya su publicación en formato álbum directamente. A mi juicio, nunca se recuperaría el espíritu del Mortadelo de Los Mercenarios, y la inclusión de historias muy cercanas a la actualidad, el intento de realizar sátira política y de sociedad, han sido los que han acabado de dar la puntilla a una idea que, por original y distinta al resto, triunfó. El agotamiento de una historia de más de 50 años, también ha provocado la sequía de ideas.

La relación de las historietas largas de estos personajes protagonizadas hasta la fecha es la siguiente:

Como todos tengo mis preferidas. Por supuesto, El Sulfato Atómico, la mejor, sin cavilaciones, a nivel artístico de todas las historias. Valiente por denunciar, en 1969, un régimen militar y sorprendente por la historia que narra. Luego están Pánico en el Zoo, Los Mercenarios, La Máquina del Cambiazo, La Caja de los Diez Cerrojos, El Brujo y Mundial 78. A todas ellas se une un criterio personal y alguno que otro sentimental, pero están unidas por un exponente común, son historias anteriores a 1980. Anteriores a la aparición en mi vida de otros cómics y de otros intereses, y, curiosamente, incluidas en la etapa clásica de la serie. Quizás no sea tanta casualidad, porque la aparición de estos cómics en el mercado español lo revolucionó y acabó con el monopolio de Bruguera y con la preeminencia de su estilo. Y, por ende, con el estatus intocable de Ibáñez.

Ver álbum completo

Para acabar, si esto no da para otro día, debo asegurar que me dejo muchas cosas por decir. Algunas las sé, otras no. Si alguien quiere escribir o comentar algo, bienvenido sea. Pero que conste una cosa, Harold Lloyd colgado de un reloj, Buster Keaton en un tornado y Mortadelo y Filemón en muchas ocasiones, han sido los causantes de mis mayores ataques de risa. A pesar de la crítica les tengo un inmenso cariño. A todos.

EL PRINCIPE VALIENTE

2010-01-07T07:15:00.001-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 7 DE ENERO DE 2010)

Hoy, un día más tarde de que hasta los republicanos se hayan sentido monárquicos (salvo mi amigo Ignacio), quiero continuar con esta tradición y hablaré de otra dinastía real, la de Valiente, el Príncipe.

Quizás este personaje y su autor pertenecen a una época muy lejana en cuanto a imagen e ideales a la nuestra, estamos hablando nada menos que de un gran clásico, pero es imprescindible hablar de él para conocer los orígenes del cómic actual. A nadie que quiera saber algo sobre cine se le ocurriría obviar a John Ford, a Murnau o a Lubitsch, así que espero que a nadie que se acerque al cómic decida dejar de lado a Foster, a Raymond, Caniff o a cualquiera de los que convirtieron las tiras cómicas de los periódicos en una forma de expresión con categoría de arte.

Harold Foster, el creador de Valiente y de Tarzán, era un canadiense que emigró a Estados Unidos en 1922. Allí se enroló en una agencia que había comprado los derechos de la novela Tarzán, que él adaptó en 1929 para dejar paso luego a otros dibujantes. Tras el crack del 29, la editorial cerró y tuvo que trabajar para un Syndicate y retomar Tarzán, cuya imagen e iconografía, junto al cine contribuyó a crear definitivamente. Como a muchos autores, este serial y este personaje le agobiaban un poco, por lo que empezó a perfilar un nuevo personaje, Valiente, que no cuajó en la editorial en la que trabajaba.

En 1937, y tras un cambio de editorial, nació para el público, Prince Valiant, traducida al español como El Príncipe Valiente, donde adjetivo y nombre propio se confunden. Esta serie ha tenido una vida muy extensa y estuvo exclusivamente en manos de Harold Foster hasta 1971. Desde ese año hasta 1980, colaboró en los guiones, después, y muy poco antes de su muerte abandonó para siempre a Valiant.

La serie de Valiente continúa hoy en día, pero son otros los personajes y otros los autores, y aun así mantiene su éxito en Estados Unidos, mas ya no es aquella obra maestra del principio.

La historia que se cuenta es la de Valiente, heredero del reino de Thule, instalado en la Inglaterra del Rey Arturo donde conoce a Lancelot, Gawain, Arturo y demás componentes de la leyenda artúrica. No solo desarrolla sus aventuras en la Inglaterra del siglo V, sino que viaja a otros continentes, conoce a su amada, Reina de las Islas Brumosas, y crece; a Val lo hemos conocido desde que era un niño, hasta la actualidad, un hombre curtido por el tiempo, los viajes y la aventura, padre de Arn, su continuador.

A pesar de ser un clásico, es posible encontrar muy buenas reediciones de este cómic en español. Buru Lan, Planeta, Bruguera, Lápiz de Papel, han realizado una gran labor recopilatoria de la que hablan maravillas los puristas de la serie, de la que cuentan que se ha recuperado hasta el color original, como si de un cuadro renacentista se tratara.

Las influencias de este dibujo realista, lleno de detalles y cuidadísimo, son muy ámplias. Ya en su época, otro gran clásico, como Alex Raymond/Flash Gordon, se vio influido por este tipo de dibujo y de ambientación, copiando hasta la forma de desarrollar los primeros planos y los cuadros de texto, a la manera del cine mudo. Frank Frazetta o Víctor Mora, con el Capitán Trueno, han sido otros dibujantes influidos por esta obra. En el cine ha habido al menos dos adaptaciones, y comics como Sigurd el vikingo o Haggarth, directamente beben de esta fuente.

Esta navidad no ha sido el príncipe sino mi reina quien me ha regalado la felicidad y la tranquilidad. Según Haruki Makurami “ El rey y sus súbditos se mondaron de risa ”.

FIN DE AÑO. NAVIDAD.

2009-12-10T03:14:00.000-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 10 DE DICIEMBRE DE 2009)

Hoy por cuestiones del calendario es el último jueves de 2009 en que hablaré de cómics en Radio Betis. Todavía no sé si en 2010 volveré a las ondas, estamos negociando el contrato, pero lo cierto es que en un mal año he encontrado este lugar en el que hablar de una de mis aficiones favoritas, los cómics, la historieta, la narración secuencial, o, simplemente, los tebeos. Además, para castigo de los oyentes y de los lectores, hablo en un medio que en momentos muy difíciles me ha ayudado a sentirme, al menos, distraído y escribo, o me ilusiono creyendo que lo hago, en un blog creado al efecto.

Si recapitulo lo hablado en estas semanas desde julio debo decir que de todos los que he hablado han sido autores que me gustan, que adoro. Fue en julio cuando mi andadura en las ondas se inició con el maestro Hergé y continuó con Hugo Pratt. Después vinieron Superman, Conan, Astérix, Disney, El Capitán Trueno, El Jabato, El Guerrero del Antifaz, Snoopy, Cutlas, Spirit, Milo Manara y algunos otros. Nos hemos acercado al cómic femenino e iraní, al cómic épico, al de humor, al de aventura, el de superhéroes, y al de terror. Y afortunadamente nos quedan géneros sin tratar.

Imaginemos que en 2010 continuara La Flecha Verde, ¿de qué hablaría?. Me quedan temas de los que he querido hablar, sobre todo de cómic hispano. Le debo una a Cuto, Mortadelo y Filemón, a Pepe Gotera y Otilio, Zipi y Zape, Anacleto, Sir Tim O´theo, Rompetechos, 13 Rue del Percebe. Me siento obligado a hablar de Zona 84, 1984, Cairo, Cimoc, Comix, El Víbora, El Jueves, Makinaja, Historias de la Puta Mili, Martínez el Facha,…. Y entre los que no son de aquí no quiero olvidar a Moebius, Milton Caniff, Al Capp, Alex Raymond, Oesterheld, Guido Crepax y Das Pastoras. O lo que es casi lo mismo, Flash Gordon, El Príncipe Valiente, El Ché, Lib´l Abner, Spiderman, Tarzán…..

Pero hoy es el último programa para mí del año, de la Flecha Verde, porque no sé si alguna vez me invitarán a una tertulia, asi que se me ocurre rememorar la Navidad en los cómics. En las historias americanas el protagonista es Santa Claus, aparece en historias de superhéroes en las que se mezclan la hiperrealidad del mundo mutante y de superpoderes con una mitología y una tradición mucho más antigua. Y es que el sentir generalizado es que la Navidad es de los niños. En España hemos sido más gamberros y el protagonista es el pavo, más bien cómo matar al pavo, no ha habido familia de la historieta española que se precie y que no haya tenido esta historia que quizás inagurara la Familia Ulises. Pero en las redes de la Navidad han caído el propio Capitán Trueno, el Jabato y el Guerrero del Antifaz. Con historias creadas para la ocasión, en las que los mensajes navideños transmitían buenos deseos, buenas intenciones y amor cristiano, ¡no podía ser menos!. Los mensajes de Mortadelo, Anacleto y la simpar tribu hispana de Bruguera eran más gamberros y tomaban la Navidad por su parte más festiva, la comilona, las uvas y el champán (con perdón porque esto es puro Mecano). Y Zipi y Zape que nunca se olvidaron de los Reyes Magos y de la deseada e inaccesible bicicleta. Y según el año Don Pantuflo repartía bien un vale por una parte de la bicicleta, un pedal o la misma bici.

En fin que la navidad, como ocurre en nuestras vidas, ha alterado el normal discurrir de la existencia de los personajes de historieta y los comportamientos normales, así que como buen flecha verde, voy a hacer una petición a los colaboradores de este programa:

A Carmen, fiel seguidora de tebeos y conocedora de la ópera, que un día, cualquier día, nos ponga un aria que me encanta, Nessun dorma. Es un aria del acto final de la ópera Turandot de Giacomo Puccini, cuyo título se traduce del italiano como Nadie duerma. Y que explique qué significa.
A María, deportista extrema, que un día se vaya a lo común y nos hable de las carreras populares como la media maratón Sevilla-Los Palacios.
A Paco Pineda que nos dé un remedio para tener la alegría y fuerza que él tiene
A Borja que nos asesore para ser justos y ser tratados justamente.
A Pablo que nos hable sobre Juan Salvador Gaviota. Con su voz argentina hará muy bien el papel de narrador de cualquier historia.
A Estefanía que nos hable sobre su estupendo trabajo sobre Batman.
A David que nos hable sobre Walt Whitman o Pablo Neruda. Por favor.
Y a Carlos, Carloco Cuentacuentos, que nos cuente dos cuentos clásicos, El Gigante Egoísta de Oscar Wilde y El Capote de Nicolai Gogol. Y que ese proyecto sobre Disney lo acabemos.

Para terminar quiero recomendar a aquellos oyentes que deseen agradar en esta navidades que pidan a los Reyes libros, ya sean de cómics, ya sean novelas, ya sean ensayos. Hay que leer. De las imágenes navideñas que recuerdo con mayor placer están los Super Humor o las Famosas Noveles que mi hermano y yo coleccionábamos y que cuando caían en Navidad o en Reyes, se convertían en algo extraordinario.

Gracias por leer esto

¿HE PERDIDO A MILO MANARA?

2009-12-02T03:05:00.001-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 3 DE DICIEMBRE DE 2009)

Hace unos diez o doce años, con una situación económica todavía muy de estudiante y muy de becario, es decir, muy precaria, algun editor medio loco se decidió a publicar las obras completas de Maurillo Manara, conocido por todos por Milo Manara. Este que escribe, como buen adicto al atesoramiento y el coleccionismo, y a pesar del gran esfuerzo, se apuntó a la adquisición semanal hasta que el quiosco donde las compraba cerró de la noche a la mañana sin ninguna advertencia. A través del cristal del kiosco podía ver los ejemplares que tenía reservados y no pude recoger, por falta de dinero, todo hay que decirlo. El caso es que estuve a punto de asaltar aquel local y recoger los números atrasados, pero no lo hice. Y ahí estuvo la primera pérdida de Milo Manara.

Para quién no lo conozca, debería introducirle sobre quién es Milo Manara. Más que su biografía interesa conocer la obra de uno de los grandes dibujantes italianos, famoso por dibujar las mujeres más eróticas (lúbricas las llaman algunos) del cómic. Pero quedarnos solo en la imagen de un autor erótico es relegar a Manara a la calidad de especialista sin iniciativa. Segun sus propias declaraciones sobre el erotismo y la aventura: "La aventura como ética, como cultura, como modo de vivir. La aventura no es seguir pasivamente los acontecimientos. La aventura es autodeterminación", "El sexo es un componente determinante de la cultura. Cuando vives plenamente tu sexualidad, rompes con el embrutecimiento social. Y cuando dibujo escenas eróticas no es gratuito. Creo que éso expresa una de las dimensiones esenciales en el hombre y que es uno de los objetivos de la aventura".

Y es que los intelectuales italianos de los años 70, muy influidos por ideas de ruptura y de lucha contra el sistema, el comunismo el maoísmo, las ideas del mayo del 68, consideraban en un todo la lucha política, la lucha social y la liberación sexual. Y no es de extrañar, porque la sociedad italiana, aunque laica y democrática, a priori, desde los años 40, estuvo muy marcada por las doctrina y moral católica y vaticana. Y la aventura, al menos la ficticia, y el sexo, representado y practicado, constituían una forma de evasión contestataria a las normas oficiales.

Manara, nacido en Bolzano, cerca de Austria y localidad conocida para los estudiantes de matemáticas por dar nombre a un teorema, aunque quien lo enunció, Bernard Bolzano era praguense, descubrió de niño un talento natural para el dibujo y la ilustración, por lo que en un principio intenta dedicarse a la pintura, pero no consigue vivir de ello y empieza a trabajar en una fábrica de juguetes y como ayudante del escultor español Berrocal que vivía en Verona. Después estudió arquitectura en la Universidad de Venecia y entra en contacto con organizaciones maoístas y con movimientos culturales, formando parte de un grupo artístico.

Toda esta formación e influencias son importantes para conocer la dimensión artística, intelectual y contestataria que Milo Manara imprime en sus cómics. Porque Milo Manara no comienza a prestarles importancia hasta los 23 años, cuando descubre Barbarella y el cómic adulto. A partir de ese momento, Manara encuentra en los cómics una forma de ganarse la vida y de explotar su vocación artística. Sus primeros años como dibujante de cómics los pasa realizando series menores sobre temas policiacos y de temática pseudoerótica.

"El Rey Mono", supone su primera gran obra, para muchos una obra maestra, en colaboración con el guionista Silverio Pisu. Esta obra está basada en una obra fantástica china del siglo XVI, y cuenta la historia de un humanoide, rey de un pueblo de simios que ha conquistado la inmortalidad y que renuncia al lugar que le corresponde en el cielo para volver con su pueblo. El Rey Mono personifica el espíritu revolucionario y el coraje de renunciar al aburguesamiento para poder ser libre. Desde un punto de vista estético, la obra es una maravilla, porque conjuga el fino dibujo oriental en el que se basa Manara con su propia personlidad y su carácter. Aunque haya quien prefiera las versiones chinas ilustradas, diciendo que la obra de comic es mucho más sucia que las ilustraciones en las que, según ellos, se basa. Error de bulto, porque, y por esto es una gran obra, Manara no se limita a copiar y narrar la novela original y a realizar calcos de los ilustraciones, sino que traduce la novela a la historieta y aporta elementos originales y distintos a los de las ilustraciones,desde la composición, el diálogo y la acción.

Es a partir de este momento cuando se inicia la verdadera carrera de Manara como dibujante de cómics de calidad. Su dibujo meticuloso y muy limpio, su sentido del espacio y del detalle, lo convierten en el dibujante ideal para realizar obras de corte histórico, colabora con Larousse para realizar una historia en cómics de Francia y en Italia realiza una serie sobre personajes famosos de la historia Atila, Custer, Nobel o Helena de Troya.

Hasta 1977 todas las historias de Manara cuentan con un guión que no es propio, hasta que nace HP. HP es el nombre del aventurero que crea Manara para que se convierta en él mismo y pueda vivir las aventuras que él no vive. Como homenaje a otro gran aventurero al que admira, Hugo Pratt, el creador de Corto Maltés, le da su nombre. A la primera obra, HP et Giusseppe Bergman, seguirán, Un Autor en Busca de Seis Personajes y Dies Irae (Las Aventuras Africanas de Giusseppe Bergman 1 y 2) y, más tarde (1989) Tal Vez Soñar (Las Aventuras Orientales de Giusseppe Bergman).

Este mundo de la aventura y el erótismo lo convierten en un personaje consgarado del cómic de autor. La publicación en 1983 de El Click le da además del reconocimiento de la crítica, fama, popularidad y dinero. Tanto que el título se ha explotado en una serie que llega, de momento, hasta El Click 4. El Perfume de lo Invisible, constituye su otro gran éxito dentro de la modalidad de cómic erótico, a las que hay que añadir obras como Gulliveriana, Kamasutra, El Arte del Azote, que explora terrenos sensuales desde el sadomaso más ligero hasta la tansversión sexuada del clásico de Jonathan Swift.

Manara goza de una muy buena reputación, tanta que ha sido el escogido por Fellini y Almodóvar para ilustrar y plasmar sus guiones. Fruto de esta colaboración está Viaje a Tulum, con guión de Fellini, una obra maravillosa, que refleja de una forma exactísima cómo es la ciudad sagrada de Tulum, algo que, gracias a mi mujer, pude vivir en 2002.

Sus mejores colaboraciones vienen de la mano de Hugo Pratt. Sus dos álbumes juntos, El Gaucho y Verano Indio, un episodio de la colonización de Nueva Inglaterra, son sin duda, obras maestras. En ellas se unen la poesía de Pratt y el dibujo atormentado de Manara. Y ambas impactaron a Europa.

La razón de por qué es Milo Manara un genio, no radica, como ya he comentado antes, en la impactante forma en la que dibuja a las mujeres y en el cómic erótico. Su formación como ilustrador, arquitecto, ayudante de escultor, le proporcionan un punto superior al de otroso dibujantes de cómics. Es heredero de una escuela italiana en la que sobresale la calidad artística del dibujo y es un gran dibujante que ha sabido trabajar con los mejores guionistas y elaborar sus propios guiones. La representación de la figura y del rostro humanos en Manara son dignos de estudio, porque parece imposible que con tan pocos trazos sus personajes puedan expresar tal variedad de emociones. De su formación como arquitecto, o de su pasión por la arquitectura, debe venir la complejidad con la que representa ciudades, edificios y escenarios. Un ejemplo de esto, es la viñeta en la que dos caballeros templarios luchan ante un impresionante escenario, una gran torre almenada. En el rostro de los caballeros se adivinan a vez el miedo y el esfuerzo. El escenario cobra un matiz onírico, por otra parte presente en toda la obra de Manara, cuando anochece. Lástima no poder enseñarla en este blog.

La segunda pérdida de Manara fue hace poco. Presté a varios amigos, sucesivamente, los pocos cuadernillos, unos cinco o seis, y de regular calidad, blanco y negro y formato estandarizado de A4, que había conseguido de aquella colección. La vida nos lleva a diversos momentos en los que no prestamos atención a estas cosas, así que olvidé el préstamo hasta que intenté ordenar mi colección de cómics. Sé que Manara no está entre mis cosas, quien me conozca sabe que cuando busco algo lo hago de veras, así que recurrí a la lista de amigos para que me orientaran sobre quién tenía mis cómics. La verdad es que todos aseguran habérmelos devuelto, y recuerdan vagamente que se los dejara. Sé que están equivocados y en su pecado llevo yo mi penitencia por haberles dejado estos cómics a quienes no aprecian haber leido HP o Gulliveriana. No creo que estos ejemplares vuelvan, pero confío en que esto no signifique una pérdida y un olvido mayor de Milo Manara, el Grande.

Obras de Milo Manara:

Genius (1968).
Jolanda de Almaviva (1972), guión de Francesco Rubino.
La parola alla giuria (1975).
El rey mono (1976), adaptación de la célebre fábula china. Guión de Silverio Pisu.
HP y Giuseppe Bergman (1978), inicio de una serie en la que reflexiona sobre el sentido de la aventura en el mundo moderno.
El descubrimiento del mundo (1979), guión de Jean Ollivier y Pierre Castex.
El monje del Tíbet (1979), guión de Alfredo Castelli.
Dies Irae: Las aventuras africanas de Giuseppe Bergman (1980).
Hombre de papel (1981).
Click! (1983), su obra más famosa.
Glamour Book (1984).
La apariencia engaña (1984).
El perfume del invisible (1985).
Diario de Sandra F. (1985).
Verano indio (1986), melodrama histórico con guión de Hugo Pratt.
Cámara indiscreta (1988).
Foemina (1988).
Rosa Shocking (1988).
Tal vez soñar...: Las aventuras orientales de Giuseppe Bergman (1989).
1789. La Rivoluzione Francese (1989).
Viaje a Tulum (1990), que adapta un guión inédito de Federico Fellini.
Click 2 (1991).
El gaucho (1991), con guión de Hugo Pratt.
El sueño de Oengus (1991), guión de Giordano Berti.
El viaje de G. Mastorna, llamado Fernet (1992), guión de Federico Fellini.
El Juego (1992).
Milomanara (1992).
Click 3 (1994).
El perfume del invisible 2: Desnuda por la ciudad (1995).
Gulliveriana (1996).
Cita fatal (1997).
Kamasutra (1997).
Lettere di una Monaca Portoghese (1997).
Camino oculto: Las aventuras urbanas de Giuseppe Bergman (1998).
Afrodita (1998), guión de Pierre Louÿs.
WWW (1998).
Revoir les etoiles (1998).
La metamorfosis de Lucius (1999).
Legambiente (1999).
Bolero (2000).
Revolución (2000).
Click 4 (2001).
Manara Memory (2001).
Sensualitars: La modèle (2001).
Piranèse: El planeta prisión (2002).
Creature di Sogno (2003).
Los Borgia (2005), guión de Alejandro Jodorowsky.
City Hunters (2006), creada por Gastón Gorali y Alberto Stagnaro.
Quarantasei (2007)
X-Men: Ragazze in fuga (2009)con guión de Chris Claremont

Para saber más:

http://www.milomanara.com/

http://es.wikipedia.org/wiki/Milo_Manara

LAS MUJERES Y EL CÓMIC.

2009-11-25T03:37:00.001-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 26 DE NOVIEMBRE DE 2009)

Ante todo no me tilden ustedes de machista, la intención de hablar de las mujeres y el cómic no pretende ser una enumeración de caracteres femeninos que aparecen por las viñetas, sino que se trata de que el día que escribo esto es 25 de noviembre, un día en el que se recuerda que todavía hoy existe una violencia y una cultura machistas contra las que se lucha y no se acaba.

Rastreando la red en busca de más documentación he entrado dos variantes fundamentales en el tratamiento de la entrada "Mujeres en el cómic", se trata de análisis feministas del papel de las mujeres en el mundo de la historeta y, por otro lado, el "análisis" masculino de los personajes que aparecen en los cómics. Es decir, cuál de las heroínas "está más o menos buena".

Son ya muchas las comillas empleadas desde el inicio de esta entrada, son a posta, quiero ser muy cuidadoso con esta materia y no caer en expresiones que se puedan malinterpretar.

Es obvio que el cómic es, ante todo, un lenguaje visual y que en él aparecen dibujados personajes que cuentan con un físico esplendoroso. Lo curioso es que en la mayoría de los cómics que nos pueden venir a la imaginación, y suelen ser los de superhéroes, los hombres cuentan con una musculatura espectacular y las mujeres se dibujan resaltando sus atributos femeninos y con una ropa que los resalta.

La imagen de otros cómics es mucho más ñoña, así, en muchos cómics, las mujeres son esos seres indefensos a los que hay que proteger y cuidar porque son incapaces de valerse por sí mismos. Son seres asexuados válidos únicamente como madres o hermanas. O peor, son las malísimas, las villanas, las devoradoras de hombres, las que muestran una sexualidad mucho más marcada.

Sin embargo, realizar un análisis únicamente de las mujeres en los cómics centrándonos en el cómic de superhéroes, resulta muy parcial. Desde el inicio de la historieta ha habido mujeres en los cómics y su papel y tratamiento ha variado en función de las épocas y los distintos logros de la mujer en la sociedad. Voy a hablar tan solo de ciertos momentos que quiero destacar.

La mujer de los cómics americanos de los años 30 es dependiente del héroe, pero independiente económica, social y laboralmente. Las heroínas de Terry y los Piratas, Superman, Flash Gordon o Tarzan, luchan, actúan, tienen su vida propia, eso sí, en torno al héroe. No dejan de ser un reflejo del adelanto de la sociedad americana de los años 30, mucho más avanzada en determinados aspectos que la europea, y en la que la mujer se había incorporado al trabajo y mantenía cierta independencia, aunque sin auparse a los puestos altos de la sociedad.

En las historietas españolas ese papel de la mujer se ha perdido, y es frecuente que la mujer sea ama de casa, Las Familias Ulises, Cebolleta y Trapisonda, Zipi y Zape, o bien trabaje pero como secretaria, Anacleto o Mortadelo y Filemón. Se trata también del reflejo de una sociedad que consagra con leyes el sometimiento femenino al hombre. Casos aparte los de una literatura en historietas destinada a niñas, en las que los temas no van más allá de cómo casarse bien y ser una perfecta esposa. Lily, Sissy, Azucena, Mis Chicas, Florita, Mary Noticias, forman parte de esa cultura que decía que las mujeres no podían sino interpretar lo que los hombres le daban hecho. Saliéndose de ese papel estuvieron Doña Tula, Doña Urraca y Sigrid, las dos primeras porque mostraban a una mujer distinta, endurecida y encallecida por la guerra y la posguerra, resabiada y dura con el hombre, por lo que tuvieron problemas con la censura. Una mujer no podía pegar a un hombre, ¡hasta ahí podíamos llegar!. Sigrid representa otra mujer, dotada de gran belleza e independiente, sus problemas con la censuara vinieron por otro lado, por la política y el amancebamiento.

La progresiva independencia de la mujer, sí independencia porque no estaban sino maniatadas, hizo que ellas mismas se descubrieran dueñas de su cuerpo y su sexualidad. Esto da lugar a que, a finales de los años 60, y durante todos los 70, tanto en el cine como en los cómics, la representación de desnudos y relaciones sexuales tuviera connotaciones intelectuales y de libertad, no solo sexual. Es la época de Vampirella, Barbarella, Milo Manara, Guido Crepax, etc...

Esto conllevó que con el tiempo y desvirtuado el sentido anterior, surgiera un cómic en el que la mujer dejó de ser protagonista y se convirtiera solo en objeto sexual, con tintes pornográficos. (Kiss Cómix, Penthouse Cómics y diversas publicaciones de tintes estrictamente onanistas).

Pero las mujeres no solo mantienen una relación meramente de personaje en el cómic sino que son autoras y lectoras. Como lectoras han sido el sector más maltratado de entre todos a los que van dirigidos los cómics. No porque sea necesario el que haya publicaciones específicas para ellas, sino porque los autores, casi nunca han considerado que la mujer lea lo que realizan y han cercenado, por omisión, más o menos la mitad del mundo que habitamos.

En cuanto a las autoras es debido destacar que Maitena y Marjane Satrapí no son las únicas. La esposa de Frank Miller, Lynn Varley, aparece en los créditos de 300, estoy seguro de que no es por una razón de condescendencia, sino porque su contribucioón al color en esa obra es fundamental. Ese papel, el de entintadora o de colorista, ha sido tradicionalmente que la industria dejaba en manos de mujeres o de niños, porque consideraba que sus manos más pequeñas podían dar más precisión al trabajo. El problema es que nunca se han reconocido sus méritos.

Esto está cambiando y podemos nombrar a un buen puñado de mujeres:

Claire Bretécher, francesa genial, muy valorada por los críticos, cuyas viñetas y álbumes nos parecen muy originales y divertidos, Bretécher es la inspiradora de Maitena, la autora argentina actual más popular.
Mary Fleener, feminista norteamericana de los años setenta, considerada una pionera del cómic femenino y feminista.
Jessica Abel, muy moderna tanto por su dibujo como por el mundo que recrea.
Julie Doucet, canadiense responsable de historietas autobiográficas valientes y sin maquillajes.
Cathy Guisewite, norteamericana que retrata con genialidad el mundo actual y las difícil comunicación con el llamado "sexo fuerte".
Lynn Jonston, canadiense, autora de historietas inspiradas en su propia vida de madre de familia.
Phoebe Gloekner, norteamericana, autora autobiográfica muy destacada por la crítica.
Debbie Drechsler, también estadounidense que denuncia en sus álbumes los abusos sexuales que sufrió en su infancia.
Marjane Satrapi responsable de un cómic muy personal, autobiográfico, en el que narra su infancia en el mundo cambiante de su país tras la caída del Sha.
Maitena.

Valga esto para terminar y confirmar que en este mundo no tienen cabida las separaciones y las discriminaciones, aunque nos movamos en un mundo tan masculinizado.

Para saber más (esta vez sin wikipedia):

http://portal.uam.es/portal/page/portal/UAM_ORGANIZATIVO/OrganosGobierno/VicerrectoradoInfraestructuraProm/Institutomujer/novedades/encuentros/Dossier%20y%20detalles%20t%E9cnicos%20Mujeres%20creadoras%20en%20el%20mund.pdf

http://www.entretodas.net/categoria/comic/

http://kemosabidrawing.googlepages.com/lasmujeresyelcomic

http://www.guiadelcomic.com/comics/mujeres_alteradas.htm

http://www.kobaltronics.com/arigata/ver.php?id_diario=23

EL X ENCUENTRO DEL CÓMIC Y LA ILUSTRACIÓN DE SEVILLA

2009-11-25T03:36:00.000-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 26 DE NOVIEMBRE DE 2009)

Se ha celebrado este pasado fin de seman el X encuentro del Comic y la Ilustración de Sevilla. La verdad es que es gratificante saber que uno no esta solo en el amor por el cómic y la historieta y felicito a los que mantienen viva la llama en esta ciudad.

Aunque las actividades se desarrollan en varios escenarios, cabe destacar las jornadas ubicadas en el Casino de la Exposición. Además de este sede, las librerías de la FNAC, Nostromo y Card & Magic desarrollan un apartadobre los cómics de la muestra. Algunos bares de esta, nuestra ciudad, valga la paráfrasis, desarrollan muestras sobre el beso en el cómic. Y la Casa de la Provincia presenta una exposición de Sonia Pulido hasta enero de 2010. Para esas fechas se prevé un concierto en al Lope de Vega sobre Viñetas y Música.

Se debe destacar el I Premio Internacional de Novela Gráfica Dibujando Entre Culturas para Jordi Bayarri por Las Extraordinarias Aventuras de Nicholas Champion y Mordechai Feingold. El Manuscrito Perdido de Darwin.

Yo fui partícipe de esta jornadas el viernes y el domingo, impresionado por el despliegue y el esfuerzo, pero menos por la oferta. Tan ajustada a la crísis, ya no económica sino creativa. Una excepción, Enki Bilal y Tránsito, su proyecto sobre rostros tomados en aeropuertos de los que imagina una historia es todo un acierto, su montaje cúbico y bilingüe, como recibimiento a los asistentes todo una declaración de intenciones.

http://www.encuentrocomicilustracionsevilla.com/

AIRE FRESCO. WATCHMEN.

2009-11-16T04:55:00.000-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 19 DE NOVIEMBRE DE 2009)

A menudo nos encontamos con obras crepusculares de un género artístico ya agotado que han sido concebidas para cerrar ese capítulo y, sin quererlo, se convierten en la obra de referencia. Es posible que en la obra se encuentren todos los tópicos por los que se distingue a ese determinado género, pero que se trate de obras excepcionales. ¿Qué son si no "El jinete pálido", "Espartaco" o "Ran"? Con Watchmen ocurre esto. De repente, una obra publicada en un periodo de estancamiento de los superhéroes consigue alterar los fundamentos del género, fundir todos los tópicos y convertirse en una obra, ya no excepcional, sino maestra. Entre las obras fundamentales del noveno arte; entre las diez primeras, sin aclarar el puesto porque dependerá de muchos gustos personales.

¿Por qué afirmo esto? Es, desde luego, una afirmación arriesgada. Ha de tenerse en cuenta que quien lo dice no puede acreditar por el cómic nada más que una gran afición y que lo que sabe o de lo que habla lo hace por conocimiento empírico obtenido a base de leer todo lo posible. Ninguna formación reglada al respecto. Pero sé que no equivoco, porque cada nueva lectura de Watchmen proporciona una mayor profundidad a la obra y porque es necesario prestar este libro para que, al devolvernóslo, sepamos si quien dice haberlo leído, lo ha hecho, y si lo ha hecho, si lo ha leído bien, y si lo ha comprendido.

Watchmen debe leerse. Sé que muchos lectores dicen preferir el cómic europeo, más cercano y más humanizado, y que, por eso, los superhéroes deben quedar para los niños. Se equivocan porque esta historia no es el cómic marvel o dc al uso. Se trata de algo más.

En España se reedita ahora como libro, y tiene la apariencia de una novela gráfica, más las primeras publicaciones de Watchmen son las de una serie limitada de 12 episodios. Así que esta obra que se considera una de las obras cumbres del cómic y de la novela gráfica, no se puede considerar una obra concebida solo como una novela sino como una serie, pero tampoco como una serie corriente, sino una serie cerrada, cíclica, recurrente y con un sentido único determinado desde el propio momento de su concepción. Algo así como lo que ocurrió con los primeros LP´s conceptuales de Sargeant´s Pepper de The Beatles y Pet Sounds de The Beach Boys.

Pero no es esto que hace de Watchmen un referente. Imagine todas las familias de superhéroes posibles, sus coaliciones, sus apariciones en otras series, sus enemigos, la evolución de su personalidad; imagine, además, una profundidad humana detrás de cada uno de estos personajes; y, por si fuera poco, imagine que ese clima de crísis permanente, miedo nuclear, miedo a la guerra, hubiera existido sin el Watergate y que Richard Nixon fuera el presidente de los EE.UU. La verdad es que ese cóctel en mis manos podría no llevar a nada, pero entre Alan Moore y Dave Gibbons completaron esta obra maestra.

Hablo de las distintas especies de superhéroes, porque desde los años 30 a los 80, aparecieron superhéroes que eran hombres enmascarados, otros que tenían superpoderes por sufrir mutaciones, otros que tenían cierto poder mítico o mitológico, otros que eran simples soldados, ... todas esa familias están aquí y su unión no chirría.

La depresión, la crísis de identidad de los personajes, la sensación de fracaso, las cuestiones interiores de cada uno de los superhéroes, que habían sido esbozadas en otras series. Personajes como los X-men, Spiderman, Batman, presentaban cierta lucha interior, no exenta de una dósis de "psicología barata". Aquí el diálogo interior es más profundo, hay personajes que sienten que han fracasado en su vida post-superhéroe, a los que llevar una existencia más anodina les resta el sentido de su vida, otros que ienten que se deben a un destino superior o que tienen que preservar los valores de una sociedad que ya ha desaparecido, y otros que, desde su condición de superhéroes, miran al resto de los humanos como simples espectadores.

La lucha entre el bien y el mal, tan maniquea en los cómics americanos, tan centrada en el equilibrio entre superhéroe y supervillano, al fin al cabo, tan infantil, deja de serlo. A la lucha interior de los personajes se unen las bajas pasiones, el sexo, el dinero, la locura, la pasión por hacer mal,... Los superhéroes se hacen adultos.

Hace poco se llevó al cine, Alan Moore, sin ni siquiera verla, renegó de la cinta. ¿Por qué? Watchmen fue concebida como una obra coral, en cuanto a personajes, y en cuanto a la técnica. Están planificadas viñetas, diálogos, textos insertos, obras que aparecen (cómic dentro del cómic), simetrías, autoreferencias, .... El autor entiende que eso no es posible plasmarlo en una película. Todos los efectos especiales del mundo valieron para contentar al dibujante Dave Gibbons, pero para nada más. Quizás Pixar, con Los Increíbles, captara un poco más el sentido de la vida humana de los superhéroes, aunque en una versión edulcorada y muy levemente basad en la idea de la pérdida de la identidad de superhéroe.

Para acabar, un consejo, hay que leer Watchmen, varias veces. Cada vez que se lee, se descubren nuevas cosas, tanto en el dibujo como en la historia. Es como cualquier obra maestra imprescindible. Como cualquier obra de arte, prescindible. Porque nuestra supervivencia no depende de leerla o no, pero sí que aportará a nuestra vida un rato de disfrute o de desazón, y quizás un matiz nuevo con el que vivirla.

Watchmen: ¿quis custodiet ipsos custodes?

RECAPITULAMOS. DUDAS SUELTAS.

2009-11-16T04:54:00.000-08:00

CREEPY.

2009-11-03T02:12:00.000-08:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 3 DE NOVIEMBRE DE 2009)
Hace muy poco, por mi cumpleaños, un amigo me regaló un libro de cómics, que es la adaptación de tres relatos de Edgar Allan Poe. Se trata de El Gato Negro, El Barril de Amontillado y Manuscrito en una Botella. Aparte de estar agradecido con este regalo, me recordó que durante una gran época de mi vida el cómic de terror fue mi género favorito. En gran parte porque se trataba de un género adulto que podía escapar a la posible censura paterna.
El aluvión de terror que nos ha invadido estos días con Halloween para hablar de varias revistas que constituyeron el núcleo de terror en España. Me refiero a Creepy, Rufus, Vampus, Vampirella y Dossier Negro. Aprovecho esta ocasión, de forma oportunista, porque buscando viejas revistas de cómic que guardo, redescubrí un genio que casi había olvidado, se trata de Berni Wrightson.

Creepy (espeluznante) era el nombre de la revista, pero también el del personaje,medio cadáver, medio zombie, que aparecía en la portada y que, a modo de anfitrión, nos iba introduciendo en las ditintas historias. Áquí en españa se le conocía como el tío Rufus o el tío Creepy, y resultaba más simpático que aterrador.
Durante aquella época consiguió lo que solo consiguen los genios, hacerme creer que fuera de su obra, no había nada interesante, ni nada digno de ser leído. Sus obras, muchas de ellas, adaptaciones de obras de E. A. Poe, de H. P. Lovecraft, y, posteriormente, de Stephen King, o tomando argumentos de obras de serie B del cine de terror, eran impactantes por un guión muy elaborado para historias cortas, por una atmósfera y una ambientación sobrecogedoras y por un dibujo muy limpio, de línea clara, que contrastaba con unas historias oscuras.
Toda esta fascinación por el terror comenzó en el cine. Los años 50 dieron a Roger Corman y a su productora, American Internacional Pictures, la oportunidad de crear un subgénero que escapaba al código Hays. Junto con la productora británica Hammer, y las películas de El Cuervo, La Muerte de la Máscara Roja, El Péndulo, consiguieron impactar a una generación. En el mudo de el cómic tuvieron su espejo en la editorial Warren, que empezó a producir pequeñas historias autoconclusivas de 4 ó 5 páginas para ser la historia final de cuadernillos de superhéroes o de historias de guerra de la Marvel. Este formato tuvo mucho éxito y a mediados de los años 60, la Warren inició la publicación de Creepy, que se mantuvo hasta mediados de los años 80.
Los artistas de la Warren se especializaron en el género fantástico y terrorífico. Muchos de los mitos vampíricos, de hombres-lobo, de fantasmas, se iniciaron aquí. Bebieron de las fuentes terroríficas del cine desde los años 40 y de la novela gótica, y pronto derivaron a historias en las que se introducían las grandes preocupaciones de aquella época, los ovnis, los extraterrestres, la era atómica, la hecatombe nuclear. Poco a poco este género se fue transformando y series como Vampirella, permitieron mostrar matices más sensuales, con heroínas con vestidos muy sugerentes, vampiresas con una sexualidad muy marcada, etc., Esto convirtió al cómic de terror en un género más adulto, y también se trasladó al cine, donde ya no solo aparecía la virginal víctima sino en la que de forma muy forzada, al igual que en los cómics, se mostraban desnudos sin venir a cuento.
Llegó un momento en la que con artistas americanos no era posible para la Warren seguir el ritmo de publicaciones mensuales, como Creepy, Eerie y Vampirella, e historias semanales para otros comic-books. Fue el desembarco de los españoles. El editor Joseph Toutain viajó a Estados Unidos para vender y promocionar a los artistas de su agencia Selecciones Ilustradas, el responsable de la Warren lo conoció en New York y se sorprendió de la buena calidad de los trabajos que se les mostraban y el precio tan increíblemente barato del mercado americano.
Los efectos fueron curiosos. Se produjo una españolización de Creepy, y Vampirella se convirtió en un producto español hecho en EE.UU., fruto casi exclusivo de José Ortiz y de Esteban Maroto. Tanto que los americanos escribían a la dirección de Creepy protestando porque Creepy era demasiado español. Por otro lado, Toutain, tras unos años de consolidación de autores españoles, inició la publicación de la Creepy española en 1.979 y fue muy criticada por la gran dependencia de material salido de la Warren y de su americanización. Sin embargo, para muchos autores españoles casi desconocidos aquí, la publicación de estas revistas supuso que se les conociera en España, adonde llegaban ya con la pátina de triunfadores por llegar de USA y que tuvieran cierto reconocimiento editorial.
La Creepy española se vendía como la primera revista de género de terror española. Aunque esto no era cierto del todo, Vampus, Rufus, Vampirella y Dossier Negro eran anteriores, aunque eran meras traducciones y reimpresiones de las revistas americanas. Y además, mucho antes, en los años 50, Inspector Dan había introducido el género de terror en la historieta española. Lo que ocurría es que Toutain sí introdujo material inédito en USA, y creado ex profeso para esta revista. Mezclaba el material de la Warren, con autores noveles y con clásicos, lo que, ya sí de verdad, la convirtió en la primera revista española, en el escalafón, no en el tiempo.
Indistintamente de la edición americana o española, aparecieron autores como el ya mencionado Berni Wrightson, del que destacaría “Feria de Monstruos”, muy influida por la película “Freaks” de Tod Browning; Richard Corben con historias en las que se mezclan el género fantástico, el terror y el suspense con su particular estética; ver por ejemplo “La Caída de la Casa Usher”; José Mª Beá, Beroy,…
Un recuerdo propio unido a estos cómics. Una de las historias que más me impactó en mi infancia fue “Cuadro Completo” de Bruce Jones. Apareció en Dossier Negro y yo lo leí incompleto, porque le faltaba la contraportada. Durante varios años estuve sin conocer el final, hasta que en 1.984 lo encontré en un kiosco. Pude leer su final y nunca sabré si hubiera sido mejor no haberlo leído e imaginarlo durante toda la vida.

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Creepy

http://es.wikipedia.org/wiki/Vampirella

http://es.wikipedia.org/wiki/Berni_Wrightson

http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Corben

http://www.telefonica.net/web2/fantagore/index.html

EL CAPITÁN TRUENO

2009-10-25T11:55:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 27 DE OCTUBRE DE 2009)

El prolífico, y esencial, en la historia de la historieta española, Víctor Mora, aseguraba que siempre había soñado con dibujar las aventuras de un caballero andante, y así nació, de su pluma y de la mano del dibujante Ambrós, el caballero Capitán Trueno, prototipo del héroe quijotesco que lucha con idealismo por la justicia, la libertad, la paz y la fraternidad.

Fue el primer tebeo español en convertirse en un fenómeno de masas. Aunque la Editorial Bruguera no contaba con una serie de aventuras de éxito similar al Guerrero del Antifaz y a Roberto Alcázar y Pedrín desde la aparición de El Capitán Trueno en 1956 por el guionista Victor Mora y el dibujante Ambrós, se eclipsaron estas publicaciones y Trueno copó el mercado del tebeo juvenil. A diferencia de otras obras del genero de pirats y corasarios y en su favor estaban por un lado el dibujo, la ambientación, la diversión, los escenarios y el vistoso contexto histórico en el que se desarrollan y por otro, en el del guión, unas historias en las que el protagonista viaja por todo el mundo luchando r unos onjetivos universales de justicia y libertad. En su primera época, 1956-1968, la serie llegó a ser la historieta más popular y difundida de España. Fuera de España, el Capitán Trueno se publicó en diversos países de Hispanoamérica y en Europa, llegando a ser publicado en Portugal, Francia, Alemania y Grecia, siendo en estos dos últimos países donde mayor popularidad alcanzó.

Como casi todo lo español que constituye un éxito su trayectoria editorial ha seguido un complejo camino de reediciones y reimpresiones, no siempre con más calidad o fieles a los originales. Es muy difícil eguir el rastro a todo lo publicado, oficial o apócrifo de El Capitán Trueno, aunque los mejores intentos corresponden a Ediciones B y a Planeta. Durante las décadas de los ochenta y noventa del siglo XX, aparecieron nuevas aventuras inéditas, sin éxito. Fueron muchos los autores que reinterpretaron al personaje (como Amador García, Jesús Blasco, Luis Bermejo,...), pero tuvieron más éxito las reediciones ordenadas de las historias de Ambrós y Fuentes Man publicadas hasta 1968, aunque gozan de cierto prestigio entre los seguidores más puristas las historia aparecida en la Historia de los Comics de Toutain Editor y Cita en Córdoba publicada en 1989, y considerada la historia 619 de El Capitán Trueno.

Con motivo del 50 aniversario de su creación, en 2006, se vivió un renacimiento del interés por El Capitán Trueno y las ediciones conmemorativas como del volumen (asimismo de gran formato) "El Gran Libro del Capitán Trueno", con magníficas ventas. Y aparecen nuevas historias como Silencios, la Juventud del Capitán Trueno sobre la primera juventud del héroe y se anuncian para 2010 ua historia nueva, La muerte de El Capitán Trueno y una película, Thunder Captain, The Holy Grial. Ambas nos ponen los vellos de punta. De verdadero miedo.

Curiosamente, el protagonista de las historias, El Capitán Trueno, un caballero español de la Edad Media en tiempos de la Tercera Cruzada, siglo XII, es catalán, ampurdanés. Fiel al formato de Ví Mora, estará acompañado por sus amigos Goliat, el fuerte, gordo, no muy listo, y Crispín, joven, jovial, muy listo y, en muchísimas ocasiones, también por Sigrid, la novia de Trueno y Reina de la Isla de Thule. A diferencia de otras historias de la época, en el Capitán Trueno las demás razas y culturas no son consideradas inferiores; así, se crean lazos de amistad y enemistad con vikingos, chinos, indígenas americanos; y de la misma forma entre los propios españoles junto a los personajes honrados y valientes aparecen a menudo malvados. Además ni siquiera los malos que aparecen son malos en términos absolutos, el propio Ragnar de Loghbroth, padre adoptivo de Sigrid, aparece como pirata que asalta naves para hacerse con las riquezas de los mercaderes, pero que luchaba a su vez contra los traficantes de esclavos. El Capitán Trueno aparte es un personaje más humanizado que otros de la época. Como ejemplo, frente a la rigidez de Roberto Alcázar, imperturbable, al que ni siquiera al contrapunto cómico que pudiera suponer Pedrín hace sonreír, el Capitán Trueno sonríe y hasta se ríe a carcajadas con las ocurrencias y desastres que protagonizan Goliath y Crispín.

Las mujeres en esta obra de Víctor Mora son tratadas también de forma diferente a como lo son en otras obras de la época, no se limitan a ser la compañera del guerrero, sino que tienen una decisión y una capacidad de mando muy alejada de los arquetipos de la época. Sigrid se convierte en Reina de Thule, y gobierna sin necesidad de tutela masculina alguna, y no por ello lo hace mal. Es cierto que el deseo de Sigrid sea casarse con su héroe, pero no por ello desatiende sus obligaciones de buen gobierno con respecto a sus súbditos, razones y responsabilidades que le impiden acompañar al héroe en muchas de sus aventuras.

La introducción del mago Morgano indica que no todo estaba muerto en la inteligencia española,

en una sociedad dominada por el oscurantismo y unas firmes creencias en lo más retrógrado de la moral religiosa, Víctor Mora lo introduce para que sirva como elemento de raciocinio y distinga la Ciencia y los avances técnicos de la falsa magia y la superchería. Esta inclusión hace que aparezcan anacronismos en la historia, como el globo, pero que son advertidas por el autor. Este elemento les sirve para desplazarse con facilidad por casi todo el mundo. Otros anacronismos y despiste históricos de la serie, son disculpables, como licencia de autor, y porque, en contra de lo habitual en los tebeos de ella época, la ambientación geográfica e histórica están muy cuidadas. Podemos mencionar en su haber el conocimiento de la pólvora, cuando viajan a China, del imperio persa, de Saladino, de Gengis Khan; y en su debe, inexactitudes sobre las sagas vikingas, la posible llegada a Teranova de éstos, un egipto faraónico en plena Edad Media, ....

El Capitán Trueno tuvo ciertos problemas con la censura, nada de extrañar si el propio Víctor Mora fue detenido y encarcelado por pertenecer al PSUC y vivir en pecado con su pareja. Que no hubiera otras razas consideradas inferiores, el que en ocasiones tras luchar contra los que oprimen a cierto pueblo el Capitán Trueno se marche y sean los integrantes del propio pueblo sin pedirle al hombre blanco que les designe el mandatario, quienes lo elijan, convertían al héroe en alguien fuera de lo usual en la época; el Capitán Trueno se convertía de alguna forma en un defensor de los Derechos Humanos, en contra de lo marcado por la censura de la época y el Régimen Franquista, siempre ensalzando la victoria sobre los agnósticos y ateos (por ejemplo la lucha contra el musulmán infiel) y propugnando los valores del catolicismo más ortodoxo.

Esto hizo que en algunos casos determinadas situaciones se cambiaran para evitar problemas, desde el punto de vista político, el Reino de Thule no es mostrado como una Monarquía Parlamentaria, como la mayoría de los pueblos vikingos, sino como un Reino con tintes de tipo paternalista y semiautoritario. Y para evitar que Sigrid y el Capitán Trueno llevaran una vida de pareja fuera del matrimonio, la Reina Sigrid no acompaña en todo momento al Capitán Trueno, sino sólo en contadas ocasiones.

Víctor Mora ideó otras dos series con personajes parecidos, El Jabato, El Cosaco Verde y El Corsario de Hierro. El formato es siempre el mismo y la galería de personajes similares: Taurus, Fideo de Mileto, Claudia, Mac Meck, el mago Merlini, Lady Roxana, repiten los arquetipos, héroe, el amigo grande y fuerte, el amigo pequeño y más débil, y la eterna enamorada. Con esto están aseguradas las peleas, que ya vendrían solas, las risas y la vis cómica con la glotonería y la cobardía, el compañerismo y el amor. Este amor se muestra de forma casi siempre platónica, salvo en las historias de finales del siglo XX, en las que se ve a Sigrid desnuda en dos ocasiones, una en un baño en un río, y otra compartiendo cama con El Capitán Trueno.

Para terminar unas notas sobre los autores más conocidos:

- Víctor Mora ha conseguido un reconocimiento por parte de la crítica y de los seguidores. Además del reconocimiento de, cómo no,las autoridades y los críticos franceses.

- Fuentes Man está considerado como el mejor continuador de la labor de Ambrós. Un accidente cardiovascular le privó de continuar la serie de El Corsario de Hierro.

- Ambrós, el padre de la criatura, el de una historia más triste. Ex-maestro republicano , aprendió a hacer tebeos para subsistir, y ya era conocido cuando inició El Capitán Trueno. Abandonó Bruguera en 1.965, aunque volvió para dar vida a El Corsario de Hierro, y, definitivamente, los cómics en 1.981, subsistió sin ningún tipo de pensión hasta 1.992. Para este genio de la historieta apenas un galardón del salón del cómic de Barcelona y una estatua de Trueno en su pueblo natal.

¿ Y todavía nos preguntamos por qué nos da rabia que otorguen la Medalla del Mérito en el Trabajo a alguna cupletista revenida o la Medalla de las Artes de San Fernando a un torero más famoso por su vida privada que por su supuesto arte ?

Para saber más:

http://www.capitan-trueno.com/

http://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Mora

http://es.wikipedia.org/wiki/Ambr%C3%B3s

http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Fuentes_Manuel

UN MAESTRO LLAMADO WILL EISNER.

2009-10-19T03:46:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 20 DE OCTUBRE DE 2009)

La fascinación que crea este maestro del noveno arte es tal que no sé muy bien cómo comenzar. Su personaje más representativo, The Spirit, valdría para colocarlo en la nómina de los más grandes entre los grandes; pero es que este genio, cuando ya parecía desaparecido para el mundo del cómic, regresó y se reinventó a sí mismo e inventó un nuevo concepto de cómic.

A él no le gustaba hablar de cómic sino de arte secuencial, de narración gráfica, y, bajo estas premisas teóricas, creó la primera novela gráfica de la historia con el trasfondo de un Nueva York desgarrado.

Su genio había aparecido en los años 40, en los que nació Spirit. Este detective con ciertos aires de superhéroe a la usanza de los 40, personalidad secreta y sin superpoderes fantásticos, inició su carrera en los periódicos y pronto pasó a un cómic-book exclusivo en el que se desarrollaban sus aventuras. Generalmente, en historias autoconclusivas dé 7 ó 8 páginas.
La temática no puede ser otra que la de la lucha contra el crímen ayudado por una serie de secundarios de lujo en los que destacan el amigo de Spirit, Ebony y el detective Dolan.
Spirit es un reclamo para el sexo femenino, y son numerosas las mujeres que quieren conquistarlo, pero se mantiene firme en su empeño de luchar contra el mal y, suele, rechazar a estas nujeres.
Esta circunstancia ha sido polémica, se dice que hay una aparente misoginia de Spirit/Eisner, y convierte el juego de seducción y la lucha de sexos en una ridiculización de la mujer. No es así, no solamente porque la mayoría de personajes femeninos que aparecen (como Silver Silk), gozan de mayor inteligencia y capacidad que la de los hombres de la serie; o porque la mayoría de las mujeres que aparezcan son independientes y cuentan con su trabajo y estabilidad económica; sino porque hay que leer esta obra en su contexto, se trata de una obra en la que el rasgo fundamental que domina es el humor, un tanto socarrón e irónico (al estilo de Lil´Abner de Al Capp), tanto que Spirit es ridiculizado a veces, y esta permanente huida de The Spirit de las mujeres le da un cierto aire de comedia ligera. Muy apto para que la serie se distribuyera en periódicos de todos los EE.UU.
Bajo esta pretendida ligereza e ingenuidad, se satiriza a la sociedad americana, se denuncia al hampa, a los políticos, a la policía. Las mujeres son seductoras, provocativas, independientes,... Y si se menciona el supuesto tinte racista con el que Eisner trata a Ebony, hay que recordar que el primer presidente negro de Estados Unidos fue Ebony en la historia llamada La elección del Presidente Junior.
Bajo esta pretendida ligereza e ingenuidad, se esconde una obra impresionante, en la que se ponen de manifiesto nuevos encuadres y perspectivas en el cómic; nuevos puntos de vista sobre los personajes, el encabalgamiento de unas viñetas sobre otras, un dibujo aparentemente fácil pero muy eleborado y muchos detalles que convierten a Spirit en una cima de la historieta. Podríamos poner una comparación cinematográfica, Spirit es como Ciudadano Kane, o los encuadres clásicos de Eisner son como los planos secuencias de Billy Wilder, llenos de detalles y precisión, renunciando al primer plano para recrear el ambiente y el detalle.
Eisner es una prueba de que el mundo de los ilustradores, dibujantes, guionistas y artistas es duro. Tras dejar la serie The Spirit en 1956, Eisner no consigue trabajar nada más que como publicista. Es cierto que su serie le genera algún que otro beneficio económico, proveniente de los derechos que usan los Syndicates, pero no goza de ningún tipo de reconocimiento intelectual en un mundo y una época en la que en el mundo del cómic dominan los cánones impuestos por la Márvel y la DC Comics (superhéroes, mutantes, mundo atómico y fantástico) ó el floreciente cómic underground que nacía en San Francisco.
Es Europa quien le rescata de ese olvido. Cuando en 1970 un editor sueco le ofrece reeeditar The Spirit, renace en Eisner la llama del cómic y escribe dos ensayos teóricos esenciales para que el cómic americano goce también del reconocimiento intelectual del que empezaban a gozar ciertos autores europeos.
En España la censura entendió bien el mensaje transgresor de Spirit, eso de reirse de la autoridad, de la policía, y los escotes, vestidos y actitudes sugerentes de las mujeres que aparecían, provocaron que estuviera prohibido hasta 1.977. Después, Norma Editorial o Cairo nos trajeron a The Spirit y Josep Toutain a través de sus revistas, álbumes y editoriales reivindicó la figura de Eisner. Es imposible olvidar las editoriales sobre Contrato con Dios ó Will Eisner. Cuando el Cómic es Arte, la venta de pósters e ilustraciones, imposibles para un bolsillo vacío.
Eisner se convirtió, casi a su pesar, en un genio, en una figura viviente capaz de conexionar la edad de oro del cómic americano con nuestra época. Y ésto que le habría permitido jubilarse y vivir de las rentas holgadamente, le motivó para llenar la última etapa de su vida de obras maestras. A las mencionadas ya, habría que sumar El último día en Vietnam, Fagín el judío y La Conspiración. La verdadera historia de los Protocolos de los Sabios de Sión.
Estas dos últimas obras como un homenaje al pueblo judío del que formaba parte. Tal y como él mismo explica en el prólogo de Fagín el judío, entiende que siempre que aparece un judío en una historia desempeña un rol negativo, es un ladrón, un mercader avaricioso, un usurero, y él quiere luchar contra ese odio racista y explicar qué convierte a un muchacho huérfano en el personaje más popular de la literatura inglesa, Oliver Twist, y a otro muchacho huérfano y judío en uno de los más odiados y olvidados, Fagín, maestro de ladrones.
La Conspiración es su obra póstuma, obra de denuncia política y documental en cómic, en el que hace un seguimiento de uno de los mayores fraudes de la historia, Los Protocolos de los Sabios de Sión, una obra inventada por la policía secreta rusa para poder justificar los progromos del zar contra los judíos y que, a pesar de que se ha demostrado su falsedad en múltiples ocasiones, ha servido y sirve para justificar el odio y el maltrato a los judíos; quienes en estos Protocolos revelan un supuesto y ficticio plan para conquistar el mundo. La famosa conspiración judeo-masónica.

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Will_Eisner

http://www.willeisner.com/

http://es.wikipedia.org/wiki/The_Spirit

http://www.alohacriticon.com/viajeliterario/article1484.html

LA SOMBRA NAZI. AUSCHWITZ.

2009-10-08T06:52:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 13 DE OCTUBRE DE 2009)

Fue en 1945 cuando acabó la más cruenta de las guerras que ha vivido la humanidad, la II Guerra Mundial. De su existencia queda hoy un atroz recuerdo de millones de vidas cercenadas por la barbarie de la guerra y el conocimiento científico de la inhumanidad de los tormentos aplicados por los nazis a aquellos que no consideraban de raza aria.

El mundo de la historieta ha reflejado este conflicto en innumerables series y cómic-books, el punto de vista adoptado en la mayoría de ellos es el bélico. Esta guerra es espectacular desde una óptica militar, se lucha con armas sofisticadas, hay estrategias nuevas, y una alianza de naciones vence a un poderoso ejército. (Ver Capitán América, Capitán Marvel, Superman, Sargento Furia, Hazañas Bélicas,...).

En los años 70 el punto de vista cambia, y el conflicto se empieza a mostrar focalizándolo en la víctimas de esa cruenta guerra, en los encerrados en los campos de concentración como Auschwitz y en los tormentos y en las torturas sufridas.

Por eso hablo hoy de Auschwitz de Pascal Croci (Año 2005, Norma Editorial) y, sobre todo, de Maüs, de Art Spiegelman (Año 2005, para la edición de Reservoir Dogs), pero escrita entre 1973 y 1991, obra por la que, por primera vez, y única de momento, un cómic ha recibido el Premio Pulitzer.

Cualquier obra relacionada con el Holocausto judío está destinada al éxito (al menos, según un personaje de La Decisión de Sophie), pero hay una diferencia fundamental de nivel entra las dos obras que traigo hoy. Croci apuesta por ilustrar su historia con un dibujo detallado y realista, lo que le da cierto aire documental; el dibujo de Spiegelman es mucho más sintético, de trazo sobrio y cuidado, dibujo desnudo que intenta pasar desapercibido para ser funcional. Y Pascal Croci recurre al dibujo de hombres, que se convierten en esqueletos andantes, mientras que Spiegelman ilustra su historia con ratones y gatos claramente antropomórficos, lo que en vez de restar gravedad a la historia, la amplifica.

¿Quiénes son Pascal Croci y Art Spiegelman?

Pascal Croci es un excelente dibujante y guionista francés nacido en 1961, y residente en Montpellier. Se inició dibujando personajes y cómics históricos para diversas publicaciones hasta que realizó este cómic, Auschwitz, como un proyecto muy personal. Hasta ahora su mejor obra es una adaptación del Drácula de Bram Stoker al que imprime su sello como dibujante muy realista y detallista.

Para realizar Auschwitz hizo minuciosas investigaciones, se reunió con antiguos reclusos de este campo de concentración, se basó en el documental Shoah, y en películas como La Lista de Schindler y las memorias de Wladyslaw Szpilman (El Pianista). Su trabajo le valió un premio de la Asamblea Nacional Francesa en 2001.

Sin embargo, su obra es demasiado amanerada, el rostro permanentemente desencajado y deforme de los protagonistas no consigue que se alcance un alto climax emocional y su obra le debe en exceso a las fuentes en las que se basa (copiando incluso escenas de películas), por lo que se tiene la impresión de que ya se ha visto esta historia y de que aporta muy poco.

Démosle dos aciertos además de lo exacto de la narración, de la reproducción exacta de detalles como los uniformes y de la disposición del campo. Uno es un episodio dramático que relaciona el genocidio nazi con el de las guerras balcánicas y el otro es un pasaje en el que el protagonista se enrola en el batallón de limpieza de las cámaras de gas para ver por última vez a su hija cuando vaya a ser eliminada (tratamiento especial).

Art Spiegelman nació en Estocolmo en 1948, aunque se crió en EE.UU. Se formó en arte y diseño y comenzó su carrera dibujando ilustraciones para pegatinas y cromos (como la pandilla basura). A mediados de los sesenta se inició en los cómics underground en San Francisco y dibuja para varias publicaciones del estilo fanzine. Vuelve a Nueva York y allí desarrolla su trabajo en periódicos creando varios personajes, hasta que en 1980 funda con su mujer una revista, Raw, al estilo europeo que difunde a autores de la nueva ola americana y europea, y en la que comienza a publicar en formato de serial, Maus. Autor de temas conflictivos, realizó en 2004 un cómic sobre los atentados del 11-S, titulado Sin la Sombra de las Dos Torres.

Maus es la historia de un superviviente de Auschwitz, Vladek Spiegelman. Se trata del padre del autor, un judío polaco que sobrevivió al encierro en Auschwitz. La narración se hace como una conversación que mantienen padre e hijo y así toda la historia queda marcada no solo por la situación de los judíos en Polonia durante el III Reich, sino por la difícil relación paterno-filial, por el suicidio de la madre, hecho real que aconteció durante la juventud de Art Spiegelman y por la muerte de un hermano, que no conoció, durante el encierro en el campo.

Maus no solo merece el Premio Pulitzer en 1992 sino el reconocimiento mundial. Ha sido publicada en toda Europa y atacada por grupos neonazis y negacionistas del Holocausto.

Entre las curiosidades del libro, la representación de las distintas nacionalidades se hace mediante distintas especies animales de carácter antropomórfico. Así los judíos son ratones (Maus es ratón en alemán), los nazis son gatos, los polacos cerdos, ranas para los franceses, ciervos para los suecos, perros para los estadounidenses y peces para los ingleses. La elección es deliberada, se trata de una metáfora sobre la ratonera en que se conirtió la Polonia ocupada para los judíos, y cómo se sintieron traicionados por el resto de polacos.

El dibujo en blanco y negro de trazo muy anguloso y nervioso está muy influido por el expresionismo alemán. Sin duda hay infuencias en su obra de films como La Decisión de Sophie o de libros como Si esto es un hombre de Primo Levi, pero de las que no copia sino que se limita a adoptar el mismo punto de vista, el del testigo al que la experiencia marca su vida y la de la de sus descendientes. Es significativo el título de la primera parte del libro, Mi padre sangra historia, y la de la segunda, Comienzan mis problemas.

El padre del autor, Vladek Spiegelman, usa un inglés defectuoso que delata su origen polaco. Es el propio de una persona mayor que no ha aprendido bien inglés y que confunde tiempos verbales, géneros gramaticales, el uso del ser y estar y las preposiciones. Esto lo hace deliberadamente el dibujante, y se cometió el error de eliminarlo en la primera edición española y se ha corregido en las siguientes.

La edición de Reservoir Dogs del año 2005 está prologada por el escritor Umberto Eco, lo que da una idea de la dimensión de este cómic y de su repercusión internacional. Por cierto, en semanas siguientes hablaremos de otra obra prologada por Eco, La Conspiración-La verdadera historia de los Protocolos de los Sabios de Sión, y de su autor, Will Eisner.

Para saber más:

http://blog.metropolislibros.com/comic/auschwitz-de-pascal-croci/

http://www.fundacionruylopez.org/node/451

http://www.guiadelcomic.com/comics/maus.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Maus

http://es.wikipedia.org/wiki/Art_Spiegelman

PEANUTS.TIRAS CÓMICAS.

2009-09-28T16:03:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 29 DE SEPTIEMBRE DE 2009 )

La era moderna de los cómics nace en los periódicos (la era antigua queda en los códices y en los tapices de otra época) y es una transformación de las ilustraciones cómicas y satíricas que aparecían en los diarios del siglo XIX. La temática de estas tiras consistía, por lo general, en historias de corte humorístico que intentaban sacar una sonrisa del lector, bien adulto o bien infantil. De ahí el nombre de cómic que se le da a esta forma de arte y de ahí su identificación con un arte menor dirigido a niños.

Así que el cómic nació en los periódicos y de esta forma se ha publicado durante muchos años, sobre todo en el ámbito estadounidense donde los Syndicate consiguieron no solo la más amplia difusión de cada tira sino unos derechos laborales y de autor mínimos para los artistas que fueron el germen para el reconocimiento artístico e intelectual.

No voy a extenderme más sobre este asunto de los orígenes del cómic, ya tengo experiencia para saber que esta parte de la historia de los cómics resulta poco atractiva, pero sí voy a traer aquí varias tiras que han alcanzado amplia fama y difusión. Se trata de Peanuts , Mafalda, OLafo, Garfield y Cuttlas. Estas series se siguen publicando en la prensa española, bien en dominicales (El Pais - Peanuts/Garfield), bien dentro del periódico como una sección más (ABC/Olafo, 20 Minutos/Cuttlas) o bien como coleccionables (Mafalda/El mundo).

El nombre de esta entrada, Peanuts traducible como cosas pequeñitas, quiere, en la medida de lo posible, homenajear a este tipo de cómics, de menor formato que el comic-book, la novela gráfica o los grandes seriales, y que, en ocasiones ha alcanzado cotas artísticas muy elevadas. Digo en ocasiones porque, a pesar de que la crítica y el público ensalzan algunas de estas historias, yo pienso que son una parte muy menor dentro del mundo del cómic.

Snoopy es el personaje emblemático de la serie Peanuts, su personalidad destrona a Charlie Brown y al resto de personajes. En España ha sido abanderado de una tribu urbana, la de los pijos ochenteros, y en EE.UU. la mascota de la NASA, ¿tendríamos que pensar que hay un significado sociológico en esto?. Simbolismos aparte, la crítica especializada en cómic considera la serie Peanuts en su totalidad una obra maestra, algo que no comparto por algunas razones que tienen que ver con la dimensión de las historias, muy limitadas, con los guiones y con el dibujo.o obstante, reconozco la valía de Charles M. Schultz como artesano y como gran trabajador, que incluso tuvo la valentía de dejar unas viñetas de despedida que se publicaron el mismo día de su muerte, 50 años después del inicio de los Peanuts.

En cuanto a Quino, me parece un gran artista, un gran ilustrador y un gran humorista, pero lejos de su obra más conocida, Mafalda. Esta niña contestataria del periodo inmediatamente anterior a la dictadura militar argentina, que vive el 68 y la caída del peronismo alcanzó una gran difusión mundial, sin duda, amplificada por las circunstancias en las que se publicaba, con muchos problemas de censura y con muchas libertades restringidas. Sin embargo, el recurso de acudir a eslóganes facilones del final de los setenta y la representación de arquetipos y prototipos de la sociedad en los pequeños amigos de Mafalda (Guille, Susanita, Manolito, Libertad) no aumentan sino que disminuyen los valores artísticos de esta serie, porque, donde otros autores como Goscinny o el propio Calpurnio toman el tópico y lo convierten en un personaje agradable, Quino no logra convencer. Esto lo comento, es obvio, porque a mí no me convence esta supuesta ingenuidad del personaje, algo que sí ha hecho con millones de lectores.

Pero es que el éxito de público y la continuidad de series en el tiempo no garantizan que sean de tal calidad como para ser incluidas en una selecta élite de los cómics. Es cierto que se trata de obras simpáticas que con frecuencia hacen acudir una sonrisa a la boca y a la mente del lector, algo difícil teniendo en cuenta la limitación espacial de estas tiras; pero no es menos cierto que a nadie en sus cabales se le ocurriría incluir los sainetes de los Álvarez Quintero en la categoría de grandes obras de la Literatura. Así, la obra con tintes autobiográficos de Jim Davis, Garfield, el gato mascota de Jon que se convierte en amo de la casa, o la obra Olafo el Vikingo, conscientemente anacrónica, no dejan de ser meros entretenimientos de consumo rápido.

El caso hispano es singular, gozamos de algunos de los mejores artistas en este género, pero han tenido poca difusión en los dios por lo que han sido publicados con frecuencia en revistas especializadas, lo que les ha dotado de mayor libertad creativa. Es el caso de Ibáñez, Escobar y otros, que desplazados de los periódicos por los humoristas gráficos hicieron carrera, y obra, en publicaciones como Mortadelo ó DDT. Calpurnio, autor zaragozano, es un buen ejemplo de cómo la imposibilidad de publicar en diarios lo llevó a los fanzines, a Víbora, a Cairo, y se convirtió, pese a todo lo dicho antes sobre este subgénero, en un artista con una obra esplendorosa, Cuttlas, que aun sigue viva !en un periódico!.

Cuttlas es una debilidad personal, no solo por el surrealismo de las historias, una pretendida facilidad e ingenuidad, los toques de lirismo, los homenajes al western, el uso de los tópicos sobre los indios y los mejicanos, sino porque Cuttlas se inventa a cada paso y sorprende; porque un personaje que no tiene facciones tiene una personalidad mucho mayor que todos los mencionados en este post; casi una línea; casi como una figura del Greco, nada de carne, todo alma.

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Snoopy

http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Schulz

http://es.wikipedia.org/wiki/Charlie_Brown

http://es.wikipedia.org/wiki/Mafalda

http://es.wikipedia.org/wiki/Quino

http://es.wikipedia.org/wiki/Garfield

http://es.wikipedia.org/wiki/Jim_Davis

http://es.wikipedia.org/wiki/Olafo_el_vikingo

http://es.wikipedia.org/wiki/Cuttlas

http://es.wikipedia.org/wiki/Calpurnio

MICKEY MOUSE. DON MIKI.

2009-09-22T02:31:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 22 DE SEPTIEMBRE DE 2009 )

Podría contar uno de los recuerdos infantiles más amargos y a la vez más placenteros que, sin duda, he vivido asociado al ratón Mickey; se trata de que, apenas había apendido a leer, devoré todos los números publicados de la revista Don Miki. Ésta era una publicación semanal que apareció en 1976 y por la que se descubrieron en España las historias de Disney que permanecían para nosotros asociadas únicamente a los dibujos animados.

La verdad es que estas historias llegaron tarde a España. Aquí se conocía al ratón Mickey y al resto de personajes Disney a través de las películas y de los cortos que, ocasionalmente, se veían en los cines. Los otros soportes de estos personajes eran el álbum de cromos, recurso mercadotécnico eterno, y algunos libros que reproducían las historias de las películas o buscaban alguna continuación a las películas no siempre con gran acierto.

Pero el ratón Mickey había nacido mucho antes, en 1928, y en su tercera aparición en un corto de dibujos animados ya hizo historia al ser el primer corto de dibujos animados sonoro de la historia del cine (Streamboat Willie- El héroe del río). Su dibujante original fue Ub Iwerks, al que la versión más fidedigna sobre el nacimiento de Mickie, considera el padre del personaje por encargo de los estudios Disney que acababa de perder los derechos del conejo de la suerte en favor de la Universal.

El éxito del personaje hizo que la Kings Feature Syndicate adquiriera los derechos para una tira diaria en la prensa americana que realizaban al principio como dibujante Ub Iwerks, Win Smith como entintador y Walt Disney como guionista. Menos de un año después Ub Iwerks fundó su propio estudio y abandonó la Disney por lo que, con Walt Disney dedicado de lleno a la animación, hubo que recurrir a un nuevo dibujante para las tiras de prensa cómicas de Mickey Mouse.

Floyd Gottfredson era un dibujante que acababa de llegar a los estudios Disney al que no hacía mucha gracia dedicarse a las tiras cómicas porque prefería la animación, pero la insistencia y el fuerte carácter de Walt Disney le convencieron para dedicarse temporalmente a los dibujos de las historietas. Recién llegado al cómic, acabó con las historias empezadas por Ub Iwerks y Win Smith y comenzó la construcción de seriales un poco más largos del ratón. La primera historia atribuible en exclusiva a Gottfredson es Mickey Mouse en el valle de la Muerte.

Resulta fundamental esta aportación porque desde este momento el universo de Mickey se amplía; de Minnie y Pete Patapalo se pasa a una variedad de personajes importantísima, Clarabella, Horacio, Pluto, Goofy, Mortimer, Sylvester Shyster, los padres de Minnie, etc... Y Mickey Mouse, el personaje que había nacido para el cine, inició una vida paralela en el mundo de la historieta.

La diferencia primordial en la temática de los cómics y en la de las películas está en que las películas conservan un sesgo infantil y cómico, mientras que el cómic es un cómic de aventuras en el que los personajes principales son animales, pero no tan animales. Las historias que viven Mickey y Minnie a lo largo del periodo entre los años 1931 y 1955 en que la Kings Feature Syndicate deja de publicar estas historias largas en prensa, son las que podría haber vivido cualquier otro héroe del cómic; desbaratan a traficantes de alcohol y de drogas, se enfrentan a fantasmas, a cultos misteriosos en la américa andina y maya, viajan a Europa y viven aventuras parecidas a las del prisionero de Zenda, o derrotan a dictadores europeos. Se ve que están dirigidas a un público más adulto.

A partir de 1955, la censura hace estragos, y el ratón la sufre especialmente. Su espacio se ve confinado a una tira diaria y a una hoja semanl, con lo que se coarta la libertad expresiva, pero además es que la relación entre Minnie y Mickey debe ser distinta. A lo largo del periodo anterior Mickey y Minnie habían vivido como una pareja de hecho, compartido casa, habitación durante los viajes, en alguna ocasión aparecen acostados juntos y todo esto sin estar casados, algo que la sociedad americana de 1955 no podía permitir, por lo que desde ese momento se convierten en eternos novios que viven un amor platónico que incluso se ruborizan con un beso en la mejilla. Ridículo si recordamos lo que habían vivido juntos durante más de 20 años.

A España las historias de Gottfredson no llegaron en su día, no fueron traducidas ni publicadas, hasta que en 1976 la editorial Montena inició la publicación en formato cuartilla de Don Miki. Una revista que nos trajo las historias de Mickey Mouse alternado las historias a partir de 1955, con historias realizadas en Italia, donde continuó la franquicia, y con historias muy escogidas de los primeros años de Mickey. Era una revista para niños y niñas por lo que las historias de Mickey estaban excesivamente seleccionadas, resultando el ratón en algunas ocasiones un pequeño sabelotodo. Sin embargo, poco a poco las historias antiguas consiguieron que Mickey enganchara tanto como el otro gran protagonista de la revista, el Pato Donald.

El Pato Donald fue un secundario de lujo de un corto de dibujos animados de Disney de la serie Sinfonías Tontas, que también pasó al cómic. Fue de la mano de un italiano que lo convertía en un viajero del espacio que visitaba Marte. Hasta 1942 Donald Duck fue un personaje cuyas tiras se publicaban además de en Italia en EEUU, pero que dibujaban italianos, este año Carl Barks se hace cargo del Pato Donald y surge una obra magnífica.

El Pato Donald de los dibujos animados es un gamberro, el de las historietas es un "muchacho" normal que vive situaciones cómicas y aventuras. Aparecen sus sobrinos, Jorgito, Jaimito y Juanito, el Tío Gilito, Patomas, Ungenio Tarconi, los jóvenes castores, los golfos apandadores... y, sobre todo, la piscina deTío Gilito. Son de especial mención la saga de Patomas donde Donald, casi un mediocre, se convierte en un superhéroe, con personalidad secreta, disfraz, máscara y un montón de artilugios diseñados por Ungenio Tarconi. Y la saga de Tío Gilito donde cuenta la historia de la familia Duck, desde el antiguo Egipto a los modernos Estados Unidos pasando por España, Inglaterra, Roma, el Yukón y la Fiebre del Oro, la conquista de Florida, ... Don Miki tuvo el acierto de regalar diez monedas con la efigie del Tío Gilito en cada una de las épocas de la saga y de publicar el manual de patomas y el de los jóvenes castores, un grupo parecido a los boy-scouts que abanderaban los sobrinos de Donald.

Donald es menos receptivo al amor que Mickey, su relación con Daisy es la de un soltero empedernido que no quiere comprometerse, pero que se pone celoso si Daisy sale con algún otro pato. Tampoco anduvo lejana esta relación de la censura, ni los oscuros orígenes de sus sobrinos, hijos de la hermana de Donald, pero de padre desconocido.

Por cierto, mi recuerdo agradable fue leerme la saga completa de Patomas y de Tío Gilito, el triste que aquella colección se perdió para siempre junto a las monedas del Tío Gilito y El Manual de los Jóvenes Castores.

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Carl_Barks

http://es.wikipedia.org/wiki/Beagle_Boys

http://es.wikipedia.org/wiki/Don_Miki

http://es.wikipedia.org/wiki/Pato_Donald

http://es.wikipedia.org/wiki/Mickey_Mouse

http://es.wikipedia.org/wiki/Floyd_Gottfredson

ASTÉRIX, GOSCINNY, UDERZO.

2009-09-14T04:30:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 15 DE SEPTIEMBRE DE 2009 )

Cuando por suerte del destino se unieron los caminos de Uderzo, un dibujante daltónico, y Goscinny, un temperamento genial, comenzó la historia de uno de los personajes más famosos que ha dado Francia. Y no hablamos de personajes solo de ficción sino que se podrían incluir a los galos de la aldea de Armórica entre los personajes más conocidos de Francia, y quizás del mundo, puesto que Astérix es una de la publicaciones más traducidas y divulgada, pero no solo eso.

Yo suelo pecar de exagerado, y de francófono, pero para contar lo anterior me baso no en un vago conocimiento de la cultura francesa sino en una encuesta realizada hace muy poco a nuestros vecinos que consideraban a Astérix el candidato ideal para ocupar el Elíseo. Y en otra de esas encuestas sobre el grado de conocimiento que tienen los europeos del resto de países de la Unión, aparecían a la cabeza de los personajes franceses más recordados Napoleón, Astérix y El Inspector Closeau (?)...

Pero, dejando de lado la divagación sobre la cultura francesa, Astérix ocupa un lugar de privilegio entre las historietas a nivel mundial. No se trata de un cómic desde luego adulto sino de una publicación dirigida a todos los públicos en la que cada uno según su experiencia y nivel de lectura podrá sacar una u otra cosa, desde la parodia hasta el chiste visual y el slapstick, desde el humor un poco más inteligente sobre costumbres y usos de la antigüedad, desde el humor lingüistico hasta el más pueril.

Las historias de Astérix enganchan por su sencillez y, desgraciadamente hoy perdida, complejidad de detalles, de ambientación y de documentación. La pérdida de todos estos detalles está, sin duda, ligada a la muerte de Goscinny que no supuso la desaparición de la serie pero provocó un cambio de calidad, tan grande que se ha acusado a Uderzo de mantener y estirar más el negocio que la dignidad.

Quizás para empezar debería haber escogido las palabras con las que se inicia cualquier episodio de Astérix, "Estamos en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia esta ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y siempre al invasor". Pero me ha parecido que habría sido poco original por estar este recurso trillado al máximo. La historia que se cuenta es la de una tribu gala que después de la batalla de Alesia en la que Julio César vence a Vercingétorix y conquista las Galias sigue resistiéndose al invasor latino. La tribu la componen un puñado de personajes pintorescos entre los que destacan Astérix, Obélix y Panorámix, e Ideáfix. (Recalco la tilde ortográfica para que la pronunciación sea la original con acentuación llana en vez de la aguda que ha aparecido tras las películas)

Casi todas las aventuras narran las peripecias de Astérix y Obélix para mantener a los soldados romanos a raya, a los que detienen gracias a una poción mágica que el druida Panorámix formuló. Algunos viajes se realizan para buscar un ingrediente o elemento imprescindible para elaborar la poción mágica (La Hoz de Oro, La odisea de Astérix), otras veces es para ayudar a amigos en apuros (Astérix en Bretaña, Astérix en Bélgica, Astérix en Hispania), pero casi siempren tropiezan con los piratas más desgraciados del mundo.

Las historias de Astérix comenzaron en 1959, y se debería decir que no han terminado, ni terminarán porque Uderzo firmó un contrato que permitiría la continuación de la serie una vez él hubiera muerto. Esto causó una gran polémica, en la que incluso la hija de Uderzo se manifestó contra él, pero parece que la compañía a la que se ceden los derechos intentaría más la comercialización de otros formatos que del cómic.

La lista de historietas publicadas hasta hoy es la siguiente(se dejan enlaces a la wikipedia):

Astérix el galo (1961) *
La hoz de oro (1962) *
Astérix y los godos (1963) *
Astérix gladiador (1964) *
La vuelta a la Galia (1965)
Astérix y Cleopatra (1965)
El combate de los jefes (1966)
Astérix en Bretaña (1966)
Astérix y los normandos (1967)
Astérix legionario (1967)
El escudo arverno (1968)
Astérix y los juegos olímpicos (1968)
Astérix y el caldero (1969)
Astérix en Hispania (1969)
La cizaña (1970)
Astérix en Helvecia (1970)
La residencia de los dioses (1971)
Los laureles del César (1972)
El adivino (1972)
Astérix en Córcega (1973)
El regalo del César (1974)
La gran travesía (1975)
Obélix y compañía (1976)
Astérix en Bélgica (1979)
La gran zanja (1980)
La odisea de Astérix (1981)
El hijo de Astérix (1983)
Astérix en la India (1987)
Astérix, la rosa y la espada (1991)
El mal trago de Obélix (1996)
Astérix y Latraviata (2001)
Astérix y lo nunca visto (2003)
¡El cielo se nos cae encima! (2005)

Se trata de una serie de treinta y tres historietas a las que se unen películas en dibujos animados, películas con personajes reales, álbumes ilustrados de algunas películas y libros ilustrados como en el que se cuenta cómo Obélix se cayó en un marmita de poción mágica.

Se podría establecer una división importante en la serie, la ya mencionada muerte de Goscinny en 1977 hizo que a partir de La Gran Zanja, Uderzo se encargara del guión y del dibujo, llevando la serie a otros parámetros de calidad distintos, en los que priman el gag visual y las peleas, bien con romanos, bien entre galos.

La historia que comparten Uderzo y Goscinny podría dividirse en tres partes, la inicial compuesta por sus tres primeras obras, Astérix el Galo, Astérix y la Hoz de Oro, Astérix y los Godos, en los que se están creando los personajes y apareciendo los elementos recurrentes de la obra. A partir de Astérix Gladiador el dibujo cambia, los personajes se hacen más amables, tanto por el perfil psicológico como por el dibujo mucho más redondeado y caricaturesco. Se suceden álbumes llenos de detalles que convierten a Astérix en un obra de referencia, guiños a la antigüedad, referencias a clásicos latinos, griegos, ambientaciones sorprendentes (bastaría ver el viaje por una Hispania plagada de procesiones, las referencias al té), y anacronismos y tópicos intencionados sobre pueblos y naciones, para ver el fino sentido del humor de René Goscinny que se destapa tras estas historias. La última parte de esta historia común deja entrever a un guionista ya cansado con destellos de genialidad pero sin el pulso de antaño.

Para terminar comentar que la historia de estos dos amigos (Astérix-Obélix, Uderzo-Goscinny) tiene una riqueza que va más allá de las críticas que han podido recibir por hacer un producto simplista e infantil. Juntos fundaron y dirigieron la revista Pilote, cuna de grandes talentos como Jean Giraud "Moebius", y podrían haber tenido una vida fructífera dentro de la band desineé, Uderzo como dibujante, ilustrador, editor y productor y Goscinny como coautor de otras series importantísimas como Lucky Luke, Iznogoud y El pequeño Nicolás.

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/Asterix

http://es.wikipedia.org/wiki/Uderzo

http://es.wikipedia.org/wiki/Goscinny

300 Y PERSÉPOLIS

2009-09-07T02:45:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 8 DE SEPTIEMBRE DE 2009 )

Unir estas dos novelas gráficas de contenido y realización tan distintas puede parecer fantasioso, pero hay elementos comunes que pueden ayudar a establecer puentes de unión entre ambas historias. Pero, ¿qué tienen en común la narración de una batalla legendaria y la historia intimista de una iraní?, ¿Por qué unirlas?. Además de otras coincidencias, como el que de ambas obras se hiciera una película, las une el hecho de que en ambas, de alguna forma, el enemigo es común, es Irán o Persia y la tiranía de un Estado. Desde la comparación, para 300, Persia es el imperio opresor que quiere invadir una tierra cuna de la democracia; en Persépolis es para la autora del cómic, y protagonista de la historia, el estado iraní quien quiere invadir el espacio de libertad de la autora. Ambas obras muestran perspectivas de un mismo país separadas por casi tres mil años de diferencia, y por dos civilizaciones altamente contrapuestas.

La novela 300 es impresionante, la narración de la historia se realiza con un pulso narrativo muy intenso, de forma épica. Debe ser así porque lo que se narra es la historia de una de los acontecimientos bélicos más intensos de la historia, de como 300 espartanos detuvieron el avance de un ejército de un millón de hombres durante varios días hasta que todos perecieron, pero permitieron con su sacrificio el desalojo de varias ciudades griegas antes de ser arrasadas por los persas. Creo que se puede catalogar la historia de la gestación de esta novela como una historia de ida vuelta y otra vez ida del cine al cómic y del cómic al cine; Frank Miller ha confesado que la idea de escribir sobre la batalla de la Termópilas se la da una película que vio siendo niño, El León de Esparta, y en 2007 se realiza una película sobre esta obra de gran éxito.

En cuanto a la calidad artística de Frank Miller queda plasmada en su obra, en el empleo del color, del encuadre, de la viñeta, del formato, del claroscuro y del guión. Las licencias históricas que se permite el guión refuerzan el contenido épico y no dejan de tener un aire de fabulación de una realidad que hubiera sido posible.

Los cánones estéticos de Persépolis están en el otro extremo, frente al realismo, lo épico, la desfiguración intencionada de la figura para realzar la narración que hay en 300, está el aire näif de la historia íntima e intimista de Marjane Satrapí. Esto contribuye a que el lector sepa que no va a enfrentarse a una gran historia de luchas de grandes ejércitos sino a una narración llena de exquisiteces y de pequeños momentos.

La historia que se cuenta es la autobiografía de la autora, una iraní, que cuenta lo que es su país, alejado de lo que los occidentales pensamos que es. Irán, heredero de la civilización persa, ahogado primero por el shá luego por la revolución islámica, y en el que ella, una mujer, lo tiene aun más difícil.

Se trata de algo atípico sin ninguna duda, primero porque proviene de una cultura la musulmana, en la que está prohibida la representación de seres vivos, y segundo porque se trata de una mujer, a las que el acceso al mundo de los cómics ha estado muy vetado. De todas formas, es cierto que se publican en Francia, al igual que las otras obras de Satrapi, y que la autora, por su educación y su familia se ha occidentalizado.

Se trata, sin ningún género de dudas, de obras importantísimas de la historia del cómic.

Para saber más:

http://es.wikipedia.org/wiki/300_(historieta)

http://es.wikipedia.org/wiki/300_(pel%C3%ADcula)

http://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Miller

http://es.wikipedia.org/wiki/Pers%C3%A9polis_(historieta)

http://www.persepolislapelicula.es/

http://es.wikipedia.org/wiki/Marjane_Satrapi

UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD

2009-08-26T04:29:00.000-07:00

(PROGRAMA MIL PALABRAS. 1 DE SEPTIEMBRE DE 2009 )

Septiembre es el mes de los exámenes, de la reválida, la oportunidad de corregir lo que ha quedado incompleto o no se ha hecho. Valga esto para que pueda corregir lo que quedó de farragoso en la intervención sobre la historia de la historieta en España.

¿Qué debería haber dicho que no dije y que hizo de la colaboración algo más teórico de la cuenta? Que el tebeo español ha sido maravilloso, entretenido, genial y sin pretensiones, lo que lo convierte en un producto que ha alcanzado su estatus sin ser consciente de haberlo hecho, gracias a la labor de profesionales, de editoriales, de revistas y de historias y personajes que forman parte ya del acervo y de la cultura popular.

Hablaremos para corregir la intervención un poco teórica de la semana pasada de historietas, de revistas y de historietistas, serán, los protagonistas TBO, Pulgarcito, El Guerrero del Antifaz, El Capitán Trueno, El Jabato, Carpanta, Mortadelo y Filemón, Cuto....

Para hablar de los tebeos de esta época comenzaremos por los más conocidos tebeos de aventuras (tebeos, sí, tebeos, nombre hispánico y original) que animaron la infancia, y para muchos, algo más que la infancia de algunos de nosotros.

1. EL GUERRERO DEL ANTIFAZ

Clásico donde los haya, de la historieta española, ideado por Manuel Gago García, Gago. Desde su inicio se convirtió junto a Roberto Alcázar y Pedrín en una de las series más populares de los años 40. Se prolongó a lo largo de 21 años, con 661 cuadernos.

El argumento de la serie original que lanzó desde 1944 a 1966 es parecido al de un verdadero folletín, un personaje que descubre que, en realidad no es hijo de un reyezuelo musulmán, Alí Khan, sino de la condesa de Roca que había sido raptada ya embarazada; cuando este personaje descubre que en realidad es heredero de los condes de Roca, porque su propia madre la que se lo revela a pesar de que le cueste la muerte, reniega de su pasado musulmán, de sus luchas contra los cristianos, se pone un antifaz para ocultar su identidad y decide dedicar su vida a luchar contra los musulmanes.

La ambientación temporal de los hechos transcurre durante el Reinado de los Reyes Católicos, el ámbito geográfico es España y la costa mediterránea y berberisca, Túnez, Argelia, Turquía, Italia, Malta....

Los personajes principales de la serie entre los que hay que citar, desde luego, a los enemigos son:
a) del bando enemigo Harum, Ali Kan, Motamid, reyes ficticios de nombres vagamente árabes.
b) en el bando amigo, y en el amoroso, los hermanos Kir, Zoraida, Aixa, la mujer pirata y, por supuesto, su amada Ana María, hija del conde de Torres con la que al final se casa y tiene un hijo, Adolfito.

En los años 70 se reeditó en color y en formato vertical, con pequeñas modificaciones producto de la censura de la época, mayor incluso que en los años 40. Esta es la edición que conocemos la mayoría de los lectores más jóvenes del Guerrero del Antifaz. A finales de los años 70 se crearon las Nuevas Aventuras del Guerrero, con un argumento y una trama de distinto cariz a la original.

La publicación de esta historia correspondió a Editorial Valenciana, su autor lo creó cuando tenía unos 18 años. Gago se encargó de dibujar al personaje durante toda su historia, salvo un paréntesis de 80 números de Matías Alonso, y de los guiones de toda la serie, aunque ayudado por su hermano y cuñado. En 1966 se cierra la primera serie, la de los cuadernillos de 16 páginas, apaisados y en blanco y negro; pero de 1972 a 1978 se relanzó a color, y una vez que se terminaron las historias originales, se dedicó a continuar con el personaje hasta su muerte en 1980.

Los años 70 supusieron un fuerte varapalo al Guerrero del Antifaz, la crítica consideraba que se ensalzaban valores de la ideología franquista, lo que no deja se ser cierto, la supremacía del cristianismo, el valor de la Cruzada como lucha para conseguir la imposición de unas ideas, el ensalzamiento de los Reyes Católicos que le dan unidad a España...y además el dibujo de la serie está en ocasiones muy descuidado, en cuanto a detalles y fondo de la viñeta, aunque no es achacable a la calidad de Gago como dibujante, incuestionable, como demostraba en sus producciones más cuidadas sino debido al ritmo de trabajo. Esto motivó que en las Nuevas Aventuras, el autor quisiera cambiar las tornas y aparezcan problemas del protagonista con la Inquisición o que reniegue de los Reyes Católicos.

2. ROBERTO ALCÁZAR Y PEDRÍN

Quizás con El Guerrero del Antifaz constituye un baluarte de los tebeos de aventuras de la posguerra. Es la serie más conocida de principios de los años 40, Roberto Alcázar y Pedrín, creada en 1940, y editada por Editorial Valenciana. Esta serie ideada por el guionista Juan Bautista Puerto y el dibujante Eduardo Vañó, se prolongó durante 35 años y se convirtió en un paradigma de los valores del régimen. Los protagonistas lo resuelven todo con lo que denominan "jarabe de palo", no dudan en torturar, en utilizar métodos expeditivos y violentos, pero eso sí, España es una, grande e indivisible y acuden a misa puntuales todos los domingos. Esto les valió una parodia de los años 90, Roberto España y Manolín, de Miguel Ángel Gallardo, publicada en Cairo.

Durante su prolongada vida contó con guiones de Juan José Jover, y varios dibujantes entre los que destaca Amorós.

El protagonista, con rasgos físicos muy parecidos a los de José Antonio Primo de Rivera, es al principio de la serie un periodista, aunque luego aparece convertido en agente de la Interpol que persigue maleantes por todo el mundo. Pedrín es un muchacho de la calle al que Roberto Alcázar debe educar en las buenas costumbres, lo conoce en el primer número de la serie y lo convierte en su ayudante, sirve como contrapunto cómico al protagonista (¡Aprende, tío feo!; ¡Arrea, constipao!; ¡Carape!; ¡Carraspeta!; ¡Recastaña!; ¡Sopla!; ¡Toma, tío pelao!.). La relación entre los protagonistas ha dado lugar a comentarios sobre una relación homosexual entre Roberto Alcázar y Pedrín; hay una casi total ausencia de mujeres en la serie, y las que aparecían eran malas.